Frequentar os Incorporais

Artista Sandra Cinto constrói mar com carga literária

2010-07-07T13:36:00.000-03:00

Artista Sandra Cinto constrói mar com carga literária: "No mar de Sandra Cinto, as âncoras são literárias. Suas ondas prateadas poderiam ser a tal "onda que parava naquela hora precisa em que a pálpebra da onda cai sobre a própria pupila". Ou talvez aquela "que se continha; que contivesse um momento seu rumor de folhas líquidas".
Veja galeria de fotos da mostra de Sandra Cinto
Versos de João Cabral de Melo Neto, Rainer Maria Rilke, Edgar Allan Poe e alguns outros estão por trás da tempestade marítima que a artista desenhou nas obras da individual que acaba de abrir no Instituto Tomie Ohtake.
Leia mais (07/07/2010 - 07h01)"

Extensa obra de Basquiat se concentra em 8 anos de carreira

2010-07-06T00:44:00.000-03:00

Extensa obra de Basquiat se concentra em 8 anos de carreira: "Jean-Michel Basquiat, negro, filho de um haitiano, criado pobre mas então já famoso, morreu numa tarde de agosto de 1988 com uma overdose.
Museu organiza maior exposição já feita sobre Basquiat
Em oito anos deixou uma obra extensa, raivosa, intensa e sobretudo crítica. Avesso ao status-quo, revirou o cenário artístico de sua época em um momento em que as galerias começaram a ser invadidas pela arte das ruas.
Leia mais (29/06/2010 - 07h21)"

Museu da Suíça organiza maior exposição já feita sobre Jean-Michel Basquiat

2010-07-06T00:43:00.000-03:00

Museu da Suíça organiza maior exposição já feita sobre Jean-Michel Basquiat: "Não tivesse morrido em 1988, o pintor americano de origem haitiana Jean-Michel Basquiat completaria em dezembro 50 anos e estaria, na aposta do curador da maior exposição a seu respeito, parindo desenhos e vídeos compulsivamente, como não se vê mais na Nova York "limpa" de hoje.
Extensa obra se concentra em 8 anos de carreira
É essa "sujeira" criativa, o experimentalismo em falta, a carga social crítica, energia e raiva que Dieter Buchhard conjurou na Fundação Beyeler, na cidade suíça da Basileia, para produzir o que chama de uma mostra ampla e mais objetiva da carreira do pintor.
Leia mais (29/06/2010 - 07h05)"

Museu espanhol celebra aniversário com arte latina

2010-06-27T15:33:00.000-03:00

Museu espanhol celebra aniversário com arte latina: "O atual diretor do Musac (Museu de Arte Contemporânea de Castilha e Leon), Agustín Pérez Rubio, 37, é o mais jovem responsável por uma instituição com tal porte, na Espanha. Há cinco anos, quando o Musac foi inaugurado, ele era o curador-chefe do museu, tendo sido nomeado diretor em outubro do ano passado.
Desde então, Rubio, que circula frequentemente pela América Latina, tem incrementado as relações com instituições dessa região, sendo que, em São Paulo, a Pinacoteca do Estado é vista por ele como futuro parceiro.
Nesse sábado, Agustín inaugura três exposições no Musac, todas elas dedicadas à arte latino-americana, a principal delas, "Modelos para Armar", apenas com obras da coleção do museu.
Leia mais (26/06/2010 - 07h02)"

Curadora da última Bienal do Mercosul fará Bienal de Lyon

2010-06-27T15:32:00.000-03:00

Curadora da última Bienal do Mercosul fará Bienal de Lyon: "Foi escolhida para dirigir a próxima edição da Bienal de Lyon a argentina Victoria Noorthoorn. Ao lado do artista chileno Camilo Yáñez, Noorthoorn foi curadora-geral da última edição da Bienal do Mercosul, em outubro do ano passado, em Porto Alegre.
Ela também está preparando agora a retrospectiva da artista argentina Marta Minujin no Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), que começa no fim do ano. Minujin é uma das artistas escaladas para a próxima Bienal de São Paulo.
Noorthoorn, que agora assume a bienal francesa, já ocupou cargos de curadoria no MoMA, em Nova York, e trabalhou na representação argentina da 52ª Bienal de Veneza, que levou obras do artista León Ferrari.
Leia mais (26/06/2010 - 09h01)"

Neuenschwander transforma jantar de abertura em performance em NY

2010-06-24T23:42:00.001-03:00

Neuenschwander transforma jantar de abertura em performance em NY: "Na noite de abertura de sua exposição ontem no New Museum, em Nova York, a artista brasileira Rivane Neuenschwander transformou o jantar em sua homenagem numa performance.
Ela forçou os chefs Benedetto Bartolotta e Patric Chriss, do Jane Hotel, para onde migrou o vernissage, a cozinhar usando apenas os ingredientes que estavam numa lista de compras que encontrou por acaso em Frankfurt.
Enquanto Lisa Phillips, diretora do New Museum, achou "saudável" a refeição, o crítico Michael Wilson, da revista "Artforum", reclamou da falta de sabor, já que a lista da artista não fazia menção a sal ou açúcar.
Leia mais (24/06/2010 - 21h11)"

Documenta de Kassel planta árvore para dar início à próxima edição

2010-06-24T23:42:00.000-03:00

Documenta de Kassel planta árvore para dar início à próxima edição: "Uma das mais importantes mostras de arte contemporânea do mundo, a Documenta, que acontece a cada cinco anos em Kassel, na Alemanha, plantou uma árvore no Auepark, na cidade alemã, como parte dos preparativos para sua 13ª edição.
Dois anos antes do início da mostra, em 2012, a árvore deverá crescer ao lado da escultura "Idee di Pietra" (ideias de pedra) do artista italiano Giuseppe Penone, obra em bronze, em formato de árvore, que fica no mesmo parque.
"Estamos celebrando o início do verão e o poder criativo da arte com esse ato", disse a curadora da Documenta, Carolyn Christov-Bakargiev, ao jornal "Süddeutsche Zeitung".
Leia mais (23/06/2010 - 21h00)"

Bienal de Berlim tem perfil jovem e documental

2010-06-20T14:34:00.000-03:00

Bienal de Berlim tem perfil jovem e documental: "Em sua sexta edição, mostra de arte contemporânea em Berlim contribui para revitalizar o bairro Kreuzberg. Predomínio de artistas jovens e obras de teor documental marcam a exposição."

Rivane Neuenschwander leva obras do acaso a NY e à Suécia

2010-06-18T12:50:00.000-03:00

Rivane Neuenschwander leva obras do acaso a NY e à Suécia: "Ela não fala muito. Diz que prefere escrever. Mas está ali, com os olhos azuis bem abertos, pronta para a conversa. Só que as palavras não vêm.
Sobre a toalha de mesa cor-de-rosa, um arsenal de distrações. Pães de queijo saídos do forno, café acabado de passar, bolo de fubá.
Veja fotos de obras de Rivane Neuenschwander
Leia mais (18/06/2010 - 07h32)"

Morre aos 87 anos o escritor José Saramago

2010-06-18T12:48:00.001-03:00

Morre aos 87 anos o escritor José Saramago: "MADRI - O escritor português e Prêmio Nobel de Literatura José Saramago morreu nesta sexta-feira, 18, em sua casa em Lanzarote (Ilhas Canárias) aos 87 anos de idade. O escritor faleceu às 13 horas locais (8 horas de Brasília), segundo sua esposa e tradutora, Pilar del Rio. Ainda de acordo com"

Estação Pinacoteca traz quatro mostras que merecem visita

2010-06-18T12:48:00.000-03:00

Estação Pinacoteca traz quatro mostras que merecem visita: "Elizabeth Jobim e sua instalação, tudo azul e branco. Foto: Márcio Fernandes/AE Marina Vaz - O Estado de S. Paulo SÃO PAULO - Em março, uma fila de visitantes se formou em frente à Pinacoteca do Estado para ver as obras de Andy Warhol. Mas a mostra era na Estação Pinacoteca, a algumas quadras"

Bienal do Mercosul tem novo presidente

2010-06-16T23:21:00.000-03:00

Bienal do Mercosul tem novo presidente

Curador belga será novo diretor da Tate Modern

2010-06-16T22:51:00.000-03:00

Curador belga será novo diretor da Tate Modern: "A Tate Modern, um dos principais museus do Reino Unido, anunciou seu novo diretor. Ele é Chris Dercon, atual responsável pelo Haus der Kunst, em Munique, Alemanha.
O belga de 52 anos vai assumir o posto na primavera no hemisfério Norte do próximo ano. Ele disse estar "animado" com o novo trabalho. Ele substitui Vicente Todoli, que deixou a Tate após sete anos no posto.
Dercon já visitou o Brasil e fez a curadoria de uma mostra sobre Helio Oiticica no P.S.1, um dos braços do MoMA em Nova York.
Leia mais (16/06/2010 - 21h50)"

Três novos livros exploram obra do artista gaúcho Iberê Camargo

2010-06-15T10:53:00.000-03:00

Três novos livros exploram obra do artista gaúcho Iberê Camargo: ""Não há espaço para a alegria", escreveu o artista Iberê Camargo. "Toda grande obra tem raízes no sofrimento."
Mas a dele não era uma angústia homogênea. A obra deste pintor gaúcho, morto há 16 anos, está arquitetada sobre contrastes agudos, quente e frio, presente e passado, mergulho introspectivo contra a impetuosidade.
Veja fotos de obras de Iberê Camargo
Leia mais (15/06/2010 - 07h42)"

Exposição mostra lado católico e abstrato de Andy Warhol

2010-06-11T16:52:00.000-03:00

Exposição mostra lado católico e abstrato de Andy Warhol: "Por Walker Simon NOVA YORK (Reuters Life!) - Como um pioneiro da pop art, Andy Warhol trilhou o seu caminho para a fama com obras que viraram a sua marca registrada como as caixas de sopa Brillo ou latas de sopa Campbell. Mas uma nova exposição garante que a pop art foi apenas uma fase de sete anos"

Morre o artista plástico alemão Sigmar Polke

2010-06-11T16:47:00.000-03:00

Morre o artista plástico alemão Sigmar Polke: "Sigmar Polke morreu de câncer nesta sexta-feira, aos 69 anos de idade. Ele foi um dos principais artistas plásticos contemporâneos, com obras avaliadas em milhares de euros. Avesso à mídia, ele pouco aparecia em público."

BIENAL DE BERLIM INAUGURA HOJE

2010-06-11T09:54:00.000-03:00

BIENAL DE BERLIM INAUGURA HOJE: "Inaugura hoje a sexta Bienal de Berlim para a arte contemporânea, que irá decorrer em vários locais da cidade alemã. A bienal conta com uma oficina curatorial, seminários, debates, conferências públic..."

Tate Modern compra obra de Lygia Pape e Paulo Brusky

2010-06-07T22:31:00.000-03:00

Tate Modern compra obra de Lygia Pape e Paulo Brusky: "LONDRES - A Tate Modern de Londres ampliou sua coleção de arte latino-americana comprando obras dos brasileiros Lygia Pape e Paulo Brusky na abertura da Pinta Londres, anunciaram os organizadores da feira que terminou no domingo com boas vendas, segundo divulga a agência France Press. O museu"

Louise Bourgeois

2010-06-01T20:13:00.000-03:00

Louise Bourgeois: "

Morre, aos 98 anos, a artista e escultora Louise Bourgeois.

Bienal de São Paulo divulga lista de artistas para a 29ª edição

2010-06-01T18:50:00.000-03:00

Bienal de São Paulo divulga lista de artistas para a 29ª edição: "SÃO PAULO - A Fundação Bienal de São Paulo divulgou nesta terça-feira, 1, a lista dos artistas que participarão da 29ª edição de sua mostra de arte, que acontecerá entre os dias 25 de setembro e 12 de dezembro no Parque do Ibirapuera. Com o título 'Há Sempre um Copo de Mar para um Homem Navegar',"

A artista que agigantou aranhas, morre aos 98

2010-05-31T23:11:00.000-03:00

A artista que agigantou aranhas, morre aos 98: "Conhecida, sobretudo, por suas esculturas em que agigantou a figura de aranhas - há uma delas em exposição permanente no Museu de Arte Moderna de São Paulo -, a artista franco-americana Louise Bourgeois morreu nesta segunda-feira, 31, aos 98 anos, no Beth Israel Medical Center em Manhattan, Nova"

Beuys vem aí

2010-04-08T12:18:00.002-03:00

Fora da 29ª Bienal, obra de Joseph Beuys, o mais importante artista alemão do século 20, ganha exposição no Sesc Pompeia

Joseph Beuys em reprodução de seu pôster
"A Revolução Somos Nós", dos anos 1970

A 29ª Bienal de São Paulo, programada para ser aberta ao público em 25 de setembro, não vai apresentar a obra do artista alemão que melhor sintetizou a relação entre arte e política, Joseph Beuys (1921 - 1986), apesar de seu nome ter sido considerado pela curadoria.

Faria todo sentido, afinal a Bienal tem por tema central justamente as aproximações entre arte e política, e Beuys abordou esse tema especialmente nas décadas de 1960 e 1970, período que vai receber atenção especial no Ibirapuera.

Mesmo assim, Beuys estará presente na cidade, na maior mostra já dedicada a ele no país, em exposição paralela à Bienal, organizada pela Associação Videobrasil e pelo Sesc São Paulo.

"Essa exposição é nosso aporte à Bienal, dentro da ideia do "São Paulo, Polo de Arte Contemporânea", em fazer com que instituições da cidade contribuam para adensar as propostas da curadoria da Bienal", diz Solange Farkas, diretora do Videobrasil.

Ela organiza a exposição dedicada ao artista alemão no Sesc Pompeia, mesmo local que abrigou "Cuide de Você", instalação de Sophie Calle, no ano passado.

Com o título "A Revolução Somos Nós", nome de um dos mais famosos pôsteres do artista, reproduzido acima, a mostra terá curadoria de Antonio Davossa, da Academia de Arte de Milão, que acompanhou Beuys em muitas de suas viagens à Itália. A produção italiana do artista, aliás, será o foco da mostra.

Mostra exibe seis vertentes de trabalho de Beuys

As instalações são apenas uma das seis vertentes da exposição; haverá também pôsteres, vídeos, fotos e ciclo de conferências

Em 1971, Joseph Beuys foi convidado pelo galerista Lucio Amélio a organizar sua primeira mostra na Itália, em Capri. Nessa exposição, ele criou o slogan "La Rivoluzione Siamo Noi" (A revolução somos nós), para abordar as mazelas da democracia italiana. Na abertura, um jovem estudante ficou fascinado com o que viu. "Havia tanta gente que nem todos conseguiram entrar na galeria, e eu mesmo nem compreendi direito o que vi, mas fiquei impressionado com o carisma do Beuys", disse Antonio D'Avossa à Folha, por telefone.

Quase 40 anos depois, D'Avossa prepara "A Revolução Somos Nós", que irá abordar a produção italiana de Beuys. "Depois da Alemanha, foi na Itália onde ele produziu a maior parte de obras. Vamos mostrar desde o pôster de 1971 até sua última instalação, "Terremoto", de 1985, criada quatro meses antes de ele morrer", diz o curador e autor de "Joseph Beuys - Difesa della Natura".

Além de "Terremoto", inspirada num terremoto real, ocorrido em Palermo, abordando assim o conceito de catástrofe, a mostra terá também a instalação "Arena", de 1972, realizada em Verona, outra obra que aborda a democracia.

Contudo, as instalações são apenas uma das seis vertentes da exposição. "Beuys é como um diamante. Ele tem muitas faces, mas todas estão conectadas: a pedagógica, a política, a ecológica e a escultura são algumas das mais importantes", diz D'Avossa.

As demais vertentes da mostra são: os múltiplos, numa seleção dos 600 que Beuys criou como forma de democratizar sua obra; os pôsteres, cerca de 200, apresentando a coleção do italiano Luigi Bonotto, que possui o conjunto completo; os vídeos, divididos em três sessões (documentação, discussão e documentários); fotos e ciclo de conferências.

Uma das curiosidades da mostra é a comparação que D'Avossa faz entre as viagens de Beuys pela Itália com as andanças de Goethe pelo mesmo país, entre 1786 e 1788, quando usou um pseudônimo para se misturar à população.

Beuys esteve na Itália muitas vezes - em Veneza, Roma, Milão, Nápoles e Verona, entre outras. "Assim como Goethe, quando ele estava em Nápoles, por exemplo, se transformava num napolitano. Por isso, todos os seus trabalhos italianos abordam questões locais, como a agricultura, onde criou o slogan "Defesa da Natureza", em 1977", diz o curador.

Durante a mostra, será ainda instalada em São Paulo a Universidade Livre, criada por Beuys e mantida por seu aluno Jochen Stuttgen. "O ciclo de debates e a Universidade Livre são fundamentais na mostra, pois duas das questões centrais no trabalho do Beuys eram a difusão e o debate de ideias", diz ainda D'Avossa.

FABIO CYPRIANO da Folha de S. Paulo

MIKE NELSON REPRESENTA GRÃ-BRETANHA EM VENEZA

2010-04-07T14:18:00.004-03:00

O British Council anunciou que Mike Nelson irá representar a Grã-Bretanha na 54ª Bienal de Veneza que inaugura em Junho de 2011.

Nelson foi o vencedor do Paul Hamlyn Award em 2001 e foi por duas vezes finalista do Turner Prize. Nascido em 1967, ganhou reputação internacional pelas suas instalações esculturais cuidadosamente realizadas.

A sua obra mais recente, Quiver of Arrows (2010), está atualmente em exibição numa mostra individual na 303 Gallery de Nova Iorque até ao dia 10 de Abril.

Vista da instalação Quiver of Arrows na 303 Gallery de Nova Iorque.

Vista interna da obra. mais imagens...

O artista londrino já esteve presente na oitava Bienal Internacional de Istambul (2003); Modern Art Oxford (2004), 26ª Bienal de São Paulo (2004); Statens Museum for Kunst, Copenhague (2008); Creative Time, Nova Iorque (2008); e na Tate Triennial (2009).

Disponível em:
www.flashartonline.com
www.303gallery.com

Artista da Bienal 2010

2010-04-05T13:18:00.002-03:00

Anri Sala, que estará na Bienal, questiona a política a partir do som

Um casal se separa. As perguntas dela são murmúrios que se perdem no espaço. As respostas dele são solos violentos de bateria. Tambores abafam o discurso verbal e o som embaralha forma e conteúdo.

O casal no vídeo "Answer Me" (Responda-me), do artista Anri Sala, 36, tenta desfazer o romance dentro do domo erguido pelo arquiteto Buckminster Fuller sobre as ruínas da Berlim arrasada pela Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Era a antiga estação de espionagem dos Aliados, que tentavam decifrar o tráfego radiofônico vindo do outro lado do muro.

Domo erguido pelo arquiteto Buckminster Fuller sobre as ruínas da Berlim arrasada pela Segunda Guerra Mundial.

Toda a obra desse artista albanês, um dos maiores nomes escalados para a próxima Bienal de São Paulo, que começa em setembro, se estrutura em torno do som e de sua relação com a arquitetura na tentativa de aferir mudanças políticas.

O videoartista albanês Anri Sala que visitou São Paulo para palestra e pesquisas
Seu vídeo sobre a separação entre rajadas de tambor não estará na mostra paulistana, mas dá ideia do que será seu próximo trabalho, ainda em preparação. "É uma forma de fugir de simbolismos de linguagem, de escapar dos grandes temas, já que o som é menos construído, não pode ser emoldurado", afirma Sala em entrevista à Folha num hotel em São Paulo.

Essa moldura impossível do som é sempre um prédio ou um contexto explorado por seu tipo de acústica, mas nunca vazio de história. Se não o domo geodésico de Buckminster Fuller, pode ser, então, uma sala de música aposentada em Bordeaux ou a Casa de Vidro de Lina Bo Bardi, que o videoartista visitou no Brasil.

Ele não deve usar os projetos da arquiteta no trabalho que vai mostrar em São Paulo, mas garante que a nova obra tem a ver com o contexto da cidade e o tema de arte e política desta edição da Bienal. Sala antecipou à Folha que seu próximo filme também gira em torno de um prédio agora interditado, mas ainda "rico em memórias".

Filme mudo

"A música ressuscita o passado desse prédio; as novas melodias fazem o som do passado parecer mais atual do que o do presente."

Do mesmo jeito que explorou o eco dos domos em Berlim, Sala agora busca resquícios da sonoridade punk que encheu nos anos 60 a casa de concertos da Cité du Grand Parc, em Bordeaux, cenário do filme que estará na Bienal em setembro. "Estou interessado na ideia de fricção que o som pode criar."

Num de seus primeiros trabalhos, Sala buscou a mesma fricção. Encontrou um filme mudo de um discurso de sua mãe, uma militante comunista, feito na época do regime. Mandou então legendar o filme com as palavras perdidas, reinterpretadas por leitura labial. Diante das novas imagens, Valdet, a mãe do artista, não acredita na tradução das palavras e nega ter pensado daquele jeito.

Mais do que o resgate de um discurso perdido, a tradução da obra exalta a passagem linguística entre dois momentos históricos, a Albânia antes e depois do comunismo. "Mudanças políticas trazem uma mudança de sintaxe, o que parecia articulado nos anos 60 e 70 já não é mais hoje", diz Sala.

Também herança de um regime obsoleto, há mais distinções entre branco e negro na língua nativa do Senegal, país africano dominado pela França até os anos 60, do que para outras cores, como azul e vermelho. Sala explora isso num filme em que três crianças repetem os nomes dos tons entre o preto e o branco até virar uma espécie de melodia abstrata.

"Há algo muito importante nesse espaço intervalar, quando a língua se transforma em som puro", diz. "São tão sensíveis à cor da pele que resistiram às cores tradicionais. Não havia motivo para brigar pelo vermelho, pelo amarelo. É essa linguagem desconhecida repetida até o ponto em que acaba se tornando melódica."

SILAS MARTÍ da Folha de S.Paulo

Oscar Cruz abre novo espaço expositivo

2010-03-29T11:02:00.002-03:00

Galeria Oscar Cruz abre novo espaço expositivo no dia 30 de março
com mostra coletiva de artistas brasileiros e estrangeiros. Destaque
para a arte contemporânea carioca, com a inauguração da coletiva,
“Com Afeto, Rio”, curada por Bernardo Mosqueira

No dia 30 de março, terça-feira, às 20 horas, o galerista Oscar Cruz inaugura novo espaço de arte contemporânea brasileira e internacional no bairro paulistano do Itaim. A Galeria Oscar Cruz está localizada no endereço da extinta galeria Baró Cruz, agora com novo projeto com um novo e renovado grupo de artistas representados.

Oscar Cruz atua no mercado da arte brasileira e internacional há 15 anos e inicia uma nova fase da sua carreira com propostas para atender o crescente interesse do público por arte contemporânea em grandes exposições e feiras internacionais. Um dos diferenciais da galeria é a forte presença de artistas contemporâneos internacionais com passagens por mostras institucionais como a Bienal de São Paulo e do Mercosul.

Os artistas representados pela Galeria Oscar Cruz são: César Gabler (Chile), Daniel Alcalá (México), Eduardo Basualdo (Argentina), Giulianno Montijo (Brasil), Hernán Salamanco (Argentina), Julio Grinblatt (Argentina), Lina Kim (Brasil), Marcelo Amorim (Brasil), Marco di Giorgio (Brasil), Mariana López (Argentina), Martín di Girolamo (Argentina), Martin Legón (Argentina), Michael Stubbs (Inglaterra), Michael Wesely (Alemanha), Nino Cais (Brasil), Pablo Siquier (Argentina), Rodrigo Cunha (Brasil) e Sebastian Gordín (Argentina).

Michael Wesely (Alemanha)

“O mercado brasileiro de arte contemporânea vem crescendo constantemente e por este motivo carece de novos talentos. Neste sentido, um dos principais projetos da galeria é enfatizar a produção contemporânea, apoiando o surgimento de novos talentos e trabalhando para consolidar e inserir seus artistas no circuito nacional e internacional.”, atesta Oscar Cruz, que atua há 15 anos no mercado paulista e carioca.

Mostras inaugurais

A coletiva no andar térreo reúne pinturas, fotografias, colagem, esculturas, objetos e aquarelas dos artistas representados.

No piso superior é apresentada a coletiva de artistas cariocas “Com Afeto, Rio”, organizada pelo jovem curador Bernardo Mosqueira. São apresentados vídeos, fotografias, desenhos, pinturas, performances, objetos e instalações de Alessandro Sartori, Bernardo Ramalho, Coletivo LaRica, Coletivo Opavivará, Daniel Toledo, Daniela Antonelli, Felipe Fernandes, Gilvan Nunes, Glaucia Mayer, Joana Traub Cseko, João Penoni, Julia Cseko, Julia Debasse, Leo Ayres, Pedro Victor Brandão, Pontogor + Julia Pombo, Rodrigo Torres, Susana Guardado, Tiago Rivaldo.

Serviço:

Eventos: exposição de artistas da galeria e coletiva “Com Afeto, Rio”, com curadoria de Bernardo Mosqueira
Abertura: dia 30 de março, terça-feira, das 19 às 23 horas
Período expositivo: de 31 de março a 10 de maio de 2010
Local: Galeria Oscar Cruz
Endereço: Rua Clodomiro Amazonas, 526, Itaim Bibi - São Paulo, SP
Telefone: (55 11) 3167 0833
Horários de funcionamento: terça a sexta-feira, das 11 às 19 horas; e sábados, das 11 às 17 horas
Entrada franca e Livre
Estacionamento: duas vagas gratuitas em frente à galeria e estacionamento conveniado próximo

www.galeriaoscarcruz.com

Mais informações para a imprensa:

Adelante Comunicação Cultural

Décio Hernandez Di Giorgi
Tel.: (55 11) 3589 6212 / 8255 3338 (cel.)
E-mail: dgiorgi@uol.com.br
MSN: deciogiorgi@yahoo.com.br

Crítica/"Andy Warhol, Mr. America"

2010-03-29T10:43:00.000-03:00

Mostra revela faceta crítica de Warhol

Exposição aponta sarcasmo do artista em relação aos mitos americanos e exibe obras experimentais, além das famosas

O rótulo "artista pop" é muito pequeno para definir Andy Warhol, como se pode perceber na mostra "Andy Warhol, Mr. America", que será aberta no próximo sábado, na Estação Pinacoteca.
A reportagem da Folha viu a exposição em sua primeira montagem, em Bogotá, na Colômbia, no ano passado.
Obviamente, estão nas obras, como nas gravuras de Marilyn Monroe e nas das latas de sopa Campbell's, os elementos que marcam a chamada arte pop, ou seja, o uso de elementos do mundo das celebridades e da publicidade -nessas imagens, Warhol sempre se apropriou de fotos de jornal.
Mas o que a exposição revela com intensidade é, em primeiro lugar, uma faceta crítica, que até então costuma ser atribuída apenas ao pop inglês, onde o movimento surgiu, com a famosa colagem "O que Exatamente Torna os Lares de Hoje Tão diferentes, Tão Atraentes", de Richard Hamilton, de 1956.
Se Warhol não usava ironias em seus títulos, elas estão presentes, contudo, em suas próprias construções. Suas celebridades são maquiadas com cores fortes e berrantes, outro elemento que o caracteriza como pop, mas exibidas após situações de fraqueza. Na série sobre Jackie Kennedy, por exemplo, ela surge não quando estava gerando um padrão de beleza para o país, mas no momento de luto.
É como se Warhol apontasse para o poder ambivalente da imagem que se torna impressa, afinal ela não é capaz de revelar tudo. Nesse sentido, o custo da fama revela-se perverso e sem glamour. Mesmo assim, ao colorir tais imagens, ele apela para a sedução, uma das razões que o tornou a ser tão reconhecido popularmente.
Outro caráter importante da exposição é exibir, junto com os trabalhos mais famosos, sua obra mais experimental, até então normalmente vista em pequenas mostras ou como trabalhos menores. Warhol produziu filmes alternativos em grande quantidade -há 17 deles na exposição- e trabalhou em vários suportes, chegando até a criar ambientes imersivos, como "Silver Clouds" (nuvens prateadas), de 1966, ou "Cow Wallpaper" (papel de parede de vaca), de 1972.
São trabalhos precursores das instalações contemporâneas, que o levam muito além da mera produção pop.
Finalmente, o curador Philip Larratt-Smith acerta ainda ao apontar o caráter sarcástico de Warhol em relação aos mitos americanos. O artista abordou a violência contra os negros, em "Confrontos Raciais", a miséria, em "Desastres do Atum Enlatado", retratou temas tabus como a homossexualidade, a obsessão pela morte e, como se não fosse suficiente, a sociedade do espetáculo.
Assim, quem observa apenas as cores fortes e as imagens sedutoras, fica apenas na superfície da obra de Warhol, mas quem quiser se aprofundar de fato nessas imagens, vai descortinar um mundo não colorido e tampouco atrativo, o que afinal é o retrato da América. (FABIO CYPRIANO)

ANDY WARHOL, MR. AMERICA

Quando: de ter. a dom., das 10h às 18h
Onde: Estação Pinacoteca (lgo. General Osório, 66, Centro, SP, tel.0/ XX/11/ 3335-4990); até 23/5
Quanto: R$ 3 a R$ 6 (sábado, grátis)
Cotação: ótimo

Exposição em SP reúne 100 peças de Hélio Oiticica

2010-03-19T12:15:00.000-03:00

No fim de 2009, o nome do artista plástico carioca Hélio Oiticica (1937-1980) virou notícia após um incêndio atingir parte de suas obras. Deixando a tragédia de lado, o Itaú Cultural abre amanhã para convidados, e domingo para o público, a exposição "Hélio Oiticica - Museu É o Mundo". A mostra, que entrelaça os escritos e a obra do artista experimental, marca ainda os 30 anos de sua morte.

Com curadoria de César Oiticica Filho, sobrinho do artista, e Fernando Cocchiarale, é a maior exposição de Oiticica em São Paulo. O evento, que vai ocupar três andares do instituto, traz 100 peças, das quais 65 pertencem à coleção da família. "A exposição é um resumo panorâmico dos trabalhos feitos por Hélio desde o início do Grupo Frente (núcleo do concretismo carioca) até os anos 1970", explica Cocchiarale.

Em destaque estão 15 Bólides (caixas), 12 Parangolés (capas), oito Penetráveis (instalação) e uma Cosmococa (instalações com projeção de fotos e música). Junto das obras, anotações de Oiticica.

Para César, o aspecto mais ambicioso da exposição é extrapolar a galeria. Seguindo o nome da mostra, uma citação do artista, a curadoria vai levar cinco Penetráveis para outros espaços da cidade. As obras poderão ser vistas na Casa das Rosas, Teatro Oficina, Pinacoteca do Estado, Parque Mário Covas e Ibirapuera. "A ideia é atingir quem está na rua, amplificando o alcance da mostra."

Museu é o Mundo. Itaú Cultural: Avenida Paulista, 149. Tel. (011) 2168-1776. Amanhã, somente convidados.
De 21 de março a 16 de maio. Ter. a sex., das 9h às 20h. Sáb., dom. e feriados, das 11h às 20h. Grátis. Livre.

Bienal de São Paulo divulga cartaz da sua 29ª edição

2010-03-16T14:51:00.001-03:00

A Fundação Bienal divulgou o pôster da exposição deste ano, sua 29ª edição.

O cartaz foi criado pela nova área de design da fundação e contem o verso do poeta Jorge de Lima: "Há sempre um copo de mar para um homem navegar", título da mostra, extraído de "Invenção de Orfeu" (1952).

MARINA ABRAMOVIĆ NO MOMA DE NOVA IORQUE

2010-03-16T12:27:00.002-03:00

O Museum of Modern Art de Nova Iorque apresenta “Marina Abramović: The Artist is Present”, a primeira retrospectiva de larga escala num museu americano do trabalho de performance da artista, até 31 de Maio de 2010.

Marina Abramović, "Portrait with Flowers". 2009. Black-and-white gelatin silver print.

Reconhecida internacionalmente como pioneira e figura-chave na arte da performance, Marina Abramović (Iugoslávia, 1946) usa o seu próprio corpo como sujeito, objeto e meio, explorando os limites físicos e mentais.

A exposição percorre a prolífera carreira de Abramović com cerca de 50 obras que se estendem por quatro décadas de intervenções e peças sonoras, obras em vídeo, instalações, fotografias, performances solo e coletivas.

A mostra inclui a estréia mundial de uma nova obra de performance executada pela própria Abramović e a execução de performances históricas de influentes artistas especialmente selecionados para esta exposição.

Disponível em: www.artdaily.com

Paris recebe mostra de Lucian Freud

2010-03-16T12:15:00.003-03:00

Para uma parte da crítica, ele é o maior pintor em atividade no mundo. Para outra, não passa de um acadêmico consagrado. Para o mercado de arte, sua obra é uma mina de ouro. Para os museus, trata-se de um sucesso garantido de público, como se vê nas salas lotadas de "Lucian Freud - O Ateliê", aberta na última quinta em Paris, no Centre Georges Pompidou.

"Working at Night", de 2005, é uma das obras de Lucian Freud expostas em Paris;

É a primeira grande mostra de Freud na França em 22 anos. Com curadoria de Cécile Debray, reúne 55 telas, algumas consideradas obras-primas, e a maioria pertencente a coleções particulares, o que torna a exibição (que vai até 21/7) ainda mais atrativa. Dela consta o quadro "Benefits Supervisor Sleeping", arrematada há dois anos por US$ 33 milhões (R$ 58 milhões) -um recorde para um artista vivo.

"After Cézanne", tela de 2000

Neto do fundador da psicanálise, Lucian Freud nasceu em Berlim, em 1922. Sua família migrou para a Grã-Bretanha em 1934, e ele se naturalizou inglês em 1939, o mesmo ano da morte do avô Sigmund. Começou a estudar artes bastante jovem, mas foi o encontro com Francis Bacon, em 1945, que libertou a sua pintura das convenções que a dominavam.

"Naked Admirer", de 2004

Como ocorreu com Bacon e outros nomes da "escola de Londres", Freud passou, a partir dos anos 60, a pintar quase só no ateliê. Seu método de trabalho é baseado na observação detida do modelo, num processo lento de produção, com quatro ou cinco telas por ano, as quais ele pinta sempre de pé.

Dividida em salas, o foco da mostra é a experiência do ateliê na obra de Freud, o modo como ele transformou tal espaço em seu universo pictórico.

"Painter's Garden with Eli", de 2006

Na primeira, "Interior/ Exterior" predomina o "embate" entre o mundo da rua e o ambiente fechado do ateliê, situado atualmente no bairro Notting Hill. Ali, estão expostas raras paisagens urbanas feitas por Freud, quase hiperrealistas, mostrando terrenos vazios e fundos de prédios.

A sala "Reflexão" agrupa uma série de autorretratos em diferentes épocas, inclusive o famoso "Painter Working, Reflection" (1993), em que ele se pintou nu, aos 71 anos. O isolamento no ateliê transforma o próprio artista em tema crucial e o estimula a refletir sobre a sua relação de poder com o modelo, às vezes com ironia.

"Reflection with Two Children (Self-Portrait)", autorretratro de 1965

As releituras de clássicos que Freud admira, como Cézanne e Chardin, dominam a seção "Retomadas". Mas a sala de maior impacto é "Igual à Carne - Cenografias e Composição", com nus extraordinários que fizeram a fama de Freud.

Os modelos surgem em total entrega ao pintor, tombados em camas ou no chão, gordos, estranhos, desidealizados, dessublimados. As pinceladas firmes e densas acentuam os estragos feitos no corpo pelo tempo e pelo uso. "Eu trabalho a pintura para que ela seja igual à carne", disse o pintor.

É como se, para Freud, a carne fosse o último tema da pintura figurativa, a expressão derradeira do controvertido naturalismo do artista, sobre o qual o próprio amigo Bacon emitiu um dos juízos mais severos: "O problema com a obra de Lucian é que ela é realista sem ser real".

ALCINO LEITE NETO da Folha de S.Paulo

Artista coloca touros em cima das vacas da CowParade em SP

2010-03-15T12:15:00.001-03:00

Dois touros de sorriso maroto, feitos de isopor, acordaram nesta manhã de segunda-feira montados em duas vacas da CowParade, evento importado da Suíça que espalha dezenas de animais coloridos de resina pela cidade de São Paulo.

A intervenção não autorizada durou pouco. Lá pelas 10h, os touros foram retirados pelos organizadores da parada. "Fomos avisados e mandamos retirar [os touros], mas não danificaram as vacas, está tudo bem", disse a assessora de imprensa do evento.

O manifesto foi feito pelo artista Eduardo Srur, 36, que há alguns anos promove em São Paulo a discussão sobre o que é arte pública. O alvo desta vez foi a CowParade por ser "o maior e mais bem sucedido evento de arte pública no mundo".

Luiz Carlos Murauskas/Folha Imagem

Intervenção do artista Eduardo Srur em vaca da Cow Parade instalada na av. Paulista

Na semana passada, cerca de 20 vacas tiveram que mudar de lugar por fazerem alusão direta a marcas patrocinadoras --saíram das ruas e foram para dentro de lojas. A CowParade já passou por dezenas de cidades do mundo e acontece em São Paulo pela segunda vez em SP, depois de ter passado por Rio, Belo Horizonte e Curitiba.

"A escultura do touro remete ao touro Bandido, aquele que nunca foi domado em rodeios, personagem de novela, lenda nacional", disse Srur à Folha, que acompanhou a instalação dos dois animais na madrugada de domingo para segunda. "Não consigo ver relação entre uma vaca importada da Suíça e o nosso país. É um objeto estéril, e o touro vem para fazer uma inseminação cultural, gerar uma discussão."

Os dois touros foram feitos pelo escultor Heitor Morrone, 29, com ajuda de outras três pessoas, em dez dias. Ele e um assistente, usando chapéus de caubói, instalaram os touros e os prenderam com um cabo de aço ao redor da barriga da vaca. Vídeos e fotos serão publicados no site de Srur.

A ação começou por volta da 1h, na esquina da av. Faria Lima com av. Cidade Jardim, numa vaca pintada com onças e jacarés, instalada num posto de gasolina, principal patrocinador da CowParade. Participaram oito pessoas, incluindo um cinegrafista e dois motoristas de caminhão, que transportaram os "animais".

Uma unidade móvel da Polícia Militar e um carro da CET estavam estacionados do outro lado da av. Faria Lima e não intervieram no trabalho. Um policial chegou a se aproximar, riu e foi embora.

"O pessoal passa muito aqui para tirar foto, mas agora acho que não vão tirar mais foto dessa aí", disse João Adolfo de Oliveira, 48, segurança de uma banca de jornal na av. Paulista, esquina com a rua Augusta, onde foi feita a segunda intervenção.

Cada patrocinador paga ao evento cerca de R$ 40 mil por vaca e chama convidados para pintá-las. O site da CowParade informa que, na primeira edição, em 2005, foram levantados R$ 4 milhões em patrocínio e R$ 1,2 milhão para instituições carentes. Neste ano, o evento termina dia 21 e custou cerca de R$ 2 milhões. As quase 80 vacas serão leiloadas em abril, por um preço mínimo de R$ 5 mil.

A artista Fernanda Eva, que assina a vaca verde da av. Faria Lima, recebeu R$ 1.000 para fazer o trabalho. Ela ficou chateada com a intervenção de Srur. "É uma apropriação de mau gosto, me entristece que ele não consiga reconhecer uma obra de arte", disse Fernanda à Folha, que afirmou ter passado um mês pintando a vaca. "E ele conseguiu danificar a obra, tem umas colas grudadas, arrancou a pintura."

Não é de hoje que a CowParade gera polêmica. O evento começou em 1998 em Zurique, Suíça, país que tem a vaca como símbolo, e se espalhou pelo mundo. Em 2004, em Estocolmo, artistas "sequestraram" um dos animais e ameaçaram "decapitá-lo" caso os participantes não assinassem uma carta declarando que a CowParade não era um evento de arte. No final, a vaca foi feita em pedacinhos e mandada de volta dentro de um saco.

FERNANDA EZABELLA da Folha de S.Paulo

BIENAL: Evento terá "terreiros" entre a exposição

2010-03-11T12:56:00.001-03:00

Em 1998, com a antropofagia como tema central, o curador Paulo Herkenhoff, da 24ª Bienal de São Paulo, tornou o tema uma referência internacional. Para a 29ª edição, Agnaldo Farias, o cocurador brasileiro da mostra, diz que já encontrou o mote que vai marcar essa Bienal: a noção de terreiro.

"Essa é uma bienal que pretende celebrar a política, mesmo enquanto os políticos a desmoralizam. Não poderíamos organizar uma mostra que fosse simplesmente contemplativa e, por isso, vamos ter seis terreiros, que é o lugar da festa, do sagrado e do profano, como espaços para encontro em meio à exposição", conta Farias.

A ideia surgiu na primeira reunião do time curatorial, a partir da canção de Assis Valente, "Brasil Pandeiro", que se popularizou com os Novos Baianos, e tem o verso "Brasil, esquentai vossos pandeiros, iluminai os terreiros/ que nós queremos sambar". Segundo Farias, "foi no morro que o Oiticica criou os parangolés, e o terreiro é uma construção essencialmente brasileira, o que faz todo sentido para o caráter que queremos dar à mostra".

Assim, no pavilhão do Ibirapuera, em meio à mostra, serão dispostos seis terreiros, cada um organizado por um artista, de acordo com os temas usados na 29ª Bienal. Ernesto Neto, o único até agora confirmado, será o criador do terreiro da "Lembrança e Esquecimento", uma reflexão sobre o papel do monumento. Os demais temas são "Dito, Não Dito e Interdito", uma tribuna para debates, inspirada em Guimarães Rosa; "Pele do Invisível", o espaço para projeção de filmes; "Longe Daqui, Aqui Mesmo", que irá abordar as utopias; "Eu Sou a Rua", espaço para palestras e debates; "O Mesmo, o Outro", o lugar das performances, a partir de um texto de Jorge Luis Borges. "Durante a Bienal vamos ter entre 200 e 300 ações acontecendo nesses espaços, seja a apresentação do coro da Osesp, seja uma peça de dança contemporânea", diz Farias.

Na última quarta, um ciclo gratuito de palestras deu início à programação da 29ª Bienal. Organizado por Helmut Batista, coordenador do projeto Capacete, o primeiro debate foi com o artista albanês Anri Sala, no teatro Arena. Nesta quinta, o brasileiro Amilcar Packer e o britânico Jeremy Deller irão abordar suas trajetórias artísticas, no mesmo local. "O Arena foi cedido ao Helmut pela Funarte e toda a programação dele, durante esse ano, terá apoio da Bienal. Creio que essa é uma forma de mostrar o que entendemos por política, adensando o debate e colaborando com outras instituições, em vez de ficarmos apenas no Ibirapuera", conta Farias. Folha de S. Paulo

MAIS MULHERES E MAIS DISCRIÇÃO NA WHITNEY BIENNIAL

2010-03-10T13:28:00.002-03:00

Com a crise a afetar as instituições, galerias e criadores, parece mais do que razoável que o Whitney Musem de Nova Iorque tenha optado este ano por organizar uma bienal com metade dos artistas que nos anos anteriores (55) e sobretudo, com um perfil discreto e afastado de ostentações.

A 75ª edição da Whitney Biennial (até dia 30 de Maio), intitulada apenas “2010”, é a primeira da história em que a presença feminina é maioritária. E isso fica ainda mais patente no último piso do museu, onde foi organizada a retrospectiva “Collecting Biennials”. Aí se mostra o melhor de cada década, desde Rauschenberg até Andy Warhol ou Jasper Jones, mas os nomes femininos rareiam: Eva Hesse, Cindy Sherman e poucas mais.

No entanto, nos três pisos que ocupa a bienal são muitas as propostas assinadas por mulheres e, surpreendemente, não se trata nem de arte feminista nem de uma ode à juventude extrema – como ocorreu durante a última década. A grande maioria das artistas tem mais de 40 anos, havendo inclusive quem chegue aos 76, como Lorraine O’Grady, relativamente desconhecida até agora e que finalmente encontrou reconhecimento.

A sua proposta, the first and the last of the modernists é um desdobramento inquietante de fotografias do cantor Michael Jackson e do poeta Baudelaire em diferentes etapas da sua existência, mas organizadas por idades e aos pares, de forma a que se pode ver a evolução e transformação de ambos os ícones, cujas vidas tiveram um certo paralelismo, por incrível que possa parecer.

Disponível em: www.elpais.com

BIENAL DE SP INICIA CICLO DE PALESTRAS

2010-03-10T13:15:00.001-03:00

Anri Sala, artista plástico albanês que atualmente reside em Berlim, inaugura hoje, às 20h, o ciclo de palestras que integra a programação da 29ª Bienal de São Paulo, no Teatro Arena (rua Dr. Teodoro Baima, 94, Centro; tel.0/xx/11/ 3897-4122; entrada franca). Os curadores da mostra, que acontecerá entre setembro e dezembro, Agnaldo Farias e Moacir dos Anjos, também falarão sobre o conceito construído para a Bienal deste ano. A primeira rodada de palestras prosseguirá amanhã, com participação do artista plástico inglês Jeremy Deller e do chileno Amilcar Parker, às 20h, também no Teatro Arena.

Fundação já possui verba para Bienal deste ano

2010-03-08T11:00:00.000-03:00

Não se ouviu o espocar de rolha saltando de uma garrafa de champanhe, mas o clima da reunião da diretoria da Fundação Bienal de São Paulo, na última segunda, era próximo à felicidade entorpecente provocada pelo espumante francês.

Nela, Heitor Martins, presidente da instituição, anunciou que já havia captado R$ 23 milhões para a organização da 29ª Bienal de São Paulo, com inauguração prevista para 21 de setembro, quando a estimativa mínima para o evento era R$ 20 milhões. Só em caixa, Martins já conta com R$ 11 milhões, o equivalente ao que foi gasto na última edição, em 2008, a chamada "Bienal do Vazio", que deixou um rombo de mais de R$ 4 milhões, também já pagos pela nova direção.

Essa situação rompe uma histórica crise, que teve início em 2000, quando a Bienal passou a ter dificuldades de captação e levou Ivo Mesquita a renunciar ao cargo de curador, quando se propôs o adiamento do evento. "A Bienal nunca se recuperou daquele choque. Creio que as últimas duas edições foram interessantes, mas não se comparam às anteriores", diz o curador costarriquense Jens Hoffmann, que dirige o Instituto de Arte Contemporânea Wattis, em São Francisco, e pretende visitar também a próxima edição.

Outros curadores estrangeiros, que não visitaram a última edição, como Agustín Perez Rubio, do Museu de Arte Contemporânea de Leon (Espanha), estão comprando suas passagens para SP. "Curadores como Chus Martínez e Yuko Hasegawa ajudam a dar prestígio à nova Bienal", diz Rubio.

Retomada

Assim, ao que tudo indica, é o momento da retomada da Bienal. "Creio que nos últimos anos, a Fundação era mais hermética, e nós conseguimos nos aproximar mais da sociedade, pois temos um projeto bem estruturado e estamos fazendo um esforço de comunicação", diz Martins, à Folha, que espera chegar aos R$ 30 milhões, valor considerado como ideal para organizar a 29ª Bienal.

Itaú Unibanco, Fiat, Oi, Deutsche Bank, Votorantim e Klabin são algumas das empresas que estão investindo na Bienal, por meio da Lei de Incentivo à Cultura, revertendo o perfil da última década, marcada basicamente por investimento direto da União, um dos fatores que gerava atrasos. "Conseguindo endosso do patrocinador, criamos um engajamento e um maior controle de qualidade. Nossa perspectiva é criar agora vínculos de longo prazo", explica Martins. Pode parecer incrível, mas até agora a Bienal sequer tinha uma setor de captação. "Nós revertemos o perfil da Fundação, que até agora tinha mais funcionários envolvidos com funções administrativas do que com a preparação da própria Bienal", conta o presidente. Assim, foi terceirizada, por exemplo, a contabilidade e criadas três novas áreas, captação, design e relações institucionais, além de ter reforçada a produção. "Creio que tudo isso está sendo possível, pois a instituição nunca teve uma diretoria como essa, com perfis muito distintos. Temos advogados, financistas, professores e até organizadores de outras bienais. Posso ser o que mais aparece, mas não sou o que mais trabalha", diz Martins.

Apoio

O clima de otimismo, não vem só do parque Ibirapuera. Desde que foi lançado candidato a presidente, numa situação de vácuo enquanto a Bienal se afundava em dívidas, Martins já tinha o apoio das entidades culturais da cidade. "Nós o apoiamos, pois ele tinha uma história de relação com a arte contemporânea e acredito que fazia parte do projeto dele o contato com as outras entidades", conta Marcelo Araújo, diretor da Pinacoteca do Estado.

Essa mobilização inicial, concretizada numa carta de apoio, foi motivada pelo Ministério Público (MP), que chegou a indeferir a posse de Martins, já que sua mulher, Fernanda Feitosa, promove a SP Arte no prédio da Bienal. Mas o MP voltou atrás, após a assinatura de um Termo de Ajustamento de Conduta (TAC), que proíbe ingerências de Martins no contrato de Feitosa com a Bienal.

Reunidas agora no "São Paulo Polo de Arte Contemporânea", um fórum que visa programar as atividades paulistanas durante a Bienal, as instituições museológicas da cidade, cujas reuniões contam até com o secretário estadual de Cultura, João Sayad, recolocam a instituição como figura central na cultura visual da cidade.

Em algumas edições recentes, é bom que se lembre, as mostras paralelas eram mais elogiadas do que a própria Bienal. "A Bienal agora tem a capacidade ser novamente o polo articulador dessa ação", diz Araújo.

FABIO CYPRIANO da Folha de S.Paulo

Galeria expõe obras de artista vetadas por família de Oiticica

2010-03-08T09:50:00.003-03:00

Um dos artistas selecionados para o polêmico Panorama da Arte Brasileira "sem brasileiros", com curadoria de Adriano Pedrosa, no Museu de Arte Moderna de São Paulo, no ano passado, não mostrou as obras previstas para a mostra.

Obra de Jorge Pedro Núñez que se assemelha aos trabalhos de Hélio Oiticica

O venezuelano Jorge Pedro Núñez apresentaria colagens e fotomontagens que se apropriam de trabalhos de Hélio Oiticica (1937-1980), como os Metaesquemas e as Cosmococas, mas a família de Oiticica não autorizou sua apresentação por considerá-los plágio.

O MAM optou então por não comprar uma briga. No catálogo da mostra, contudo, estará a carta em que Núñez tentou convencer, em vão, os Oiticica a autorizar a exibição. As obras "não autorizadas", além de várias outras que se apropriam de outros artistas, como os quadrados de Josef Albers, estarão expostas, a partir de amanhã, na galeria Luisa Strina.

Apropriação é uma das modalidades mais praticadas na produção contemporânea. Ela pode ser vista nas colagens e gravuras de Rauschenberg, até recentemente em cartaz no Instituto Tomie Ohtake, e mesmo no trabalho de Oiticica, que para criar suas Cosmococas utilizava fotografias, capas de discos, jornais e livros, como "Notations", de John Cage.

Em sua carta, Núñez explica que se trata de uma "homenagem" ao artista e que sua série de Cosmococas foi feita a partir do catálogo "Quasicinemas", da retrospectiva de Hélio Oiticica organizada pelo argentino Carlos Basualdo no New Museum, em Nova York. "Nem consultei a família Oiticica porque acho que esses trabalhos não têm nada a ver com plágio", disse Luisa Strina na montagem da mostra, anteontem. A Folha tentou falar com Cesar Oiticica, mas não obteve resposta. Além de Núñez, Strina apresenta também a série de 12 desenhos do argentino Matías Duville, "Esto Fue Otro Lugar".

Feitos em grande escala e apresentados no térreo da galeria, os desenhos lembram imagens de ficção científica criadas no início do século 20.

FABIO CYPRIANO da Folha de S.Paulo

MATIAS DUVILLE E JORGE PEDRO NÚÑEZ 
Onde: Luisa Strina (r. Oscar Freire, 502; tel. 0/xx/11/3088-2471) 
Quando: abertura amanhã, às 19h; de seg. a sex., das 10h às 19h; sáb., das 10h às 17h; até 14/4 
Quanto: grátis 

Adriano Pedrosa é anunciado como um dos curadores da próxima Bienal de Istambul

2010-02-18T11:53:00.003-02:00

Adriano Pedrosa e Jens Hoffmann foram anunciados como sucessores do coletivo curatorial baseado em Zagreb WHW – What, How & for Whom, para serem curadores da 12ª edição da Bienal de Istambul. A bienal acontece entre os dias 17 de Setembro e 13 de Novembro de 2011.

Adriano Pedrosa, nascido em 1965 no Rio de Janeiro, vive e trabalha atualmente em São Paulo como curador, editor e escritor independente. É autor de inúmeras publicações internacionais e foi o curador no Museu de Arte da Pampulha em Belo Horizonte - MG (2001-2003); InSite_05, San Diego/Tijuana (2005); foi co-curador e co-editor nas publicações da 27ª Bienal de São Paulo (2006). Atualmente ele está no quadro editorial do The Exhibicionist: A Journal for Exhibition Making e é o diretor e fundador do Programa Independente da Escola São Paulo.

Jens Hoffmann, nascido em 1974 em San José, Costa Rica, é o diretor do CCA Watts Institute of Contemporary Art em San Francisco. Hoffmann trabalhou em várias das melhores instituições de arte do mundo, incluindo o Solomon R. Guggenheim Museum e o DIA Center for the Arts, ambos em Nova Iorque; o Kölnischer Kunstverein, em Colonia e o York and Kunst-Werke, em Berlim. Foi diretor do Institute for Contemporary Art London de 2003 a 2007. Hoffmann é o diretor fundador do The Exhibicionist: A Journal for Exhibition Making .

Disponível em: www.flashartonline.com

Fundação Bienal vai divulgar arte do Brasil no exterior

2010-02-18T11:47:00.000-02:00

Com convênio de R$ 1,8 mi com o MinC, instituição oferecerá editais para que artistas realizem residências, publiquem livros e participem de mostras fora do país   A partir do próximo mês, a Fundação Bienal de São Paulo se transformará em uma agência de divulgação da arte brasileira no exterior.

 No início de março, serão divulgados quatro editais que permitirão a concessão de verbas para artistas realizarem residências artísticas, participarem de mostras e publicarem livros com subsídios da Fundação, através de um convênio que foi firmado com o Ministério da Cultura (MinC).

 "No ano passado, visitamos a Inglaterra, a França e a Espanha e conhecemos os órgãos daqueles países que fomentam a arte no exterior e achamos que esse tipo de ação tem a ver com a Bienal, que produz muitos vínculos entre a produção nacional e o exterior", diz Heitor Martins, presidente da Fundação Bienal.

 Segundo o diretor de estudos e políticas culturais do MinC, Afonso Luz, o convênio com a Bienal foi possível por conta da Portaria 61, assinada pelo ministro da Cultura, Juca Ferreira, em agosto de 2009, criada com "o objetivo de estabelecer instrumentos à internacionalização da arte contemporânea brasileira". "A Bienal foi a primeira entidade a apresentar uma proposta de convênio, mas iremos estabelecer outras parcerias", contou Luz à Folha.

 No total, o MinC está repassando R$ 1,8 milhão à Fundação Bienal, que irá alocar, como contrapartida, mais R$ 200 mil para o projeto, sendo que o total deve ser gasto até o fim do ano. Serão disponibilizados prêmios de R$ 10 mil para que 50 artistas participem de mostras, R$ 12,5 mil para 15 residências artísticas e R$ 25 mil para apoio a 15 publicações em línguas estrangeiras.

 As solicitações deverão ser feitas diretamente pelos artistas no site da Bienal, que também será lançado no próximo mês. O programa prevê ainda 20 prêmios de R$ 6,5 mil para textos acadêmicos que abordem arte contemporânea brasileira e economia da arte, além de três estudos a serem encaminhados ao MinC: o mercado de arte no exterior, a circulação de obras de arte e o regime tributário.

 Com isso, a Fundação Bienal se torna uma espécie de Conselho Britânico, órgão público inglês que fomenta arte no exterior. E o que levou o MinC a terceirizar essa função? "Esse é um debate de uma década atrás. Se o setor público quiser fazer tudo sozinho, ele já não consegue. Parcerias são necessárias e a Bienal tem sido a ponta de lança da arte brasileira no exterior", afirma Luz.

 Além de lançar esse novo programa, Martins comemora o pagamento de todas as dívidas da fundação, de cerca de R$ 4 milhões, além de ter R$ 9 milhões em caixa, com a garantia da captação de R$ 20 milhões, o que chegará perto dos R$ 30 milhões (orçamento da 29ª Bienal de São Paulo, programada para setembro).

FABIO CYPRIANO da Folha de S. Paulo

Crítica: Mostra revela importância de Matta-Clark

2010-02-18T11:19:00.001-02:00

  A Bienal de São Paulo tem sido responsável, desde sua origem, pela atualização do público na produção contemporânea, mas, como exposição de grande porte, raramente consegue se aprofundar nas poéticas individuais. Gordon Matta-Clark foi um dos pilares da 27ª Bienal, de 2006, mas só com "Desfazer o Espaço" será possível compreender de fato toda a sua importância.  

A atualidade de Matta-Clark está em discutir temas que seguem fundamentais na sociedade, como a ocupação de espaços públicos e privados, a alimentação e o pensamento ecológico por meio de obras que seguem com forte apelo visual.  

Expor artistas como Matta-Clark, com muitos trabalhos que dependem em grande parte de documentação, poderiam tornar a exposição enfadonha, mas não é o que ocorre.

As curadoras Gabriela Rangel e Tatiana Cuevas, na mostra organizada pelo Museu de Arte de Lima, optaram por um correto equilíbrio entre trabalhos e projetos, obras mais teatrais com outras que demandam maior atenção. De certa forma, isso se inspira no próprio artista, que apresentava muitas de suas ações na arquitetura por meio de colagens fotográficas, tirando do registro um mero caráter documental.  

A exposição traz muitas obras de Matta-Clark pouco conhecidas, como a série de desenhos "Árvore da Energia", que produz um intenso diálogo com o registro da performance "Tree Dance" (dança na árvore), de 1971, também na mostra. É nas intervenções arquitetônicas, contudo, que a mostra aponta de fato a relevância de Matta-Clark. Em Paris, Berlim e Nova York, suas ações repensaram edifícios icônicos, e seguem repercutindo nas novas gerações de artistas.

FABIO CYPRIANO da Folha de S. Paulo 

SERVIÇO

GORDON MATTA-CLARK: DESFAZER O ESPAÇO

Quando: de ter. a dom., das 10h às 18h; até 4/4
Onde: Museu de Arte Moderna de São Paulo (pq. Ibirapuera, portão 3, tel. 00/xx/11/5085-1300)
Quanto: R$ 5,50; dom., grátis
Avaliação: ótimo

Exposição em Düsseldorf resgata trajetória de Robert Mapplethorp

2010-02-05T16:55:00.002-02:00

Polêmica marcou o trabalho do fotógrafo norte-americano Robert Mapplethorpe. Espaço de exposições NRW-Forum em Düsseldorf organiza grande retrospectiva de sua obra, exibindo 150 fotos do artista.

Uma grande retrospectiva do trabalho de Robert Mapplethorpe poderá ser visitada a partir deste sábado (06/02) no espaço de exposições NWR-Forum em Düsseldorf.

As imagens do fotógrafo norte-americano voltam à Alemanha para contar a trajetória desse artista famoso por sua irreverência: são 150 fotos sobre nudez, homossexualidade, flores, imagens de esculturas e autoretratos.

Não é à toa que a exposição tem limite de idade – apenas maiores de 16 anos podem prestigiá-la. As lentes de Mapplethorpe sempre foram voltadas para nudez, atos sexuais e práticas sadomasoquistas.

Retrato de Arnold Schwarzenegger

O trabalho do fotógrafo, que faleceu em 1989, foi alvo de debates controversos, principalmente nos Estados Unidos. Suas exibições foram marcadas por boicotes, censura e já sofreram cancelamentos. "Eu olho para a perfeição da forma. Eu faço isso em retratos, em fotos de pênis, em fotos de flores", declarou Mapplethorpe.

Na Alemanha, as fotos do artista ajudaram a inspirar o movimento estético de gerações que cresceram nos anos 1980 e 1990. Na época, as fotos de Mapplethorpe eram vendidas como pôsteres e coladas em dormitórios estudantis.

Em Düsseldorf, a exposição abrange imagens captadas com Polaroids, em 1973, até autoretratos de 1988. A novidade é que a visita guiada da exposição será feita por celular, e os visitantes poderão deixar comentários gravados a custo de uma ligação local. Esses registros ajudarão a criar um espaço virtual de compreensão do trabalho de Robert Mapplethorpe.

Fonte: www.dw-world.de
Autora: Nádia Pontes
Revisão: Carlos Albuquerque

MAC não divulga mostra em cartaz no Ibirapuera

2010-02-04T12:16:00.000-02:00

Está em cartaz no MAC-Ibirapuera (terceiro andar do pavilhão da Bienal) uma mostra com dezenas de obras de arte em guarda da instituição e provenientes de processos judiciais contra o extinto Banco Santos (do ex-banqueiro Edemar Cid Ferreira), contra o empresário Naji Nahas (apreendidos durante a operação Satiagraha) e contra o traficante colombiano Juan Carlos Abadia. Inexplicavelmente, o MAC não divulga a exposição sequer em seu site (www.mac.usp.br). A mostra merece uma visita, pois é possível notar nela a variedade de artistas modernos e contemporâneos, brasileiros (em sua grande maioria) e estrangeiros que fizeram parte das coleções do banqueiro, do empresário e do traficante, embora a instituição também omita nas legendas a qual das três coleções cada obra pertencia. Da mesma forma que o MAC não divulgou a exposição, não divulga a data de seu encerramento. O museu está aberto ao público de terça a domingo, das 10h às 18h.

www.mapadasartes.com.br

Bienal de SP: Reunião de cúpula

2010-02-04T11:52:00.002-02:00

Num clima de encontro das Nações Unidas, curadores da 29ª Bienal de São Paulo debatem os rumos da mostra que começa em setembro, com a proposta de falar de política por meio da arte   É denso o ar na sala. Estão sentados à mesa dois brasileiros, um angolano, uma espanhola, uma venezuelana, um sul-africano e uma japonesa. Discutem a ascensão do Brasil como potência global, a crise econômica que varreu o mundo, mudanças na noção de família e sexualidade, o desmanche das utopias modernas.

 Não é uma reunião das Nações Unidas. É o terceiro andar do pavilhão da Bienal de São Paulo, que começa em setembro e vai encher o espaço desenhado por Oscar Niemeyer -com a proposta de falar de política por meio da arte.

 Moacir dos Anjos e Agnaldo Farias, os brasileiros à frente da curadoria, estão reunidos nesta semana com seus convidados estrangeiros. A Folha acompanhou parte do encontro, que tem a missão de responder até amanhã as questões que vão nortear essa exposição.

 De Londres, veio o sul-africano Sarat Maharaj. Fernando Alvim, angolano que mora na Bélgica, também veio. Chus Martínez, espanhola, e Rina Carvajal, venezuelana radicada nos EUA, formam o grupo hispânico. Yuko Hasegawa, do Japão, representa o Oriente.

 "Temos pessoas muito polidas e bem informadas trabalhando juntas", resume Maharaj, que estudou numa universidade segregada, na era do apartheid, e já foi codiretor da Documenta de Kassel. "Estamos pensando a mostra como uma máquina de criar ideias, capaz de investigar o mundo."

 Misturando heranças, eles jogam um xadrez geopolítico. Falam de arte carregando algumas bandeiras, já que têm os pés fincados em mais de uma pátria. Enquanto a chuva arrasa a cidade lá fora, um pavilhão imaculado aguarda as definições que sairão desse encontro.

 Em parte, têm a missão de saturar o espaço monumental que ficou às mínguas na última edição da Bienal. No lugar de um andar vazio, aquele que foi pichado e virou emblema da derrocada da mostra, prometem 120 artistas divididos em seis núcleos internos e até 400 eventos paralelos nos três meses da exposição, que está orçada em cerca de R$ 30 milhões.

 "É a abertura de novas frentes de pensamento", diz Moacir dos Anjos. "Vamos emoldurar os intervalos de pesquisa."

 Agnaldo Farias acrescenta que essa será uma Bienal experimental, que tenta redefinir o papel do público numa exposição. "É criar um problema onde não havia", diz ele. "Nossa ideia é que certa opacidade do discurso é fundamental."

 Sim, é vago. Até agora, pouco de concreto tem saído a público sobre essa Bienal. Estão confirmados os nomes de artistas como Ai Weiwei, Steve McQueen, Chantal Akerman, Cildo Meireles, Nan Goldin, Nuno Ramos, Flavio de Carvalho, Anri Sala, Harun Farocki. Também se sabe que será uma mostra sobre arte e política. 

 Texturas do político

 "Não estamos falando de ativismo, tem muitas texturas do político", diz Carvajal, do Museu de Arte de Miami. "A condição geopolítica do mundo hoje repercute na produção dos artistas, não será um apanhado histórico da violência."

 Tanto que o apartheid, lembrança na vida de curadores como Maharaj e Alvim, ficou de fora. Artistas angolanos e sul-africanos que estarão na mostra, os mesmos que servirão de eixo central para a Trienal de Luanda, evento que começa em setembro na capital angolana, são jovens que despontaram depois da segregação racial.

 "Estão fazendo novos experimentos", diz Alvim, curador convidado em São Paulo e diretor da mostra angolana. "Essa é uma parte do mundo que passa por profundas transformações filosóficas e estéticas."

 Do seu lado do globo, Hasegawa, diretora do Museu de Arte Contemporânea de Tóquio, enxerga na ascensão econômica da China uma chave de leitura para a transformação do papel da arte no Oriente. No lugar da estética histriônica, pop e inflada de artistas como Takashi Murakami, ela vê uma fusão entre criação visual e dinheiro.

 "Acabou esse momento", diz Hasegawa. "Vivemos outro tipo de capitalismo, a arte é outro fenômeno cultural, está no meio de uma ventania que vem do mundo econômico."

 São ares que sopram também no Brasil. São Paulo, como sede dessa Bienal, será o centro de um debate e vai ocupar um núcleo dentro do pavilhão. "Esse não é o Brasil do passado, esse é o Brasil perturbado, mexido", diz Maharaj. "É uma potência econômica e cultural."

 Mais quieta, Chus Martínez, diretora do Museu de Arte Contemporânea de Barcelona, galega que quando jovem virou muçulmana para visitar o Irã, diz só que será uma Bienal para "repensar, reconstruir, aferir, calibrar, pesar o mundo".

SILAS MARTÍ da Folha de S. Paulo

Curadores da 29ª Bienal de SP debatem os rumos da mostra

2010-02-04T11:45:00.003-02:00

Após mais de dez horas de debates, anteontem, com toda a equipe curatorial da 29ª Bienal de São Paulo, o curador geral da mostra, Moacir dos Anjos, e a espanhola Chuz Martinez, curadora assistente da mostra, além de curadora-chefe do Museu de Arte Contemporânea de Barcelona, falaram por cerca de uma hora com a . Leia a seguir a íntegra da entrevista:

Folha de S. Paulo- A diretora-geral da Documenta de Kassel, Carolyn Christov-Bakargiev, disse em entrevista à , que bienais são laboratórios, vocês concordam? 
Chus Martínez - Durante os anos 1990, falava-se muito em laboratório de experimento, e é um termo muito usado, mas que ainda têm significado. Quando se fala de experimento, não quer dizer que não saiba o que se faz, de sorte que não se sabe e nem se queira saber o resultado exato de onde se quer chegar, mas que se joga com alguns parâmetros possíveis de controle para se estudar algo. Nesse sentido, a Bienal de São Paulo é ultraespecífica, o que significa muito, não só para as pessoas de São Paulo, como para todo o continente e o resto do mundo. É uma bienal que não possui só eventos, mas tem uma vida histórica que se repete, e de certa forma reverbera em cada uma de suas edições. É normal pensar que não é só um laboratório mas uma academia para expor, pensar e refletir como se constrói a história da arte no país, no continente latino-americano e como é a história da recepção entre os próprios países. É um lugar fundamental para estudar a produção artística, como se relaciona essa produção com sua própria história, e como sua história se relaciona com a produção de outros. Assim, é um momento fundamental de sincronização de muitas energias, maneiras de fazer, de um evento que vai muito mais além de um momento festivo, eu diria para todos, mas, sobretudo, para o continente. Nós, de fora, vemos isso com mais força, porque existe a Bienal de Veneza, a Carnegie International [nos EUA] e a Bienal de São Paulo e há poucas outras com essa história, além da Documenta, e todas refletem não o "branding" (a criação da marca) de uma cidade, como ocorreu nos anos 1990, mas uma história da vontade de uma comunidade artística em posicionar uma produção e pensá-la de forma sistemática. A cada dois anos, com isso, são criados pontos de encontro e por isso a possibilidade da Bienal de São Paulo desaparecer a foi um escândalo, já que ela representa muito mais que uma exposição.

- E o que será, então, a 29ª Bienal?
Moacir dos Anjos - Há vários aspectos em que a Bienal vai exercer esse papel de pensar as questões de um modo, como Chus falou, não de uma maneira anárquica, mas de uma maneira investigativa, um laboratório tem esse aspecto de investigar aquilo que não se sabe ainda exatamente o que é, mas que ainda assim é importante buscar.
O que temos trabalhado muito nesses dias é investigar novas formas de construir formas de relação entre o público e a obra. Outra questão que norteia nossas discussões é como pensar a arte internacional a partir de um país como o Brasil, que nesse momento passa por uma situação especial na geopolítica do mundo, em conjunção com uma série de outros países que também assumem papel crucial. E não é apenas uma mudança de forças geopolíticas, mas a emergência de forças que não atuavam, o que muda a equação e fazer uma exposição no Brasil, nesse momento, tem um significado especial.

- A casa de leilão Phillips de Pury vai organizar um leilão dedicado, pela primeira vez, apenas com obras de países do BRIC (Brasil, Rússia, Índia e China), em abril. É a essa nova cena que vocês se referem? 
Dos Anjos - A definição do BRIC passa por outros fóruns que não é a da reflexão artística e nós não estamos, de forma alguma, amarrados a essa necessidade de afirmar um bloco formado por esses quatro países. Nosso papel, aliás, é desenhar outras possibilidades de associação.
Martínez - Não é uma questão desde onde, mas de que falamos. Uma vez que se saiba o que se quer falar, ficará muito claro para quem. Não se busca primeiro as pessoas para se começa a conversar, mas primeiro é preciso ter algumas preocupações e então buscar parceiros para um diálogo sobre tais assuntos. Há muitas confusões, por um lado as pessoas estão cansadas de falar do mundo globalizado e da mundialização, mas, por outro, de formas mais raras e diferentes, se volta à noção de estado-nação e nacionalidades. E creio que a arte, se tem algo, é questionar essas noções estritamente políticas de fronteiras e separar realmente as perguntas e não os passaportes.

- Nesse sentido, depois de dois dias discutindo o projeto da Bienal, que perguntas vocês querem fazer?
 Martínez - De forma geral, o interessante nessas reuniões é que as pessoas estão preocupadas em como se faz um projeto substantivo, em como se relaciona um projeto substantivo, que tenha significado para o momento em que se abra ao público, com a mesma história desse projeto. E, finalmente, como se reverbera o que se faz em São Paulo em outras comunidades fora da cidade. Nesse sentido, a discussão tem se focado em novas formas de falar, novas formas de investigar, novas formas de ser substantiva. Ter a coragem de, desde uma exposição, apelar a formas de investigação que vão além da arte de mostrar, mas que quer recorrer ao pensar, à escritura, à academia, à própria memória histórica. Nesse sentido é um dicionário de preocupações que não tem ainda nome e sobrenome, mas tem um itinerário sólido de que não seja apenas um evento.
Dos Anjos - Resumindo, uma questão fundamental que se quer fazer é qual a relevância de organizar a Bienal de São Paulo, hoje. Não é simplesmente organizar uma mostra, mas é algo além disso: criar uma forma de entendimento do mundo, uma forma de geração de conhecimento e afirmar a necessidade da arte para pensar o mundo. Essa é a ambição.
Martínez - É aproximar o público, qualquer que seja sua filiação, de moradores de rua a envolvidos na academia, familiarizando-os com os modos e métodos de trabalho dos artistas. Os artistas não apenas proporcionam uma imagem ou um resultado final, eles são agentes duplos, eles são dos poucos personagens que habitam muitos mundos e por conta dessa capacidade, eles são os melhores investigadores.

- Essa preocupação parece muito pedagógica, em aproximar a arte das pessoas, o que poderia parecer contraditório ao papel que vocês apontam para a Bienal que é fortalecer o meio artístico... 
Martínez - Ao contrário, não precisamos aproximar a arte das pessoas, ela já está ai. Estamos em muitas crises, mas não nessa. Existe um entendimento tácito, não falado, não é preciso levar a arte às pessoas, a Bienal é um lugar de relações e a arte se ocupa de se aproximar das pessoas, não é preciso uma terceira mão que empurre, as próprias obras se aproximam. Mesmo na Espanha onde questiona a relação entre público e arte contemporânea, o museu [Macba] ganha visitantes o tempo todo e nós temos um dos programas mais duros e conceituais da Espanha e mesmo assim ganhamos gente. Há uma aproximação da obra, as pessoas pensam, o espectador é corresponsável no mundo em que vive. Nós não somos um "delivery service" (serviço de remessa).
Dos Anjos - Há duas coisas aí. A Bienal de São Paulo é profundamente exitosa, porque talvez seja a exposição mais visitada do planeta, com a exceção da última edição que é um caso à parte. Há uma participação intensa do público. Por outra lado, é preciso distinguir o projeto educativo, que é uma preocupação institucional, em potencializar essa exposição, a dar acesso ao máximo de participação do universo escolar, num país onde estudantes não têm acesso aos museus como a Bienal. Isso tudo não se confunde com o poder que a arte tem de comunicar, de falar da vida das pessoas, de criar uma forma de conhecimento que não se reduz a nenhuma outra forma.
Martínez - É preciso por na mesa que a arte, além de ter um componente estético, sempre é uma produção que pensa, que pensa através dos sentidos. E ao pensar através dos sentidos dos sentidos se produz um conhecimento que, atualmente, é fundamental para entender o mundo. E é ai que entra o público, porque em um mundo tão complexo, a complexidade da arte em lugar de ser um problema é onde as pessoas se sentem mais cômodas. O entusiasmo que se percebe no público da Bienal de São Paulo, e de qualquer tipo de público, é o entusiasmo de encontrar-se com uma realidade que não se parece e não mimetiza a sua própria e lhe dá capacidade de liberdade e pensamento que não existe no dia a dia.
Dos Anjos - Quando dizemos que estamos interessados na relação entre espectador e obra é porque a arte, o tempo todo, propõe novas formas de relação com o mundo e estamos interessados nessa relação produtiva, que gera conhecimento quando o público se depara com essas formas que não mimetizam o dia a dia. Nesse sentido que a arte é política.

- Como vocês vão repensar o pavilhão da Bienal? 
Martínez - Dentro do pavilhão nós vamos criar outros seis pavilhões, a ser projetados por arquitetos e artistas, o que irá representar momentos de suspensão na mostra, onde será possível ver vídeos, performances, encontrar pessoas, para assim alterar o ritmo da visita. Interessa-nos muito criar formas distintas para a compreensão da mostra. Será como uma pele dentro de outra pele. Vão ser pausas produtivas.

- Vocês têm essa reunião agora e... 
Dos Anjos - Novamente em maio, quando, creio, vamos ter uma clareza muito maior, inclusive em termos físicos, porque falamos fisicamente da Bienal, mas em termos abstratos, pois não temos a lista final dos artistas nem a lista de obras. Discutimos mais em termos de atmosfera, no sentido geral da exposição, mas é impossível saber com ela será concretamente, agora.

- E com tantos curadores, como a mostra deve ser organizar, vão existir curadorias específicas? 
Dos Anjos - Não, a ideia é ter uma só exposição e não várias, nós somos um time. Por isso é tão prazeroso, mas ao mesmo tempo tão cansativo. Têm sido muito interessante as discussões, pois questões emergem e amadurecem, algumas são descartadas e outras adicionadas, até que exista uma plataforma partilhada de ideias e intenções que possam dar uma cara integrada à exposição.

- Até onde chegaram as discussões, o que se pode esperar da 29ª Bienal? 
Martínez - É uma equipe que está tentando com muitas ambições que superam um passeio do que sucede na arte contemporânea, será algo além disso. Queremos convidar o espectador a participar de um panorama de perguntas que, creio que lhe vai interessar, porque têm a ver em como se educa o indivíduo contemporâneo, que posição tem o sujeito dentro do sistema de liberdade e coação, quais a relações possíveis entre os mil mundos que vivemos, desde o mundo cotidiano até o mundo que chega pela televisão, em todos os tipos de plano. Será um intento de engrandecer a experiência do espectador, de criar uma viagem mental que seja agradável. Será uma Bienal que terá muitas velocidades: quem quiser ver rápido poderá ver rápido, mas terá também muitas ferramentas para poder pensar mais.

FABIO CYPRIANO da de S.Paulo

Bienal de SP: Curadoria foca em lista de preocupações

2010-02-04T11:37:00.000-02:00

Apenas daqui a três meses a 29ª Bienal de São Paulo deve ganhar contornos definidos.
Reunido durante essa semana, o time curatorial do evento está trabalhando em um "dicionário de preocupações", como define Chus Martínez, curadora convidada da mostra, além de curadora-chefe do Museu de Arte Contemporânea de Barcelona.

Será em maio, quando pela segunda vez todo o time estiver reunido, que se chegará ao formato final. "Falamos fisicamente da Bienal, mas em termos abstratos, pois não temos a lista final dos artistas nem a lista de obras. Discutimos mais em termos de atmosfera, no sentido geral da exposição, mas é impossível saber como ela será concretamente agora", disse o curador geral Moacir dos Anjos, anteontem, à Folha, acompanhado por Martínez.

De acordo com alguns verbetes do "dicionário de preocupações" que Martínez apresentou, o projeto é muito ambicioso. Segundo ela, algumas das questões trabalhadas são: como se educa o indivíduo contemporâneo; que posição tem o sujeito dentro do sistema de liberdade e coação; quais as relações possíveis entre os mil mundos que vivemos, desde o mundo cotidiano até o mundo que chega pela televisão.

Nesse sentido, a Bienal "Há Sempre um Copo de Mar para um Homem Navegar" certamente será um evento que irá tratar do mundo atual. "A arte, o tempo todo, propõe novas formas de relação com o mundo, e estamos interessados nessa relação produtiva, que gera conhecimento quando o público se depara com essas formas que não mimetizam o dia a dia", conta Dos Anjos.

O reposicionamento do Brasil dentro do sistema global e como pensar a arte a partir dele é outro verbete dos curadores.

Contudo nem tudo é abstração. Espacialmente, a 29ª Bienal deverá possuir vários ritmos, graças à criação de seis pavilhões dentro daquele projetado por Oscar Niemeyer.

Cada um deles será comissionado a um artista ou arquiteto, e eles funcionarão como pausas reflexivas dentro da mostra. Segundo Martínez, eles irão representar "momentos de suspensão da mostra, onde será possível ver vídeos, performances, encontrar pessoas, para alterar o ritmo da visita".

FABIO CYPRIANO da Folha de S. Paulo

Artistas da próxima Bienal de São Paulo também destacam violência

2010-01-29T11:42:00.000-02:00

Não é a primeira vez que Steve McQueen usa a violência como ponto de partida para uma obra. Em seu filme "Hunger", premiado há dois anos em Cannes, dramatizou a greve de fome de Bobby Sands, ativista do IRA, o Exército Republicano Irlandês, que morreu em protesto contra o governo de Margaret Thatcher nos anos 80.

Sem muitas palavras e com cenas que evocam o expressionismo agudo de um Francis Bacon, causa desconforto. Põe a miséria humana, o corpo que definha, no centro da ação.
Ainda inédito no Brasil, o longa pode ser exibido na próxima Bienal de São Paulo, junto de uma obra que McQueen ainda está produzindo para esta edição da mostra paulistana, que começa em setembro.

Violência e guerra também aparecem na obra de outros artistas já confirmados na Bienal de 2010. Harum Farocki, videoartista alemão, está de olho nos traumas de guerra dos soldados norte-americanos em combate no Oriente Médio.
José Antonio Vega Macotela expõe o sofrimento atrás das grades de um presídio na Cidade do México, trocando favores do lado de fora da prisão por obras feitas pelos detentos trancados em suas celas.

Na dimensão econômica do conflito, a cineasta belga Chantal Akerman vai explorar as origens da crise imobiliária que descambou para o colapso financeiro a partir do retrato de uma comunidade norte-americana, a parte pelo todo, que tenta entender como um lado desperta a ira do outro.

Folha de S. Paulo

LIBIA CASTRO & ÓLAFUR ÓLAFSSON PARA VENEZA 2011

2010-01-28T18:06:00.001-02:00

Depois da nomeação francesa de Christian Boltanski como artista representante do país na próxima Bienal de Veneza, é agora a vez do comitê da Islândia anunciar a nomeação da dupla espanhola-islandesa Libia Castro & Ólafur Ólafsson.

Os artistas trabalham em colaboração desde 1997, quando se conheceram, rapidamente chamando a atenção internacional. Em 2009 receberam o prestigiado prémio de arte holandês Prix de Rome pelo seu vídeo Lobbyists.

Video still from Lobbyists

A prática de Castro e Ólafsson envolve frequentemente uma investigação profunda no contexto social e político onde a sua obra é exposta, usando uma enorme variedade de mídias.

“Com Libia Castro e Ólafur Ólafsson, o pavilhão islandês em Veneza em 2011 vai apresentar um duo artístico que construiu um impressionante conjunto de exposições internacionais e uma prática individual envolvente que se destaca no mundo artístico atual”, afirma Christian Schoen, diretor do Centre for Icelandic Art e curador da Islândia das edições de 2007 e 2009 da Bienal de Veneza.

Disponível em: www.flashartonline.com

Artistas retratam soldados que morreram no Iraque e no Afeganistão

2010-01-27T11:20:00.005-02:00

Nos seis dias que passou numa base militar de Basra, no Iraque, Steve McQueen não teve acesso às linhas de combate. Ficou sozinho no quartel, à espera de notícias. Eram mortes que se amontoavam nas pilhas de estatísticas da presença britânica na guerra ao terror.

Estava lá a convite do governo, para produzir uma obra de arte que só ganhou formas em casa. Ele voltou a Londres disposto a dar rosto aos números anônimos que identificam os mortos em conflito. Britânico que estará na próxima Bienal de São Paulo, McQueen tenta há sete anos fazer circular no Reino Unido selos postais com as caras de homens e mulheres que perderam a vida.

Cartela de selos com o retrato de um dos soldados mortos em combate do artista Steve MacQueen

"Queria que todos no país participassem desse ato", conta o artista, em entrevista à Folha. "Teriam um abalo muito maior sobre a psique se vissem a cara desses soldados todo dia, quando pegassem suas cartas."

Isso não deu certo até agora. Mas "Queen and Country", que virou uma instalação com selos reunidos num grande gabinete, engrossa um movimento de artistas que tentam sublimar o anonimato das baixas de guerra por meio de retratos, filmes e fotografias.

Num eco distante do impacto provocado pela Guerra do Vietnã entre artistas dos anos 70, que turbinaram a linguagem da performance, conflitos ressurgem como motor potente por trás de uma nova arte política.
"As pessoas continuam usando o próprio corpo como arma", diz o artista. "Agora também usam esse corpo como protesto, é uma situação que não descarta a presença física e o uso dela para fazer guerra."

Suas cartelas de selos nunca enviados transitam por museus em gavetas de madeira. Quase 22 mil pessoas assinaram um manifesto pressionando o Royal Mail, o correio britânico, a adotar os selos, mas em vão. Enquanto isso, a National Portrait Gallery, em Londres, volta a exibir esses soldados numa exposição em março.

Desenhos

Vai disputar a atenção do público com rostos dos norte-americanos que morreram no Iraque e no Afeganistão. São desenhos da americana Emily Prince, agora na Saatchi Gallery, em Londres. Desde que estourou a guerra no Iraque, em 2003, ela visita sites com retratos dos mortos e refaz à mão contornos de suas caras.

Na série, espécie de performance obsessiva, Prince já retratou mais de 5.000 anônimos que encontrou on-line em páginas como Military City. "A questão era tornar mais real essas estatísticas", conta a artista em conversa com a Folha. "Ver a imagem de um desconhecido ainda é abstrato, mas é menos que números."

Um dos mais de 5.000 soldados mortos em combate desenhado por Emily Prince

Prince tenta aniquilar essa abstração. Encara cada retrato como cartografia da memória apagada por números e relatórios. Anula o que poderia ser só efeito retórico tentando construir o mais exato arquivo de desenhos, humanos, no lugar de fotos, maquinais.

"Desenho quase em tempo real, porque me irritam as ausências", diz Prince. "É um arquivo imperfeito, sei que nem todos eles estão ali, mas costumo voltar para ver se esqueci alguém."

Enquanto McQueen examina os desdobramentos do corpo como arma, Prince destrincha a natureza desse corpo. Enxerga o Exército como grande entidade anônima, de indivíduos com personalidades distintas engolidas no rolo compressor das táticas de guerra.

"Pensava no soldado como o garoto que já pagava de machão no colegial, mas agora vejo que são normais", diz Prince. "O Exército, como corpo, é capaz de cometer atrocidades, mas espero que entendam que há indivíduos ali, que não têm culpa."

Em Fort Hood, no Texas, a maior base militar dos Estados Unidos, esses garotos, com ou sem culpa, tentam garantir a individualidade. Embaixo dos uniformes, tatuam seus próprios medos, desejos, esperanças.

Uma documentarista de Austin viu no ritual pré-embarque um possível retrato da guerra. Passou três anos visitando um estúdio de tatuagem vizinho à base, entrevistando os soldados.

"Com a agulha cavando na pele, eles revelam coisas que não diriam numa entrevista comum", diz Nancy Schiesari, diretora de "Tattooed Under Fire" (tatuado sob fogo), que pode ser visto no YouTube. "É uma forma de arte: esses tatuadores canalizam os sentimentos dos soldados em desenhos que encaixam sobre os músculos."

Depois do corpo como arma e do corpo anônimo do Exército, Schiesari estuda o corpo ameaçado, tingido para a batalha. Um soldado mandou gravar o desenho de um feto numa jarra, outro fez uma caveira, mas o mais comum é fazerem o próprio nome, em partes do corpo que esperam ficarão intactas caso sejam mutilados.

SILAS MARTÍ da Folha de S.Paulo

A modernidade ocupa o mosteiro

2010-01-25T16:03:00.000-02:00

Exposição reúne três artistas contemporâneos que dialogam com arquitetura românica do São Bento

Antonio Gonçalves Filho do Estadão

Alguém já disse que os intelectuais rejeitam a percepção porque esta leva a emoções profundas - para não dizer à espiritualidade, palavra que o dicionário da arte contemporânea parece ter expurgado. Pois foi justamente numa conversa entre intelectuais, o pintor Marco Giannotti e o monge Carlos Eduardo Uchôa, durante a exposição do primeiro no Gabinete de Arte Raquel Arnaud, em maio do ano passado, que o assunto arte e espiritualidade veio à tona. Presos a um esquema em que a arte ficou refém do mercado, ambos cogitaram a possibilidade de escapar dos cubos brancos das galerias para ganhar um espaço público pouco convencional. E nenhum lugar parecia mais adequado para discutir a relação arte e espiritualidade que um mosteiro. Até porque o monge artista Carlos Uchôa, autor de uma tese sobre Picasso, é beneditino, o de São Bento foi escolhido para abrigar uma exposição onde 16 salas são ocupadas por pinturas, fotos, vídeos e instalações dos dois artistas citados mais o parceiro da dupla, José Spaniol.

Projeto e intervenção contemplado com a verba de um programa do Iphan e patrocinado pela Petrobrás, a exposição Arte e Espiritualidade tem uma proposta ousada: a de dialogar com a arquitetura do mosteiro, um prédio construído no estilo românico das grandes abadias europeias e sufocado pela eclética arquitetura dos vizinhos no centro de São Paulo. Há na mostra desde pinturas de grandes dimensões, que representam temas como o das 14 estações da via-crúcis, executadas por Giannotti e Uchôa, até uma instalação de troncos de eucaliptos que representam o firmamento, passando por genuflexórios fixados de ponta-cabeça no teto dos parlatórios, que dão a eles um aspecto de cenário de um filme de William Friedkin - essas duas últimas obras assinadas por Spaniol. Há ainda lugar para fotografias líricas que evocam a espiritualidade por meio de sombras projetadas em piscinas e em rochas, ambas reveladoras das semelhanças da linguagem artística de Giannotti e Uchôa.

O monge, que mantém seu ateliê ao lado do mosteiro, observa que as suas não são obras de arte religiosa stricto sensu. Ele não se dedica a nenhum tipo de arte sacra, mas existe, segundo o artista, uma religiosidade que perpassa o trabalho. Uchôa, que pintou os passos da Paixão desafiado por Giannotti, realizou a série de 14 telas pensando nas estações como uma "experiência de passagem", em que as figuras surgem e desaparecem no quadro, provocando o olhar do espectador. Autor de pinturas claras, que usavam o branco com a liberdade de um Cy Twombly, nessa série proliferam os vermelhos, trazendo uma carga de violência ausente em seus trabalhos anteriores.

Uchôa vê na arte contemporânea - mesmo nas instalações escatológicas de Damien Hirst e nas mutilações de Marina Abramovic - uma certa espiritualidade resultante da experiência do sofrimento, da dor. Para Giannotti, a arte contemporânea não aboliu a espiritualidade, apenas mostrou que "a beleza não está mais no deleite da contemplação, mas no juízo de alguém que busca um mundo melhor". E lembra inúmeros exemplos de artistas que fizeram do credo de Kandinski - de que toda grande arte é espiritual - obras monumentais, como as capelas assinadas por Matisse, Rothko, Volpi e pelo arquiteto suíço Peter Zumthor, prêmio Pritzker de 2009.

Sobre o papel da espiritualidade na arte contemporânea, José Spaniol, evocando o exemplo do alemão Joseph Beuys, mostra como é possível tratar figuras da simbologia cristã fora da tradição sem ser ofensivo. Sua instalação Ascensão é simples: são armários suspensos por estacas de eucalipto. A verticalidade é intencional. Basta apenas olhar para o alto. É para lá que aponta sua arte.

Arte, espírito e a metrópole

2010-01-25T15:57:00.003-02:00

No aniversário da cidade, o Mosteiro de São Bento abre suas portas pela primeira vez ao público para mostrar obras contemporâneas em seu prédio centenário

Antonio Gonçalves Filho do Estadão

A busca da espiritualidade entre artistas modernos e contemporâneos, de Kandinski a Bill Viola, quase sempre rendeu obras-primas que evocaram a tradição pictórica medieval, renascentista ou barroca, atualizaram a iconografia dos grandes mestres, reutilizaram seus temas ou simplesmente inauguraram um novo capítulo na história da arte. Os exemplos são inúmeros e incluem Matisse, Rothko e, mais recentemente, o pintor alemão Gerhard Richter, que assinou há três anos os novos vitrais da Catedral de Colônia, na Alemanha.

Marco histórico da tradição cristã em São Paulo, o Mosteiro de São Bento, fundado em 1598 e até hoje no mesmo lugar, no centro da cidade, abre pela primeira vez suas dependências para mostrar arte contemporânea ao grande público, graças à iniciativa de um monge pintor, um Andrei Rublev extemporâneo no mundo escatológico de Damien Hirst. O monge, também diretor da Faculdade São Bento, Carlos Eduardo Uchôa, comemora seus 14 anos de mosteiro inaugurando uma ambiciosa exposição ao lado de dois outros artistas paulistanos conhecidos, Marco Giannotti e José Spaniol, todos eles nascidos na década de 1960.

São 16 salas ocupadas por pinturas, fotografias, vídeos e instalações dos três artistas, que apresentam trabalhos individuais e outros concebidos em parceria. Dialogando com o prédio do mosteiro (que não é o original do século 16, mas um projeto do arquiteto alemão Richard Berndl realizado há exatamente um século, em 1910), algumas dessas obras foram concebidas especialmente para espaços reservadíssimos como o parlatório (onde os monges recebem visitas) e a capela privada dos religiosos, até então mantida longe dos olhos do público. Ela é invadida por imagens da cracolândia paulistana, filmadas pelo monge Carlos Eduardo Uchôa num dia de chuva, provocando um violento contraste entre a paz do mosteiro e o genocídio praticado na vizinhança pelos traficantes de crack.

São imagens fantasmagóricas de dependentes vistos ao longe e incorporados ao cenário da metrópole sob a chuva torrencial que tem castigado São Paulo nas últimas semanas. Dois pisos abaixo, outra instalação, projetada pela dupla Marco Giannotti e José Spaniol, faz o percurso inverso. No auditório do mosteiro, uma projeção em looping de velas queimando em tempo real revelam aos visitantes o que fazem, afinal, esses monges no centro de uma cidade deteriorada: oram pela sofrida comunidade da urbe.

Detanico e Lain fazem mapas das estrelas

2010-01-20T13:32:00.002-02:00

Dupla constrói desenhos a partir de cartografia estelar em nova individual   

Galeria em SP também recebe instalações de Ana Maria Tavares e desenhos e fotografias de plantas da artista Gabriela Albergaria   

Estão na fachada da galeria o Sol e a Lua. Lá no alto, são traços dispostos em círculo. Não lembram a radiação solar, nem a luz do satélite. Detanico e Lain, dupla de artistas com mostra na Vermelho, preferem o silêncio à estridência.  

Voltam à investigação das constelações que marcou sua última exposição no espaço. Escreveram então os nomes das estrelas com os tipos de uma fonte que inventaram. Eram círculos semitransparentes, sobrepostos. Tinham na própria forma a coloração mais forte e mais fraca dos astros.

Detanico Lain - Constelações do alfabeto (2010) - detalhe

 Agora os artistas tratam da expansão do universo. Pegam a fonte Univers, de letras fragmentadas, e estouram os retalhos, branco sobre preto. Na parede de uma sala, está essa espécie de Big Bang tipográfico. "É como se a gente tivesse explodido o nome da tipografia", descreve Angela Detanico. "Está escrito como se fosse uma enunciação literal do que ela é."  

Mas por mais que tenha a realidade crua como base, pouco parece literal na obra desses artistas. Usam o mesmo sistema de classificação das estrelas empregado por astrônomos, mas enxergam outra beleza nesse substrato científico.  Ligam os pontos entre as letras gregas que representam as estrelas para soletrar no espaço branco do papel palavras como "simetria" e "hemisfério". São desenhos abstratos que surgem da disposição nada abstrata dos astros no firmamento.  "Esse é um mapa real, uma cartografia real", diz Detanico. "O que a gente fez foi usar essa designação para criar um céu de letras e escrever palavras como se fossem constelações."

 Estão dadas as coordenadas. Da mesma forma que destrincham os pixels de uma imagem ou desfazem e recombinam os elementos sonoros de uma gravação, Detanico e Lain traduzem mapas já existentes, sejam eles de cidades ou de estrelas.  Lembram a tradição minimalista, de Donald Judd ou Sol Le Witt, com seus sistemas pré-determinados de linhas e pontos associados aos planos. Mas não herdam a pretensão de livrar a arte de certa obrigação formalista. Tentam explicitar a harmonia dos sistemas, apontando novas ordens possíveis.   

Outras paisagens

 Também toma outro rumo a obra de Gabriela Albergaria. No anexo da Vermelho, ela revisita os jardins de Versalhes em fotografias e desenhos, completando a impressão fotográfica com traços a lápis. Exerce outro controle sobre a representação, da mesma forma que os franceses domavam a natureza em seus jardins calculados.  No andar de baixo, Ana Maria Tavares suspende o Rio e outras paisagens em caixas de vidro, que remetem à transparência da obra arquitetônica de Lina Bo Bardi.  (SILAS MARTÍ)  

SERVIÇO

DETANICO E LAIN
Quando: de ter. a sex., das 10h às 19h; sáb., das 11h às 17h; até 20/2
Onde: galeria Vermelho (r. Minas Gerais, 350, tel. 3138-1520)
Quanto: entrada franca

Bienal terá Nuno, Nan Goldin e McQueen

2010-01-19T13:59:00.002-02:00

Fotografia de Nan Goldin - Trabalho da norte-americana enfoca amizades, amores, solidão e fragilidade

A natureza política da arte volta ao centro do debate na 29ª Bienal de São Paulo, em setembro. Não aquela arte panfletária, dos significados unidimensionais, mas uma arte capaz de mudar o jeito como vemos e refletimos sobre a sociedade - sendo irrelevante, portanto, se ela trata de conflitos ou não e a forma como articula seu discurso.

Nisso, a nova mostra, renascida após a crise da Bienal do Vazio, é de certa forma uma antítese à exposição de 2006, cujo tema era Como Viver Junto. Aquela bienal buscou juntar ideias e procedimentos conectados de alguma forma com a arte produzida no mundo nos anos 70 - como a performance, o discurso ativista e o debate de temas "urgentes", como meio ambiente e neocolonialismo.

O Estado teve acesso com exclusividade a uma lista dos artistas mais importantes já definidos para a jornada (a lista completa só deve ser anunciada oficialmente em fevereiro). O choque de significado da exposição do curador-chefe Moacir dos Anjos é um leque amplo. Começa com a arte ativista do chinês Ai Weiwei, de 53 anos, nascido num campo de trabalhos forçados por ser filho de um "inimigo" da revolução cultural (o poeta Ai Qing). Espraia-se pelas jornadas fotográficas nos seios das comunidades gays e transexuais, filtradas pelo olhar da americana Nan Goldin, de 57 anos.

Outros nomes: a palestina Emily Jacir, de 40 anos, nascida em Bagdá, que junta fotografia, vídeo e performance; o britânico Jeremy Deller, ganhador de um prêmio Turner; a alemã Isa Genzken, que também trabalha com diversos suportes; o belga Francis Alys, que vai do texto à animação; o português Artur Barrio; e o paraibano Antonio Dias e a carioca Alice Miceli.

Uma estrela confirmada é o inglês Steve McQueen, de 41 anos (que representou a Inglaterra na Bienal de Veneza do ano passado), que vem com seus filmes em preto e branco influenciados pela nouvelle vague e por Andy Warhol, e nos quais ele é geralmente um protagonista.

Cildo Meireles, nome fundamental da arte contemporânea, volta à mostra. Em 2006, o artista plástico Cildo Meireles tinha ameaçado deixar a Bienal de São Paulo caso o ex-banqueiro Edemar Cid Ferreira continuasse no conselho da fundação Bienal. Ferreira foi afastado, mas já não havia tempo para Meireles enviar uma obra. Na época, ele estava com o plano de fazer a instalação Homeless Home (já montada na Bienal da Turquia, em 2003, e cuja origem era um desenho de 1968).

Homeless Home, prevista para ser montada no centro das cidades, volta a ser o foco em São Paulo. Recentemente, Cildo, comparando seu desenho de décadas atrás aos de hoje, observou que o que antes era "sofrimento, crônica social, política e catarse" cedeu lugar à "poesia", mas ressalta que muitas das preocupações que aborda nos "não-desenhos" já apareciam nos desenhos.

Outro nome essencial das grandes exposições nacionais é Nuno Ramos, que volta às mostras de arte após ganhar o Prêmio Portugal Telecom de Literatura com a obra Ó. Ramos tenciona mostrar, no vão central do prédio da Bienal, uma versão expandida de um trabalho com urubus que apresentou no Centro Cultural Banco do Brasil do Distrito Federal. Aquele trabalho do CCBB era intitulado Bandeira Branca, e consistia em uma instalação com três urubus entre caixas acústicas de vidro e três túmulos de areia socada cobertos com pedras negras (homenagem a Goeldi).

A 29ª Bienal está marcada para ocorrer entre 21 de setembro e 12 de dezembro. Além de Moacir dos Anjos e Agnaldo Farias, curadores-chefes, haverá curadores convidados. Eles são a espanhola Rina Carvajal, do Miami Art Museum; o sul-africano Sarat Maharaj, que vive em Londres, onde é professor na Universidade Goldsmiths, e também nas universidade de Lund e Malmo, na Suécia; como assistentes, o angolano Fernando Alvim, que dirige A Trienal de Arte de Luanda; a japonesa Yuko Hasegawa, do Museu de Arte Contemporânea de Tóquio; e a espanhola Chus Martinez, curadora-chefe do Museu de Arte Contemporânea de Barcelona. O presidente da instituição, Heitor Martins, estimou o custo da mostra em cerca de R$ 30 milhões.

Confirmados

Ai Weiwei, artista chinês

Alice Miceli, artista carioca

Antonio Dias, artista paraibano

Artur Barrio, artista português

Cildo Meireles, artista carioca

Emily Jacir, artista iraquiana

Flavio de Carvalho, artista carioca da geração modernista

Francis Alys, artista belga

Isa Genzken, artista alemã

Jeremy Deller, artista britânico

Livio Tragtenberg, compositor e músico paulistano

Nan Goldin, artista norte-americana

Nuno Ramos, artista paulistano

Steve McQueen, artista britânico

por Jotabê Medeiros do Estadão

DOCUMENTA DE KASSEL 2012

2010-01-19T13:38:00.006-02:00

por FABIO CYPRIANO da Folha de S.Paulo

Diretora da próxima edição da Documenta conta como elabora a mostra

Desde 1972, a Documenta de Kassel é considerada a mais importante mostra de arte contemporânea. Uma das razões para tanto é que seus diretores têm cerca de quatro anos para organizá-la e, como diz a norte-americana Carolyn Christov-Bakargiev, em tom metafórico, "certos experimentos científicos não podem ser alcançados antes de três ou quatro anos".

Carolyn Christov-Bakargiev, diretora artística da Documenta de 2012

Indicada para diretora artística da Documenta, em dezembro de 2008, por comitê que contou com o brasileiro Paulo Herkenhoff e que teve como finalista Lisette Lagnado, Christov-Bakargiev, 52, ainda está na fase inicial da pesquisa. "Eu queria ter ido ao Brasil, em 2009, ver o Panorama [no Museu de Arte Moderna], do Adriano Pedrosa, mas, como só me desliguei do museu Castello di Rivoli [em Turim], em dezembro, acabei não conseguindo. Mas certamente irei agora em 2010, pois estou criando uma rede, e o país está em minha rota", contou à Folha, por telefone.

"Eu nunca gostei de trabalhar sozinha, eu gosto de colaborações, de pingue-pongue com muita gente. Foi assim que fiz a Bienal de Sydney e a Trienal de Torino", afirma a curadora. Christov-Bakargiev esteve no Brasil quando organizou a Bienal de Sydney, na Austrália, em 2008, e daqui levou quatro artistas para a exposição: Anna Maria Maiolino, Marcellvs L., Hélio Oiticica e Renata Lucas --que já foi convidada para a Documenta, segundo curadores próximos à norte-americana.

Ainda sem um projeto final, já que a mostra se realiza apenas em 2012, Christov-Bakargiev pretende manter algumas das marcas das últimas Documentas, entre elas descentralizar a arte ocidental, como afirma na entrevista abaixo.

Para ser selecionada como diretora artística você precisou elaborar um projeto?  Carolyn Christov-Bakargiev - Não foi exatamente um projeto. O comitê de seleção me contatou e, para ser aceita como candidata, precisei responder a três questões. A primeira foi para que serve a Documenta e qual é o seu papel; depois, qual é minha metodologia -o que foi muito interessante, pois, estranhamente, nunca pensei nisso, e foi um exercício de autorreflexão. E, finalmente, o que é necessário -uma questão também interessante, porque, afinal, o que se pode dizer que é necessário? Mesmo a vida pode não ser necessária e, então, mudei [a questão] para o que se pode fazer.

Então, o que se pode fazer?  Christov-Bakargiev - Bom, isso muda com o tempo, mas, basicamente, creio que a Documenta se transformou num estado da mente na paisagem contemporânea, tanto no mundo da arte como além dele. Creio que tenha se tornado um estado mental, pois nela se pode pensar no papel da cultura no mundo. Mas isso eu escrevi há mais de um ano e, talvez, eu mesma já tenha mudado de opinião (risos). Certo é que o mundo se transformou de maneira dramática e radical desde 1955. Hoje, como se sabe, é muito diferente, a arte se tornou popular -o que não era nem mesmo nos anos 1970, quando Harald Szeemann fez a Documenta. Assim, ela sempre esteve vinculada a esse desejo de uma consciência coletiva e, por outro lado, tem sido espaço para debater sobre o alto modernismo e os tempos pós-coloniais, uma negociação durante a globalização.

Mas qual é a diferença entre a Documenta e as bienais e feiras de arte?  Christov-Bakargiev - As bienais, que hoje chegam a 154 em todo o mundo, possuem uma certa independência territorial e independência enquanto laboratórios de experimentação para novas praticas artísticas e novos modelos de sociedade. Já as feiras de arte, assim como o mercado da arte, não são experimentais e transferem para um objeto artístico um tipo de investimento simbólico de marcas imateriais. Como vivemos numa sociedade de marcas imateriais, que é o mundo digital, de repente as obras de arte são o mais importante produto da sociedade, pois são a materialização de marcas imateriais.
Além desses dois mundos, existe a Documenta, e o que a caracteriza é que ela ocorre a cada cinco anos --e esse tempo a transforma num dinossauro muito lento. Alguém me disse que deveríamos chamá-la de "ela já está atrasada", o que eu não vou fazer, mas, se pensamos no conceito de "inatualidade suprema", como tantos filósofos exploraram na importância de não se estar em dia, isso dá à Documenta um desafio, que é ter outro tempo. Certos experimentos científicos não podem ser alcançados antes de três ou quatro anos, é preciso um longo tempo para se estudar o comportamento de um animal, por exemplo.

E como você a vê até agora?  Christov-Bakargiev - É uma exposição no centro da Europa, e sou consciente de que isso gera um problema duplo. Por um lado, defendo que toda exposição seja muito baseada no local onde ocorre, pois acredito que a verdadeira experiência da arte tem a ver com o corpo e, portanto, deve ter uma relação com o espaço onde acontece.
A Documenta não pode se fechar nela mesma, pois o incrível movimento que fez com Catherine David (1997) e com Okwui Envezor (2002) foi ajudar a descentralização da arte ocidental e ver a impossibilidade de pensar através de formas que não sejam complexas ou rizomáticas.
Seria absurdo isolar Kassel, sem se descentralizar demais, senão seria uma nova forma de neocolonialismo, o que também seria absurdo. Assim, eu não lhe contei o que vou fazer, mas os problemas com os quais me confronto.

Mostra se fortaleceu nos anos 70

A Documenta de Kassel foi criada em 1955, por Arnold Bode, para reintroduzir a arte moderna na Alemanha, perseguida durante o nazismo e considerada "arte degenerada" -o que chegou a ser o título de uma mostra apoiada por Hitler.
Assim, desde seu início, a Documenta -que começou a ser realizada com periodicidade irregular, mas em 1972 passou a ser organizada a cada cinco anos- teve uma visão internacionalista, contra o fechamento do nazismo.
Em 1972, sob orientação do suíço Harald Szeemann, que a mostra ganhou repercussão internacional, abrigando artistas do grupo Fluxus e da performance e valorizando a função crítica da arte. Desde então, é tida como a mais importante mostra de arte contemporânea.

Bienal de Veneza 2011

2010-01-18T23:48:00.005-02:00

BOLTANSKI REPRESENTARÁ A FRANÇA NA BIENAL

A França anuncia a sua presença na Bienal de Veneza de 2011, tendo Christian Boltanski como artista representante do pavilhão do país, com curadoria de Jean-Hubert Martin, antigo diretor do Centro Georges Pompidou de Paris.

Boltanski é especialmente conhecido pelas suas instalações evocativas de imagens de crianças, frequentemente ligadas à memória e ao Holocausto. Boltanski é também pintor e escultor.

ENTREVISTA: PAULO SERGIO DUARTE

2010-01-18T07:08:00.004-02:00

por MARCOS AUGUSTO GONÇALVES da Folha de S. Paulo

Situação de museus de arte no país é deplorável

Para crítico e curador, políticas do Estado brasileiro "refletem estatuto da arte na consciência da elite, que é inexistente"

CRÍTICO, CURADOR e professor de história da arte, Paulo Sergio Duarte cita o abandono do Museu de Brasília como exemplo da indigência das políticas públicas em relação ao setor e diz que o Instituto Brasileiro de Museus é só "um escritório com diretoria e alguns assessores". Ele vê os museus como "instrumentos indispensáveis para qualquer sistema educacional que se preze" e advoga interação entre essas instituições e universidades.

Pesquisador do Centro de Estudos Sociais Aplicados da Universidade Candido Mendes, no Rio, Duarte, foi curador da 5ª Bienal do Mercosul (2005) e do Projeto Rumos Artes Visuais do Itaú Cultural, no ano passado. Ele cobra do governo Lula a definição de prioridades e defende que os museus federais sejam centros de excelência e formação técnica. Quanto às mudanças na Lei Rouanet, propõe tratamento especial para investimentos em aquisição de acervos e infraestrutura de museus -hoje preteridos em favor do patrocínio de exposições temporárias.

Qual é a situação da rede de museus do país?
PAULO SÉRGIO DUARTE - É preciso lembrar logo que só vamos falar de museu de arte, a cultura em tão elevado estado de condensação que nós não chamamos de cultura, mas de arte. No caso desses museus, a situação é deplorável. Existem ilhas razoáveis que estão longe de dar um bom panorama histórico da arte no país.

Qual é a responsabilidade do governo nessa situação?
DUARTE - Não é um problema só de governo, este ou passados. A política cultural do Estado reflete o estatuto da arte na consciência da elite brasileira. E esse lugar simplesmente não existe, com raríssimas exceções. Repetindo o que digo há 30 anos: percorrendo, em qualquer uma das duas maiores cidades do país, todos os seus museus, é impossível para um professor dar um curso digno da história da arte do século 20.
Tenho insistido sobre o fato de que neste ano Brasília completa 50 anos. Onde está seu museu de arte? No antigo Clube das Forças Armadas, depois cedido para o Casarão do Samba, e posteriormente transformado no museu de arte. Está lá num prédio interditado, cercado por hotéis de arquitetura pífia. Até aqui, este é o lugar do museu na capital da nação. Eu defendo que se faça um concurso internacional para este museu, como foi feito no Rio para o Museu da Imagem e do Som.

Isso é simbólico quanto à importância que o poder público confere à arte?
DUARTE - Isto não acontece por mero acaso no país no qual sobra dinheiro para malas em automóveis e aviões de pastores evangélicos, fraldas de dólares debaixo das calças de cabos eleitorais e até nas meias de deputados. Qual pode ser o estatuto da arte nesse lugar? Como acreditar que a arte é um conhecimento específico, muito importante para compensar os efeitos da indústria cultural, e formar um olhar crítico no cidadão se, na capital do país, é tratada de modo tão lamentável?

Como você vê a atuação do Instituto Brasileiro de Museus (Ibram), criado pelo governo?
DUARTE - Por enquanto, é um escritório com uma diretoria e alguns assessores.

Como ele deveria se estruturar?
DUARTE - Os museus são, antes de tudo, equipamentos necessários à formação de cidadania e um instrumento indispensável de qualquer sistema educacional que se preze. Com as tarefas enormes e com o alarme de emergências tocando todo dia, o Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional, o Iphan, não pode dar a devida prioridade aos museus.
Parodiando Carl von Clausewitz, na sua frase que já se tornou clichê: os museus são importantes demais para ficar nas mãos de museólogos. Os acordos e convênios com universidades e institutos de ensino e pesquisa nas diversas regiões do país poupariam da inchação o quadro de pessoal do Ibram.
Acredito que, para o primeiro mandato do presidente Lula, estava correta a política do Ministério da Cultura de prospecção do campo realizada pelas consultas a câmaras setoriais, reuniões e estímulos à participação. Mas já é tempo de ter focos precisos, prioridades de efeitos multiplicadores. Acima de tudo, as instituições federais têm de ser centros de excelência e de formação técnica.

Que prioridades?
DUARTE - Por exemplo, os projetos educativos dos museus devem priorizar a formação de professores e secundariamente se voltar para o cidadão comum. As visitas de turmas de alunos de escolas e colégios devem estar sempre programadas como trabalhos práticos de professores preparados pelos próprios museus em programas de convênios com as secretarias de educação. Os programas educativos para professores devem estar voltados para os docentes de todas as áreas, e não apenas para aqueles de arte e educação artística. Só desse modo fará sentido a divulgação dos números de visitação de alunos; por enquanto servem para a satisfação demagógica e a prestação de contas a departamentos de marketing de patrocinadores.

Em relação a museus, o que deveria mudar na Lei Rouanet?
DUARTE - Eu considero que deveria haver mais estímulo fiscal aos investimentos em infraestrutura dos museus e aquisição de acervos do que para exposições temporárias. Não se trata de acabar com o estímulo às exposições e sua documentação em catálogos. Mas a aquisição de obras e publicações que exigem longas pesquisas e não estão vinculadas a um evento temporário mereceriam receber tratamento diferenciado. O mais grave, segundo li na Folha [Ilustrada, 24/11/09], é o governo querer disciplinar ou mesmo proibir a remuneração dos profissionais contratados para dirigir museus ou instituições culturais que adquiriram um estatuto autônomo, como organizações sociais. É um estímulo ao pior amadorismo ou a uma péssima elitização das direções das instituições: só ricos, pessoas que não vivem do que fazem, poderão ocupar essa direção, ou funcionários mal remunerados.

Que lições devemos tirar do incêndio que destruiu parte importante da obra de Hélio Oiticica?
DUARTE - A primeira lição é que não se deve nunca dispensar uma consultoria de risco indicada por uma boa empresa de seguros para qualquer edificação que for armazenar acervos preciosos. Mais do que isso: uma das cláusulas ao uso das leis de incentivo à cultura para instituições que preservam acervos seria a realização prévia da consultoria e o financiamento, pela própria lei de incentivo, da execução de todas as medidas técnicas que sejam recomendadas.
Acho que quem primeiro deveria dar esse exemplo é o próprio Ministério da Cultura, realizar essa consultoria em cada uma das instituições sob sua responsabilidade. A verdade é que em muitos casos nem as normas estabelecidas pelos Bombeiros são cumpridas.

Se compararmos arte contemporânea, mercado e instituições do Brasil com arte contemporânea, mercado e instituições de países mais avançados, quais são os principais descompassos?
DUARTE - Temos atualmente uma excelente produção de arte, reconhecida, antes de tudo, por importantes instituições e coleções estrangeiras. Nossas instituições apresentam os mesmos descompassos que existem para outras áreas, a começar pelo sistema educacional: quais são os descompassos que existem entre os sistemas educacionais brasileiro, japonês, alemão, americano, francês e inglês, por exemplo?
Nossas instituições de arte estão para as instituições desses países assim como [estão] nossa educação e nossos serviços de saúde. Quanto ao mercado, me parece que amadureceu muito, nos últimos 20 anos, em São Paulo; se estrutura no Rio e em Belo Horizonte, mas depende exclusivamente de colecionadores particulares. As instituições públicas não têm recursos regulares para aquisições.

E as doações?
DUARTE - Dou um exemplo. A diretora do Museu Nacional de Belas Artes declarou que recebeu em poucos anos milhares de doações. O número publicado chegava a dezenas de milhares, embora isso possa ter sido um erro tipográfico. Mas, se é verdade, é evidente prova do elevado grau de indigência que conduz a política cultural de artes visuais. Integrar o acervo do Museu Nacional de Belas Artes deve ser privilégio reservado às obras de artistas que constituem um patrimônio do povo brasileiro e cuja fruição vai efetivamente formar o olhar do cidadão no campo da arte. Visite-se a sala de arte moderna e contemporânea do museu e ver-se-á que, além das inúmeras lacunas, existe quase sempre a inversão de valores: quanto menos importante o artista mais espaço ocupa sua obra. É uma aula completa do que não deve ser feito.

ARTIGO PRÉ BIENAL

2010-01-15T16:44:00.000-02:00

Experimentando Carvalho

por Camila Molina do Estado

Neste ano, você vai ouvir falar muito dele, o rei das experiências

Em 1931, o artista Flávio de Carvalho (1899-1973) realizou a Experiência nº 2 em São Paulo: de boné, andou em sentido contrário ao cortejo de uma procissão de Corpus Christi. Esta ação quase o levou a ser agredido pelas pessoas, que o consideraram um desrespeitador dos costumes religiosos. Interessado no estudo da antropologia e da psicanálise, ele teve de ser protegido pela polícia. Hoje, certamente, esse ato "pode parecer quase uma bobagem, uma provocação que não teria mais impacto", como diz Moacir dos Anjos, coordenador geral da 29ª Bienal de São Paulo, cuja mostra, este ano, em setembro, terá justamente Flávio de Carvalho e aquela experiência contraconvencional como uma das âncoras principais para tratar do tema Arte e Política. Será o ano de Carvalho.

Juntando a participação de destaque do artista na próxima Bienal e ainda a retrospectiva que o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM) vai dedicar a esse criador entre 15 de abril e 13 de junho, 2010 já se configura mesmo como o ano do resgate de Flávio de Carvalho, oportunidade mais do que especial para se pensar a contribuição plural desse artista - pintor, desenhista, arquiteto, cenógrafo, decorador, escritor, teatrólogo, engenheiro, vanguardista -, que atuou num contexto de passagem do moderno para o contemporâneo. Soma-se, ainda, o lançamento, em 2010, do livro Dialética da Moda, que a editora Cosac Naify prepara como coletânea de artigos que Carvalho publicou em 1956 no extinto Diário de São Paulo - naquele mesmo ano, ele realizou a Experiência nº 3, passeando pelo Viaduto do Chá com seu New Look, traje formado por saiote com pregas, blusa com mangas folgadas, meia arrastão e sandália de couro. E tem mais: a mostra La Deriva És Nuestra, que ocorrerá a partir de 4 de maio no Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofia, na Espanha - coletiva com curadoria de Lisette Lagnado que tem Flávio de Carvalho como ponto de partida, principalmente sua relação com arquitetura e urbanidade.

Pode até ter sido uma coincidência a junção de todas essas iniciativas em torno do artista, mas é curiosa a movimentação ao redor de um único criador. "Este é um momento de quebra de certezas e a obra de Flávio de Carvalho surge naturalmente por ele ser um artista nessa linha, contemporâneo porque faz questionar o nosso próprio tempo", diz Moacir dos Anjos. "É importante criar essa repercussão, repensar a história da arte no País, que exclui certos artistas, pouco afeitos a definições, porque perturbam sua narrativa", afirma ainda o coordenador da 29ª Bienal. "A obra de Flávio de Carvalho é de difícil interpretação e ele entra na reflexão sobre o que é moderno e contemporâneo, algo que tem ligação com o timing do MAM", diz Felipe Chaimovich, curador do museu, que convidou Rui Moreira Leite para conceber a retrospectiva. "Esse rumor em torno dele é para mim surpreendente", afirma Lisette Lagnado, que está há dois anos preparando a exposição para o Reina Sofia.

Flávio de Carvalho é um artista que criou em várias frentes. Formado em Engenharia, estudou em Paris e na Inglaterra entre 1911 e 1922, voltando a São Paulo pouco tempo depois da realização da Semana de Arte Moderna de 22. Seus primeiros projetos modernos foram dedicados à arquitetura, entretanto, não foram concretizados, como o que participou, em 1927, do concurso Palácio do Governo do Estado de São Paulo. Já naquela época era tido e havido como o "revolucionário romântico", definiu o arquiteto franco-suíço Le Corbusier (1887-1965).

"Ele, em qualquer momento, estava na onda sem estar nela propriamente", diz Rui Moreira Leite, autor do livro Flávio de Carvalho - O Artista Total (Editora Senac) e curador da retrospectiva no MAM. Entre tantas atividades, travou contato com os surrealistas europeus; fundou, em 1932, o Clube dos Artistas Modernos (CAM), com Antonio Gomide, Di Cavalcanti e Carlos Prado; faz performances como a Experiência nº 2; pinturas de raiz expressionista (a exposição de 1948, no Masp, lhe dá a visibilidade ampla); cenário e figurinos para A Cangaceira, um dos espetáculos do Ballet do 4º Centenário de São Paulo; escreve e lança livros; realiza a Experiência nº 4, de cunho antropológico, na Amazônia, com quase 60 anos.

Sendo assim, a retrospectiva no MAM não vai se centrar no Flávio de Carvalho artista plástico, porque seria muito pouco. O mote, segundo o curador, será os vínculos que o criador estabeleceu em sua trajetória, culminando numa produção tão plural. "Vamos acompanhar a cabeça do Flávio, mas a dificuldade é que não se pode exagerar na quantidade de informação", diz Moreira Leite. "Flávio sempre passou uma ideia de ser maluco, mas era tudo muito claro para ele." A retrospectiva, com documentos, livros, ampliações fotográficas, projetos e obras originais (do museu e de outras instituições e de colecionadores particulares) ocupará a Grande Sala do MAM.

Por outro lado, ao mesmo tempo, na Sala Paulo Figueiredo do museu, se dará uma relação de Flávio de Carvalho com a contemporaneidade, por meio da mostra A Cidade do Homem Nu, com curadoria do colombiano Inti Guerrero. Nela a obra do artista estará em diálogo com imagens do cantor Ney Matogrosso e de criadores nacionais e internacionais como Claudia Andujar, Cristina Lucas, Miguel Angel Rojas e Daria Martin.

Já na 29ª Bienal de São Paulo o desafio, por enquanto, será o de apresentar a Experiência nº 2 (da qual não se há nenhum registro físico), na vertente da relação entre arte e política. "Como descrever a ação sem falar do contexto de uma São Paulo conservadora, religiosa? Pensamos em criar ambiente que revele a potência desse trabalho", diz Moacir dos Anjos. A mostra ainda está em fase de plena pesquisa, mas não interessa ao projeto da 29ª Bienal ter "uma sala especial Flávio de Carvalho", como adianta o curador. "Nosso interesse principal é atualizar a exposição de Flávio de Carvalho." Moacir dos Anjos também frisa que não se trata de um redescobrimento do artista no Brasil e que a escolha dele como um destaque de "potência para a arte contemporânea" pode render outros frutos. "Ele é relativamente pouco conhecido internacionalmente e esta é uma proposição da Bienal para fora", diz o curador.

'Waltercio e sua sintonia poética

2010-01-15T16:30:00.002-02:00

Salas e Abismos propõe reflexão sobre as múltiplas formas com que o artista explorou a arquitetura

A relação entre a obra de arte e o espaço que a circunda, que sempre foi uma das questões motrizes do trabalho de Waltercio Caldas, recebe agora atenção especial do artista, tornando-se elemento central não apenas da alentada exposição Salas e Abismos, em cartaz até fevereiro no Museu Vale, em Vila Velha (ES), mas também fio condutor do livro homônimo, a ser lançado no próximo mês, em coedição pelo museu capixaba e pela editora Cosac Naify. Percorrendo ambientes criados pelo artista desde a década de 80 em diversos espaços do Brasil e do exterior e reunindo textos pontuais de Paulo Venâncio Filho, Paulo Sérgio Duarte e Sônia Salzstein, a obra propõe uma espécie de reflexão visual sobre as múltiplas e obsessivas formas com que Waltercio explorou a arquitetura.

Ao longo de 240 páginas, o leitor tem acesso a 28 ambientes criados pelo artista, desde Ping-Ping (obra criada em 1980) até sua mais recente instalação, O Silêncio do Mundo, uma espécie de imersão cromática de grande impacto e marcada por uma espécie de suspensão silenciosa. Há também amplo espaço dedicado a obras de difícil acesso ao público brasileiro, como aquelas feitas para Bienais de Veneza (1997 e 2007) ou para as recentes exposições que o artista realizou na Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa) e Centro Galego de Arte Contemporânea (Santiago de Compostela), ambas em 2008.

Assim como na exposição - que a partir de junho poderá ser vista em versão ampliada também no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro -, onde cada uma das salas retratadas parece desdobrar-se na outra, o livro propõe um encadeamento, um diálogo entre imagens com grande sintonia formal e poética. Como explica o artista, são trabalhos realizados em diferentes épocas de sua vida, que apresentam soluções distintas para questões diferentes e que, no entanto, possuem uma surpreendente unidade. São como "versões contínuas e incessantes da mesma sala", sintetiza por sua vez o curador Paulo Venâncio Filho.

Aspectos como a contraposição entre linhas e planos, uma recorrente exploração do contraste entre transparência e densidade cromática ou o adensamento do espaço vazio por meio de sutis, porém potentes, elementos simbólicos e rítmicos se destacam, traçando uma linha de união entre as obras. Não à toa Sonia Salzstein fala em "inteligência formal camaleônica" ao se referir aos desdobramentos na obra de Waltercio. Trata-se de uma teia de significações que se expande em diferentes sentidos, temporais e espaciais.

Não importa se a escala é diminuta, como em pequenas associações de objetos, como em Cabe ao Abismo Construir Seus Personagens, ou se a ação assume grandes dimensões (é o caso por exemplo de Quarto Amarelo, uma intervenção-homenagem à arquitetura de Álvaro Siza no Centro Galego de Arte Contemporânea). O que está em jogo é sempre a relação entre o ambiente e a obra. Ou, mais especificamente, entre a cena construída e o espectador. "O que me interessa não é simplesmente montar uma exposição, mas buscar relações, tentar entender a maneira como o corpo humano se move, como o olhar se comporta", explica Waltercio, lembrando que esse tipo de questão já o movia desde as primeiras maquetes que construiu, ainda em meados da década de 60.

Ele conta que sempre o intrigou a paralisia das obras de arte. Ao contrário de outras formas de expressão artística, que se movem diante do espectador, as artes visuais dependem da mobilidade do espectador para adquirir sentido. "São as pessoas que andam e não a obra", acrescenta, atribuindo a isso um certo receio pessoal em aceitar a pintura como uma questão produtiva. Não que elementos pictóricos como a cor e a linha estejam ausentes de seu trabalho. Eles tem aí uma presença fundamental, mas questionadora. Surgem não para referendar a ilusão da representação no espaço bidimensional, mas sim para ampliar os ângulos de percepção, contribuindo com o jogo de escalas, materiais e ambientes.

Maria Hirszman do ESTADÃO

SERVIÇO
Salas e Abismos, Waltercio Caldas
Museu Vale
Pátio da Antiga Estação Pedro Nolasco Pedro Nolasco s/n - Argolas
Vila Velha / Espirito Santo
CEP 29114-920
Telefone: 55 (27) 3333-2484
24 de outubro a 21 de fevereiro terça a domingo, das 10 às 18h e sexta, das 12 às 20h

EXPOSIÇÃO EM SP: Gary Hill

2010-01-15T16:16:00.002-02:00

Circumstances/Circunstâncias',
mostra de sensação visual

O americano Gary Hill foi um dos precursores da videoarte, nos anos 70 e traz cinco instalações ao MIS

Na obra ‘Viewers’, 15 homens encaram (em silêncio) o visitante.]

Gary Hill se considera um ‘artista da linguagem’. Apesar de nunca ter abandonado a escultura (primeira técnica a que se dedicou), foi como um dos precursores da videoarte que ele ganhou fama nos anos 70.
Agora, o artista multimídia tem cinco obras em Circunstances/Circunstâncias, no Museu da Imagem e do Som (MIS). "As ideias me vêm como um flash; eu simplesmente sinto e faço", diz ele. E talvez seja essa a melhor forma de aproveitar a exposição - sentindo todas as obras.

SERVIÇO

Onde: MIS. Av. Europa, 158, Jd. Europa, 2117-4777.
Quando: 12h/19h (dom. e fer., 11h/18h; fecha 2ª).
Abre 4ª (20).
Até 21/3.
Quanto: R$ 4 (dom., grátis).

ARTIGO MUITO BOM: por LUCIANO TRIGO

2010-01-15T15:52:00.006-02:00

O bigode de Sarah Maple

Ainda que existam artistas contemporâneos relevantes, no cenário pós-histórico em que vivemos, quem dita todas as regras é o mercado

  NO COMEÇO dos anos 50, Matisse recebeu de seu filho Pierre, marchand radicado em Nova York, catálogos que reproduziam obras de Pollock e outros artistas do expressionismo abstrato. Ele mostrou os catálogos a Picasso, seu velho amigo e rival, que rejeitou de forma categórica aquela nova maneira de pintar, "francamente desagradável".

 Matisse ponderou que um artista não pode compreender -e, portanto, não deve julgar- as inovações de seus sucessores. Picasso discordou: "Sou contra esse tipo de coisa".

 A conversa é narrada por Françoise Gilot em suas memórias. Procuro lembrar-me dela quando escrevo sobre a produção artística contemporânea. Picasso, gênio que revolucionou ao menos três vezes a história da arte, destruindo uma convenção após a outra, não foi capaz de aceitar um movimento moderno que, de certo modo, era um desdobramento das inovações que ele próprio desencadeara.  A história está cheia desses exemplos de artistas que causaram escândalo por estarem à frente de seu tempo. Mas, por necessária que seja, essa constatação, sintetizada no argumento de Matisse, não deve virar um dogma limitador da reflexão crítica -do contrário, toda e qualquer bobagem que se apresente como arte estará protegida de antemão de contestação.

 Não estamos longe disso, aliás.

 Por exemplo, a jovem Sarah Maple vem sendo apontada como a nova revelação da arte contemporânea. Dá para conhecer um pouco de sua já premiada produção no site www.sarahmaple.com - onde ela é apontada como herdeira de Tracey Emin (que, por sua vez, se consagrou internacionalmente ao expor como obra de arte a própria cama desarrumada, com lençóis sujos, camisinhas etc).  Daqui a um ano ou dois aparecerá a herdeira de Sarah, que será premiada pela Tate Gallery, ganhará destaque na mídia e também inscreverá seu nome na história da arte.

 Uma das obras de Sarah Maple é uma fotografia em que ela aparece com um penteado fashion, um batom berrante e creme de barba no rosto simulando um bigode. O autorretrato é intitulado "A tribute to Frida". Para não deixar dúvidas sobre a piada, a artista usa no peito um button de Frida Kahlo. Só faltou uma legenda explicando que a mexicana tinha bigode.

 Quanta profundidade! Sem falar na luz, nas cores, na composição... Trata-se, sem dúvida, de verdadeira Picassa.

 Em outra série de fotografias, disponível no site e intitulada "Cocks", Sarah fotografa a si mesma com diferentes "paus" (um galho, um telefone, um guarda-chuva, um exemplar do livro "Código da Vinci" ("Da Vinci Cock!") -uma ideia que exige uma idade mental de aproximadamente cinco anos. Se é esse o nível do debate sobre as questões de gênero na arte hoje, estamos mal das pernas.

 Também se afirma que Sarah contribuiu para o debate sobre a opressão sexual e religiosa ousando usar burca e seios de plástico. Será mesmo? Ou se trata apenas de mais uma reedição do surrado recurso de provocar polêmica barata?

Em 1919, quando Marcel Duchamp também recorreu a um bigode (na Mona Lisa) para chamar a atenção, isso até fazia sentido. Mas que relevância tem essa "transgressão" 90 anos depois?

 Uma fração significativa da arte contemporânea está cada vez mais parecida com a indústria da música: muita atitude, rebeldia de butique, rostinho bonito e zero talento.

 Haverá quem diga: sempre houve artistas medíocres, é melhor ignorar esse tipo de obra. Discordo. Sarah Maple não é uma pobre coitada, uma inocente que mereça desdém ou compaixão. Ela encarna a "mainstream" da arte contemporânea: é essa a produção que as instâncias mais poderosas do sistema da arte reconhecem, promovem, premiam e vendem (nos dois sentidos) como o que de melhor se faz hoje. É esse o padrão que se estabelece, diante da complacência geral e da falência da crítica.

 Isso não passa em branco: tem impacto até no mais bem-intencionado estudante de arte, que se matricula numa escola de artes visuais e se depara com um mundo em que técnica, talento, disciplina e estudo não têm mais importância. Que conhecimento da história da arte é necessário para tirar uma fotografia segurando um celular como se fosse um pau?

 Ainda que existam artistas contemporâneos relevantes, como existem, no cenário pós-histórico em que vivemos, quem dita todas as regras é o mercado, sem que exista nenhuma reflexão crítica independente e informada como contrapoder.  Diferentemente dos artistas e movimentos modernos, que contestavam as instituições e o mercado, hoje se adere incondicionalmente a ambos. E, como há técnicas para fazer as pessoas comprarem (em sentido real e figurado) qualquer coisa, muitas vezes a mediocridade triunfa, por mais que se tente dourá-la com discursos vazios e citações pedantes.

LUCIANO TRIGO, jornalista e escritor, é autor, entre outras obras, de "A Grande Feira - Uma Reação ao Vale-Tudo na Arte Contemporânea".

EXPOSIÇÃO EM SP: Andy Warhol

2010-01-15T15:47:00.000-02:00

Depois de passar por Buenos Aires, chega em março à Estação Pinacoteca, em São Paulo, uma megaexposição com 170 obras de Andy Warhol. Será a maior mostra do artista no Brasil. Entre os trabalhos, estão os retratos de Marilyn Monroe e Jackie Kennedy e as latas de sopa Campbell's.

NOTÍCIAS: 29ª Bienal

2010-01-15T15:43:00.001-02:00

EMPRÉSTIMO

Os curadores da 29ª Bienal de São Paulo viajaram para Nova York, no fim do ano passado, para tentar conseguir com o MoMA retratos do grupo guerrilheiro Baader-Meinhof, que fazem parte do seu acervo. Mas a direção do museu vetou o empréstimo. Segundo a assessoria da Bienal, o MoMA tem um cronograma de empréstimos para os próximos três anos, no qual o pedido brasileiro não estava previsto.

Em tempo: a Bienal confirma a participação da artista alemã Isa Genzken e do belga Francis Alys na mostra e diz que 40 dos 40 artistas convidados aceitaram expor no evento.

MAIS UMA BIENAL NO BRASIL

2010-01-15T15:32:00.003-02:00

Bahia retoma Bienal de arte em 2011

Iniciativa substitui o Salão da Bahia, organizado há 16 anos, e visa inserir o Estado em circuito internacional    

Após 43 anos, a Bahia retoma a realização de uma bienal de arte contemporânea, que deve ser realizada no início de 2011, em vários espaços de Salvador. O anúncio seria feito ontem, na abertura da exposição "Coleção MAM-BA: 50 anos de Arte Brasileira", no Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM-BA), pelo governador Jaques Wagner.

 Em 1966 e 1968, também por iniciativa do governo do Estado, Salvador foi sede de duas bienais. A primeira edição premiou Hélio Oiticica, Lygia Clark, Rubem Valentim e Rubens Gerchman. A segunda, fechada no dia seguinte da abertura, por imposição da ditadura militar, não teve continuidade. Criada por um decreto estadual, a nova Bienal substitui o Salão da Bahia, organizado há 16 anos no MAM-BA.

 "Além de ser um resgate histórico, a organização dessa Bienal visa inserir a Bahia em um circuito internacional", diz Daniel Rangel, da diretoria de museus da Secretaria de Estado da Cultura da Bahia, que, com Solange Farkas, é um dos idealizadores da mostra. A Bienal Internacional de Arte da Bahia deve ocorrer em diversos locais da cidade, como o MAM, o Palacete das Artes (onde funciona o Museu Rodin), o Museu de Arte da Bahia, o Centro Cultural Solar Ferrão, no Pelourinho, e o Museu de Arte da Bahia, todos vinculados ao governo do Estado, e ainda em novos locais no cais no porto.

 "Era preciso pensar um novo modelo depois de 16 anos de Salão e essa Bienal terá um foco, que é dialogar com as bienais periféricas e apresentar a produção africana e latino-americano", conta Farkas. Até março, segundo Farkas e Dantas, será constituído um conselho que irá escolher o curador da primeira edição.

 "Nossa ideia é fortalecer o circuito de arte da Bahia, do qual fazem parte cinco salões e Bienal do Recôncavo. O que buscamos é aprimorar o que existe aqui", afirma Farkas.

Exposição faz balanço de salão de arte na Bahia

Com 82 obras, mostra revê história de tradicional evento com a produção brasileira  

MAM cria política para melhorar compra de obras de artistas como Pierre Verger e Mario Cravo Neto, mal representados no museu    Há 16 anos, dezembro era o mês de abertura do Salão da Bahia, um dos eventos de maior visibilidade da nova produção nacional, no Museu de Arte Moderna da Bahia.

 Com o fim do salão, por meio do decreto que criou a Bienal da Bahia, publicado no "Diário Oficial" do Estado na última sexta, a "Coleção MAM-BA, 50 Anos de Arte Brasileira" representa um balanço do projeto.

 "O salão foi praticamente a única forma de aquisição e isso representa um problema sério para o museu, pois como é possível que artistas como Miguel Rio Branco, Mario Cravo Neto e Pierre Verger estejam tão mal representados aqui?", questiona Solange Farkas, diretora do MAM-BA e organizadora da mostra. Agora, Farkas dará início a uma nova política de aquisição, por meio de um Núcleo de Arte Contemporânea.

 A mostra se divide em quatro módulos: "Contemporâneos", "Fotografia", "Modernistas" e "Rubem Valentim", este ocupando sozinho a capela do local, numa espécie de instalação.
 "Modernistas", composto por apenas cinco obras, representa as primeiras aquisições do museu, quando de sua criação, em 1949, com telas que hoje são ícones da produção nacional, como "O Boi", de Tarsila do Amaral, ou "Vendedor de Passarinhos", de Portinari.

 Modernistas, fotógrafos e contemporâneos, aliás, dividem o mesmo espaço, o famoso casarão reformado por Lina Bo Bardi. Lá estão alguns dos nomes com maior projeção da produção nacional, como Marepe, Regina Silveira, Leda Catunda, Cravo Neto e Verger.

 Elegante, a exposição foi muito elogiada pelos conselheiros do Instituto Brasileiro de Museus (Ibram), empossados na última sexta em Salvador. "Essa mostra coloca o museu em um novo patamar, no mesmo nível de instituições internacionais", comentou o curador Fabio Magalhães.

SERVIÇO

Quando: de ter. a dom., das 13h às 19h, sáb., das 13h às 21h; até 28/3
Onde: MAM-BA (av. Contorno, s/nº, Salvador, tel. 0/xx/71/3117-6133)
Quanto: entrada franca

Fábio Cypriano da Folha de S.Paulo

CRÍTICA: Livro "As Vidas dos Artistas", de Calvin Tomkins

2010-01-15T15:24:00.002-02:00

por Fábio Cypriano da Folha de S.Paulo

Com a voz dos artistas, livro retrata a arte contemporânea

Poucos são os livros que conseguem abordar a produção atual sem cair em estereótipos ou mesmo forçar a barra ao encaixar certos artistas como meros oportunistas que se aproveitam da recente explosão do mercado de arte contemporânea.

Livros falam sobre a vida de grandes nomes da arte contemporânea

"As Vidas dos Artistas", de Calvin Tomkins, faz parte do seleto grupo que traz uma abrangente visão dos procedimentos de produção contemporânea ao dar a voz, em primeiro plano, aos próprios artistas. Nos últimos dez anos, Tomkins, autor da ótima biografia de Marcel Duchamp, "Duchamp" (Cosac Naify, 2005), publicou perfis de protagonistas da arte contemporânea, como Jeff Koons, Damien Hirst e Matthew Barney para a revista "The New Yorker".

O livro, uma reunião de dez desses perfis, revela-se um típico exercício de jornalismo literário, com textos extensos, que mostram intimidade entre o autor e os artistas: Tomkins vai ao cinema com Cindy Sherman, visita a casa de veraneio de Jasper Johns em St. Martin, no Caribe, anda de táxi com Hirst, caminha pela cratera de James Turrel, no norte do Arizona (EUA).

Em cada situação, o autor revela detalhes que ilustram o procedimento criativo de cada um, acrescentando ainda depoimentos de outros artistas, galeristas, críticos e amigos. Os demais escolhidos são Julian Schnabel, Richard Serra, Maurizio Cattelan e John Currin.

Obra sem título de Cindy Sherman, produzida com bonecas mutiladas em 1994, após um divórcio

Estrelas contemporâneas

O próprio autor afirma, na introdução do livro, que a seleção não apresenta "nenhum denominador comum, entre eles", mas, na verdade, todos são estrelas de primeira grandeza no cenário atual, afinal Sherman é uma das principais renovadoras da fotografia, Serra, da escultura e Johns, da pintura. No entanto, tal divisão por suporte, como se sabe em arte contemporânea, é inútil, e aí está um dos méritos de Calvin Tomkins, que, em vez de investigar o meio usado pelo artista, interessa-se pela sua própria forma de vida.

Contudo isso não é realizado em um desenrolar de fofocas, como o universo das celebridades tanto preza, mas de forma discreta e contextualizada, onde o autor aborda desde a formação de cada artista até suas relações com museus e galerias.

Momentos-chave

 Há muitas passagens intrigantes. Uma das melhores é quando Kim Levin, crítica do "Village Voice", arrasou, em um texto, as pinturas de mulheres um tanto deformadas de Currin, por considerá-las machistas, quando de sua primeira individual na galeria Andrea Rosen, em 1992. Dez anos depois, em 2003, ela assume e diz "Eu estava errada", o que atesta como o escrever da história pode ser alterado quando o artista segue sua carreira.

Claro, há histórias mais extravagantes, como os surtos hedonistas de Hirst, que costumava baixar a calça e mostrar a genitália nas festas, mas tais situações são apenas detalhes de uma inteligente e intrigante narrativa da produção atual, principalmente daquela produzida nos Estados Unidos, para onde os textos foram criados. Quem ler "As Vidas dos Artistas", se usar as lentes corretas, vai compreender muito melhor o que é a arte contemporânea.

AS VIDAS DOS ARTISTAS
Autor: Calvin Tomkins
Editora: Bei
Quanto: R$ 57 (280 págs.)
Avaliação: ótimo

EXPOSIÇÃO

2010-01-15T15:15:00.001-02:00

MAM celebra dez anos do Núcleo Contemporâneo e aumenta acervo

O MAM (Museu de Arte Moderna de São Paulo) inicia suas atividades de 2010 com uma comemoração. A casa estreia a mostra "Dez Anos do Núcleo Contemporâneo", que celebra uma década da iniciativa que ajudou a formar um grupo de apreciadores da arte contemporânea e aproveita ainda para aumentar o acervo com obras conquistadas por meio do programa.

Com o dinheiro angariado pelo Núcleo --o espectador paga anuidade individual de R$ 714 para participar de atividades exclusivas e ganhar passe livre nas exposições, entre outros benefícios--, o MAM comprou a obra "Quadris de Homem = Carne/Mulher = Carne" (1995), de Laura Lima, e conquistou o título de primeiro museu brasileiro a ter uma performance em sua coleção artistica. Na mostra comemorativa, ela será apresentada no próximo dia 26, quando será lançado o catálogo da exposição.

Essa instalação humana divide espaço com outras 29 obras selecionadas de um montante de 169 trabalhos que pertencem ao Núcleo. Entre elas estão "O Telhado" (1998), de Marepe, "Nota sobre uma Cena Acesa ou os Dez Mil Lápis" (2000), de José Damasceno, e "Templo" (2000), de Franklin Cassaro.

"Entre o Figurativo e o Abstrato" (1983), de Leda Catunda, e "The Descent from the Cross (after Caravaggio)" (2000), de Vik Muniz, firmam o foco do programa no experimentalismo artístico contemporâneo.

A curadoria da exposição comemorativa é de Felipe Chaimovich, curador do MAM-SP.

SERVIÇO

DEZ ANOS DO NÚCLEO CONTEMPORÂNEO

Quando: ter. a dom., das 10h às 17h30; até 4/4
Onde: MAM (pq. Ibirapuera, portão 3, tel. 5085-1300)
Quanto: R$ 5,50

BIBLIOGRAFIA: 15 longos minutos de fama

2010-01-14T22:06:00.005-02:00

Quatro lançamentos comprovam a longevidade de Andy Warhol como fenômeno pop e contam como o artista construiu uma personalidade rentável e midiática

Andy Warhol, em frente ao bar Serendipity, em Nova York, em 1961

Andy Warhol gostava de se olhar no espelho para não ver nada. "Um crítico disse que eu era o nada em si, o que não ajudou muito", escreveu o artista. "Mas, se perguntassem qual é meu problema, eu diria: pele."

Homem que se tornou o nome mais conhecido da arte no século 20, Warhol odiava a própria cara. No mundo de celebridades que ajudou a arquitetar, criou um personagem magnético para ocultar suas falhas. Virou marca rentável até hoje.

Quatro livros lançados nos últimos meses do ano passado exploram o mito Warhol e repetem nas livrarias o alvoroço provocado pelas obras do artista pop em museus e galerias.

"Andy Warhol", de Arthur Danto, e "Pop - The Genius of Andy Warhol" (pop - o gênio de Andy Warhol), de Tony Scherman e David Dalton, são análises biográficas do artista. Enquanto o primeiro traça um paralelo entre Warhol e nomes atuais, como Jeff Koons, Damien Hirst e Takashi Murakami, o segundo mergulha nos detalhes da década de 1960, a fase mais produtiva de Warhol.

ANDY WARHOL
Autor: Arthur C. Danto
Editora: Yale University Press
Quanto: US$24(cerca de R$42) (192 págs.)

POP - THE GENIUS OF ANDY WARHOL
Autor: Tony Scherman e David Dalton
Editora: Harper Collins
Quanto: US$40(cerca de R$70) (509 págs.)

"I Sold Andy Warhol (Too Soon)" (eu vendi Andy Warhol cedo demais), de Richard Polsky, dá a dimensão de mercado da história, narrando o aumento dos preços das obras do artista em leilões e galerias.

POP - THE GENIUS OF ANDY WARHOL
Autor: Richard Polsky
Editora: Other Press
Quanto: US$24(cerca de R$42) (288 págs.)

Lançado no Brasil há dois anos, "A Filosofia de Andy Warhol", primeira tradução para o português do livro escrito pelo artista, se junta a "Popism" no segundo semestre, livro que ele fez com Pat Hackett, que redigiu seu diário a partir de conversas telefônicas.

A FILOSOFIA DE ANDY WARHOL
Autor: Andy Warhol
Editora: Cobogó
Quanto: R$43 (272 pags.)

Ele mesmo tinha preguiça de escrever. Se nas festas em Nova York Warhol era a figura midiática, de óculos escuros e cabelos arrepiados, não escondia o lado frágil quando estava entre seus assistentes. Era inseguro, inepto. Dependia até das duas empregadas guatemaltecas, que recolhiam os embrulhos de doces e chocolate em torno de sua cama todos os dias pela manhã.

"A maior coisa que ele fez foi criar esse personagem, como Buster Keaton ou Charlie Chaplin, um tipo clássico", diz David Dalton, autor de "Pop", que foi assistente do artista. "Ele criou uma imagem indelével, virou o oposto do que era."

Dalton documentou a construção e o sucesso dessa segunda pele e agora vê seu livro chegar às listas dos mais vendidos.

"Ele era como o Mickey Mouse", diz Arthur Danto. "Ninguém sabia como era a cara dos outros artistas, mas todo mundo consegue desenhar o rosto de Warhol." No auge da fama, o artista chegou a contratar um sósia para dar palestras e fazer aparições em seu lugar.

Foi por seu "charme profundo", nas palavras de Danto, que Warhol chegou à condição máxima de celebridade, despertando adoração e ódio. Anos antes de John Lennon, sofreu um atentado. Levou tiros calibre 32 no baço, estômago, fígado, esôfago e nos pulmões. Sobreviveu, sabendo que passava a ser também um mártir.

Pouco importa que Valerie Solanas, a psicótica autora dos disparos, não tivesse o artista como alvo. "A beleza ameaçada fica mais bela", escreveu Warhol após o episódio. "Se eu não fosse famoso, não teria levado tiros por ser Andy Warhol."

"Ele é como os Beatles", diz Richard Polsky. "Todo livro lançado sobre ele é um sucesso de vendas, as pessoas compram tudo com o nome Warhol."

Tanto que, quando Polsky comprou uma obra de Warhol, escreveu um livro narrando o episódio. Um colecionador finlandês ficou de olho no trabalho até que o autor decidiu leiloar a obra descrita no livro cinco anos depois. "Ele tinha lido o livro, pegou um jatinho e veio comprar o quadro em Nova York", lembra Polsky, que fez outro livro sobre a venda.

Entre as muitas teorias e poucas explicações concretas para o fenômeno Warhol, ele mesmo resume a questão numa frase: "Isso é porque as pessoas, mais do que qualquer outra coisa, querem estrelas".

Silas Marti da Folha de S.Paulo

BIBLIOGRAFIA

2010-01-14T21:18:00.005-02:00

Livros falam sobre a vida de grandes nomes da arte contemporânea

Silas Marti da Folha de S.Paulo

Foi pelo outro lado da câmera que Matthew Barney virou artista. Pagou o curso em Yale com o dinheiro que ganhou como modelo, posando para a Ralph Lauren. Cindy Sherman transformou um "divórcio doloroso" em bonecas mutiladas.

Com a voz dos artistas, livro retrata a arte contemporânea

No Brasil, Cildo Meireles lembra a alucinação que teve aos seis anos de idade, paralisado numa cama. Cao Guimarães descobriu o "desejo pelo proibido" quando viu o arquivo de fotos do avô médico, com xifópagos e vítimas de barriga d'água. A prisão do marido, na ditadura, também foi motor para a obra de Anna Bella Geiger.

Dois livros lançados agora exploram a biografia dos maiores nomes da arte contemporânea no Brasil e no exterior. Buscam nos relatos desses artistas o lastro para a produção que inundou o mercado e arrebatou a crítica ao mesmo tempo.

Em "As Vidas dos Artistas", Calvin Tomkins, crítico de arte da "New Yorker", perfila dez artistas que viraram grifes, entre eles Matthew Barney, Damien Hirst, Jeff Koons, Richard Serra. Nos trópicos, Felipe Scovino lança "Arquivo Contemporâneo", coleção de 13 entrevistas com gigantes da arte brasileira --Cildo Meireles, Tunga, Adriana Varejão.

AS VIDAS DOS ARTISTAS
Autor: Calvin Tomkins
Editora: Bei
Quanto: R$ 57 (280 págs.)

ARQUIVO CONTEMPORÂNEO
Autor: Felipe Scovino
Editora: 7Letras
Quanto: R$ 48 (310 págs.)

Fazem uma análise sintética da última geração de criadores alçados à condição de celebridade. Dão a palavra aos próprios artistas, que esquadrinham desde o sucesso em leilões e galerias à presença nas maiores exposições do planeta e estripulias no plano pessoal.

Tomkins, 84, partiu com a missão de separar o joio do trigo. De milhares de artistas que conheceu, escolheu os que julgou pertinentes. "Um resultado da liberdade ilimitada na arte é a superprodução de coisas medíocres", constata o autor, em entrevista à Folha. "Essa situação tem atraído muitos não artistas, que acham que fazer arte é coisa fácil."

Ele tenta provar o contrário narrando a odisseia de Damien Hirst atrás dos tubarões e vacas que mergulhou em formol. Lembra a viagem ao deserto do Arizona para ver a cratera de luz de James Turrell, os excessos de maquiagem, roupas e perucas de Cindy Sherman.

No meio do caminho, sobra tempo para falar dos amigos roqueiros de Hirst, como o baixista do Blur, Alex James, do romance de Cindy Sherman com o ator Steve Martin, do egocentrismo embaraçoso de Julian Schnabel, da briga de Richard Serra com Frank Gehry.

São ecos da era que começou com Andy Warhol e o culto à personalidade que passou a valer também nas artes visuais.

É um contraste gritante com a situação brasileira. Enquanto os Estados Unidos viveram o boom econômico do pós-guerra, artistas nacionais extraíram forças da repressão militar. A máxima de Hélio Oiticica --"da adversidade vivemos"-- se ajusta quase com perfeição aos relatos dessa geração.

Cildo Meireles esmiúça o contexto em que circulou suas garrafas de Coca-Cola com mensagens subversivas. Cao Guimarães lembra como fazia todos os filmes na cozinha de seu apartamento em Londres.

Oiticica e Lygia Clark, pioneiros da arte invendável, surgem como grandes referências dessa geração, mas não evitaram que, mesmo no Brasil, tudo se rendesse ao mercado.

Artista que desponta lá fora, Adriana Varejão conta que a única lembrança que tem da primeira vez que viu a obra de Clark é o autógrafo que ganhou da artista. Meireles reduz tudo a um "universo do fetiche".

Na obra de Cindy Sherman, Tomkins vê o que se aplica à situação atual _o desejo de se agarrar "às coisas, à juventude, ao glamour, à esperança".

Novo desenho põe em xeque "potência afetiva"

2009-12-14T11:39:00.002-02:00

Designers falam em patrimônio visual e ideia de design como expressão do tempo  Momento atual permite convivência da sintaxe modernista com projetos vintage, de retomada de marcas do século passado  

Mesmo sem saber que Lygia Pape estava por trás dos biscoitos flutuantes nas embalagens da Piraquê, várias gerações se acostumaram a ver nos mercados a serialização geométrica dos pacotes. Do mesmo jeito que a lata de sardinhas Coqueiro, desenhada em 1958, ficou mais de 40 anos em circulação.

 É tempo suficiente para criar, mais do que uma identidade corporativa, uma memória afetiva desse desenho. "O que está em jogo não é tradição, e sim afeto", postou Daniela Name em seu blog, saindo em defesa das embalagens que marcaram sua infância. "Essa é a base da história e da longevidade de um produto de design."

 Tanto que gente como o publicitário paulistano Eduardo Foresti guarda em casa as embalagens mais emblemáticas que encontrou pela vida, dos biscoitos Piraquê aos cosméticos Granado. "As pessoas se irritam quando muda algo com o qual existe uma relação sentimental", diz Foresti. "Um exemplo é a bala Chita, que era um macaquinho. As pessoas se ressentem dessas mudanças."

 Quando a Varig decidiu substituir o desenho de um homenzinho voando pela rosa dos ventos na cauda de seus aviões, em 1962, pilotos se recusaram a voar sem o Ícaro, e a empresa foi obrigada a repintar o desenho no bico das aeronaves. Mas pessoas também crescem, o tempo passa e marcas precisam lutar para manter o frescor. "Todas as empresas precisam se manter na concorrência, que é fortíssima", analisa o designer André Stolarski.

 "O problema não é a mudança, mas como ela é feita, porque se o novo projeto perde uma característica que é distintiva em termos de mercado ou patrimônio visual, está perdendo feio, perde a potência afetiva."

 Stolarski vê um retrocesso nos novos pacotes da Piraquê e da Coqueiro, mas elogia, por exemplo, as mudanças da Pepsi, que reformou há pouco sua logomarca e simplificou embalagens e identidade visual.

 "Não faço parte do time que fica lamentando essas coisas", diz Chico Homem de Melo, professor de design e autor de livros-referência sobre o assunto no país. "Essa é uma visão de raiz racionalista, que vem da Bauhaus, o design que se colocava como eterno."
 Longe de eterno, Homem de Melo chama o design de "expressão de seu tempo". "Essa é uma história de mudanças, não de permanências", frisa. E lembra que parte da polêmica em torno da aposentadoria de desenhos concretistas de Pape e Wollner está ancorada num momento histórico que passou.

 "Esses artistas construtivos achavam que a arte industrial era a saída", diz Homem de Melo. "Então ir para o design não era sair para outra coisa, era mostrar para onde vamos."
 Nessa linha, Willys de Castro, Hércules Barsotti, Waldemar Cordeiro, no Brasil, e nomes como El Lissitsky e Kurt Schwitters, no exterior, também fizeram incursões no campo do design, sujeitos à mesma passagem do tempo.

 "É o curso das coisas, é natural que ideias novas tomem o lugar das antigas", diz o artista Rafael Lain, da dupla Detanico & Lain, conhecida por sua atuação também no design. "Um design feito há 50 anos responde a questões de 50 anos atrás, que não são pertinentes hoje."

 E esse hoje é um terreno aberto. Convivem no design contemporâneo a sintaxe modernista de Pape, Wollner e Aloisio Magalhães e as formas ornamentadas, rococó, dizem alguns, do revival promovido por empresas como a Fiat, que voltou a usar a mesma tipografia de 1901 em sua logomarca.

 "Tem um tom de humanidade, calor, que o design modernista não tem", diz Homem de Melo. "Estamos vivendo um revival, ou talvez seja só voltar a alguma coisa lá atrás e reinscrever isso na modernidade."
Design Aposentado

Embalagens clássicas de produtos saem de cena e geram debate sobre memória afetiva e patrimônio do design no país    Diante da prateleira de um supermercado, Daniela Name levou um susto. "Foi horrível", lembra a curadora, que correu para casa e postou em seu blog que a Piraquê estava aposentando as embalagens dos biscoitos Queijinho e Presuntinho, desenhadas pela artista Lygia Pape nos anos 60. "São mudanças criminosas, assassinas", diz ela. "É muito sério."

 No lugar dos arranjos em vertente construtiva dos pequenos biscoitos, projeto de Pape, está agora uma disposição mais convencional, com uma grande tarja com o nome do produto quebrando o desenho. "Nem por hipnose alguém me convenceria de que essa coisa horrorosa é mais eficiente", esbravejou Name, na web.

 É uma reação parecida com a do designer Alexandre Wol- lner, que viu sua embalagem clássica das sardinhas Coqueiro dar lugar a um design brilhante e modernoso, que rompe com os traços minimalistas de seu desenho, pondo no lugar uma linguagem mais figurativa.

 "É uma esculhambação total da Coqueiro", diz Wollner. "Não pode trocar um desenho por uma coisa mais bonitinha."

 Bonitinhas ou assassinas, marcas mudam. E geram um debate entre artistas e designers sobre o que é patrimônio visual e como lidar com o que já foi ícone do design brasileiro em meio às mudanças que seguem o ritmo do mercado.

 Se por um lado saem de cena os últimos exemplos dessa corrente modernista, por outro empresas retomam logomarcas ornamentadas do passado. 
(SILAS MARTÍ da Folha de S. Paulo)

Pintor Richard Wright ganha prêmio Turner

2009-12-07T20:44:00.001-02:00

Um pintor que não quer que nenhum de seus trabalhos sobreviva à sua morte recebeu um dos prêmios mais importantes de arte contemporânea nesta segunda-feira.

Richard Wright, de 49 anos, venceu o favorito das apostas Roger Hiorns e ficou com o Turner britânico, um prêmio anual que costuma provocar polêmica sobre o que é ou não arte.

Mais conhecido por seus afrescos matematicamente precisos, Wright parece uma escolha estranhamente monótona em comparação aos associados ao Turner, geralmente enfants terribles da arte contemporânea.

Damien Hirst ganhou o Turner em 1995 com uma vaca embriagada e Chris Ofili provocou polêmica em 1998 com trabalhos que incorporavam esterco de elefante.

A peça em exibição de Wright é uma pintura de estilo barroco em folha de ouro, que evoluiu em redemoinhos geométricos por uma parede. Sua obra tem a beleza efêmera de uma teia de aranha, algo criado com detalhismo, mas que não vai durar.

"Eu gosto da ideia de não restar nada quando eu me for", disse Wright, cuja obra será coberta com tinta depois que a exibição terminar em janeiro.

Wright recebe um cheque de 25.000 libras (41.120 dólares). Os outros finalistas -- Enrico David, Roger Hiorns e Lucy Skaer -- recebem um cheque de 5.000 libras cada.

DEBATE

2009-12-05T19:53:00.004-02:00

fonte: Zero hora

Arte de hoje

Cultura propôs as mesmas cinco perguntas a quatro intelectuais que têm discutido em seus trabalhos as singularidades da arte e da estética no tempo presente

1 Neste momento, reaparece em Porto Alegre o discurso que defende que a arte contemporânea seja examinada segundo critérios tradicionais, incluindo, por exemplo, a habilidade do fazer e a busca pelo belo. Em que medida, tais critérios podem ser empregados nos dias de hoje?

2 Alguns comentadores alegam que a arte contemporânea seria um embuste, uma empulhação. Segundo eles, toda a produção do presente não passaria de uma astuciosa invenção do mercado com a conivência de críticos e teóricos. O que lhe parece essa ideia?

3 Esse mesmo discurso afirma que a arte de hoje seria a arte do vale-tudo. Vale tudo na arte contemporânea?

4 No extremo oposto, há aqueles que acabam assumindo uma defesa incondicional da arte contemporânea, como se toda ela fosse exemplar. Há arte boa e arte ruim no contexto contemporâneo?

5 É fato que uma parte considerável do público se sente incomodada com a arte de hoje. São pessoas que vão, por exemplo, às grandes exposições ou às Bienais e saem de lá dizendo que “não entenderam nada”. O senhor já se sentiu assim em relação à arte do presente, “sem entender”? Qual foi sua reação?

JACQUES LEENHARDT

Presidente de honra da Associação Internacional de Críticos de Arte, a Aica, o francês Jacques Leenhardt, 67 anos, é diretor de Estudos da prestigiada École des Hautes Etudes en Sciences Sociales, de Paris. Doutor pela Universidade de Paris X (Nanterre), sob orientação de Roland Barthes, tem estudos publicados nas áreas de literatura, sociologia e artes visuais.

“É um erro bem ingênuo, mas uma ilusão bem comum, acreditar que espontaneamente, sem preparação e sem reflexão, vamos compreender o trabalho dos cientistas ou dos artistas”

1.Por que utilizar critérios do passado para compreender nosso mundo contemporâneo? A arte não avança com a mesma rapidez das comunicações, mas a arte é o lugar onde se cristalizam as experiências que fincam suas raízes em nosso mundo técnico, político e, mais genericamente, em nosso mundo humano contemporâneo. Os artistas procuram, tateando, criar obras que exprimam sua própria relação com este mundo, extraindo por vezes a beleza mas, mais frequentemente, o sentido, que é o que nós percebemos como o mais radicalmente ausente deste mundo.

2.Como na política, há fraude na arte. O mercado de arte não é mais transparente e democrático do que o campo da política. Em geral, não se fala senão do grande mercado especulativo internacional, mas há outros, mais discretos, que correspondem ao gosto de muita gente diferente. É evidente que a crítica está ausente dos grandes meios de comunicação, e isso não facilita a tarefa de se perceber a diversidade das produções artísticas. A imprensa ama o sensacional. Somos todos responsáveis por isso. Primeiro, fala-se dos grandes prêmios, das grandes exposições, dos grandes escândalos! Mas nas exposições pode-se constatar a pluralidade das criações, cada um pode experimentar a diversidade da arte. O importante é que cada um tente se confrontar com uma experiência estética que o enriqueça, uma experiência que proponha algo de novo em relação ao que essa pessoa já conhecia e já apreciava. Isso pode ocorrer tanto diante de mestres do passado quanto diante de artistas contemporâneos. É uma questão de disponibilidade mental do visitante, e é algo que coloca em jogo o seu repertório. Quanto maior nosso repertório, mais capazes nós seremos de aproveitar uma ampla experiência estética. A compreensão do mundo, e da arte em particular, requer um exercício constante. É um erro bem ingênuo, mas uma ilusão bem comum, acreditar que, espontaneamente, sem preparação e sem reflexão, vamos compreender o trabalho dos cientistas ou dos artistas.

3. O artista tem todas as possibilidades abertas diante dele. Ele escolhe e tenta produzir sentido. Nem tudo o que ele faz é sempre compreensível ou pertinente. O tempo e a história selecionam e sempre vão selecionar o que fará sentido para as gerações futuras. Evidentemente, muitas obras serão esquecidas, neste campo como em outros.

4. É claro! Há aqueles que conseguem passar o que sentem e aqueles que não conseguem. Há aqueles que ficam à margem da difícil experiência da arte e não fazem senão produzir objetos, os quais eles tomam por arte, mas que não são senão “produtos”, destinados a seduzir nosso gosto pela repetição. A repetição é agradável, mas é apenas uma pequena parte de nossa capacidade de experiência estética.

5. É difícil ser contemporâneo de um mundo em plena transformação. Somos, enquanto seres humanos, ligados tanto às tradições quanto ao futuro que se abre diante de nós, o qual aprendemos a compreender lentamente e com dificuldade. Isso explica o descompasso que seguidamente sentimos diante de muitos aspectos do mundo contemporâneo – e não apenas diante da arte. O esporte é fácil de compreender porque ele se repete a cada semana, idêntico a si mesmo. Todo mundo ama o esporte, que oferece, ano após ano, a mesma dramaturgia. A arte tenta tornar sensíveis certas modificações de nossa vida e de nossa sensibilidade coletiva. Nossa sensibilidade muda com uma velocidade vertiginosa, algo que dificilmente poderíamos acompanhar por nós mesmos. A arte é uma experiência que se situa nas margens de nossa compreensão. Por isso, ela frequentemente corre o risco de não compreender e de não ser compreendida.

ARTHUR DANTO

Filósofo norte-americano, professor emérito da Columbia University, em Nova York, Arthur Danto, 85 anos, é autor de uma polêmica tese sobre o fim da arte. Ancorado em Hegel, ele afirma que, na arte contemporânea, haveria uma consciência da natureza filosófica da arte. Essa tese está exposta nos livros A Transfiguração do Lugar-Comum e, sobretudo, em Após o Fim da Arte, ambos disponíveis em português. Desde 1984, Danto atua como crítico de arte para a revista The Nation.

“Se alguém disser que não apreendeu nada com uma exposição, então o problema deve estar com a pessoa. Provavelmente, ela não se esforçou o suficiente para tirar algum proveito”

1. Não há critérios canônicos que se apliquem à arte contemporânea. Ao visitar uma exposição de arte, devemos nos preparar para achar nosso próprio caminho de entendimento. Geralmente há textos nas paredes, catálogos, folhetos, que podem ajudar. Devemos passar certo tempo tentando entender o que a obra significa. Uma análise crítica, admitamos, leva tempo. Somos sempre livres para perguntar se aquilo valeu a pena ser feito e se aprendemos algo. O visitante certamente necessita fazer um julgamento esclarecedor a respeito da obra. Se não, não há motivo em visitar uma exposição.

2. Se alguém acredita que toda arte contemporânea é um engodo, esse alguém deveria ser sábio e evitar exposições de arte. Eu passo um bom tempo com arte, como crítico, mas também como simples apreciador de arte. Não tenho essa impressão de que a arte contemporânea seja uma empulhação. Conheço muitos artistas, alguns até bem famosos. Nunca tive evidências de que eles estivessem enganando alguém com sua arte. Estou mais convencido de que os comentadores que você menciona sejam mais enganadores do que os artistas. No século 19, houve um julgamento famoso, no qual o pintor americano James McNeil Whistler, processou de forma bem-sucedida o crítico John Ruskin, por esse ter dito que sua pintura era um engodo. Ruskin perdeu a disputa judicial e caiu em desgraça. Acho que isso é algo que poderia acontecer hoje em dia se um crítico se comportasse da mesma forma que ele.

3. Alguém já disse que vale tudo na guerra e no amor. Nunca vi nada nesse sentido em relação à arte. Geralmente, há um motivo pelo qual o artista fez o que fez. Ao se apreciar uma obra, tem-se que tentar entender os motivos que explicam por que a obra é o que é. Isso é chamado de crítica. Crítica seria extremamente fácil de fazer se disséssemos que tudo vale.

4. Sim. Há arte boa e arte ruim, assim como há gente boa e gente ruim.

5. Um dos problemas com Bienais é que há muita arte para ser vista e não há tempo suficiente. Isso pode ser um bocado frustrante. Uma alternativa é tentar fazer uma pesquisa prévia. Descobrir o que seria melhor de olhar, lendo resenhas e depois tentando planejar a visita. Sempre se pode ficar desapontado. Mas se alguém disser que não apreendeu nada com uma exposição, então o problema deve estar com a pessoa. Provavelmente, ela não se esforçou o suficiente para tirar algum proveito. Imagine um jogo complicado, como beisebol. A não ser que você conheça o jogo, você não será capaz de assistir e tirar algum proveito dele.

FERNANDO COCCHIARALE

Artista, professor e crítico de arte, Fernando Cocchiarale é curador do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Em Porto Alegre, ele fez a curadoria da exposição É Hoje, que apresentou no Santander Cultural a coleção Assis Chateaubriand (2006), e foi um dos curadores da retrospectiva de Vera Chaves, também no Santander Cultural (2007). É autor do livro Quem Tem Medo da Arte Contemporânea? (2007).

“A arte contemplativa, criada por artistas individuais dotados de habilidade e gênio, é somente uma construção histórica europeia que começa na Renascença e se consolida no final do século 18.”

1. A arte não tem uma única natureza. Se considerarmos, por exemplo, o que se passou no Ocidente, desde a Grécia clássica até o mundo moderno e contemporâneo, vemos que ao longo desses 2.400 anos se sucederam pelo menos três grandes regimes ou funções do que chamamos habitualmente de arte. No primeiro e mais duradouro deles, não havia a separação entre ofícios, entre arte e artesanato, mas entre a natureza e sua transformação pelo fazer. Sua função era sobretudo religiosa. A arte contemplativa, objeto da estética, criada por artistas individuais dotados de habilidade e gênio, tida como canônica entre desinformados e conservadores, é somente uma construção histórica europeia que começa na Renascença e se consolida no final do século 18, quando surgiram as primeiras disciplinas voltadas especificamente para o estudo e o conhecimento da arte (estética, História da Arte e crítica de arte). De seus desdobramentos na visualidade moderna, até a crise deflagrada pela II Guerra, a arte parecia afirmar, ainda que sob transformações vertiginosas, sua função estético-contemplativa como eterna e única, embora tivesse apenas cerca de 400 anos. É, portanto, impossível avaliar as novas funções da arte a partir de teorias que emprestavam sentido à arte formal e estética do passado histórico que antecedeu a produção contemporânea, incapazes de outra coisa que não negá-la e destruí-la.

2. Quando teria ocorrido essa astuciosa invenção? Como ela poderia ter cooptado artistas, críticos, parte do público e teóricos atuantes em diversos campos, de diversos países, sem que existam quaisquer vestígios dessa ardilosa conspiração? Quando e onde eles se encontraram secretamente sem que ninguém o tivesse sabido? Finalmente qual teria sido a vantagem de substituir a Arte Bela, consolidada e vendável, por outra incompreensível para o espectador médio? Não é mais produtivo pensar que mudanças históricas profundas, como a crise do projeto iluminista do século 18 (no qual a arte contemplativa floresceu como questão estética) e o desencanto decorrente da guerra operaram transformações profundas no cotidiano das décadas seguintes e, por conseguinte, na esfera da arte e sua função?

3. Embora eu não concorde com essa ideia, que considero preconceituosa, já que vale tudo, aqui, significa qualquer coisa, desde que não tenha qualidade, eu poderia dizer quer ela se ancora em características que se manifestam não somente no campo da arte, mas no conjunto de nossa vida social, teórico-científica e cultural há uns 40 anos. A principal delas tem a ver com a impossibilidade de produzirmos categorias e de estabelecer identidades fixas e excludentes. Dela, decorre a pluralidade que hoje predomina em todas as esferas da vida humana, onde antes reinava uma unidade passível de fundar critérios unívocos e consequentemente a produção de valores então tidos como eternos e atemporais.

4. Claro que há arte boa e ruim no contexto contemporâneo, assim como havia no contexto moderno e clássico.

5. Creio que isso se deve, ao menos em parte, à falta de informação e à falta de uma rotina cultural que comece desde a infância tanto por estímulo familiar, quanto pela escola e posteriormente até pela universidade. Faltam galerias de arte, museus decentes, livrarias, revistas especializadas. Infelizmente a formação cultural do brasileiro médio é sofrível. Nesse contexto podemos tomar esse incômodo como desconhecimento e não como uma rejeição crítica.

MÔNICA ZIELINSKY

Professora no Instituto de Artes da UFRGS, é responsável pela catalogação da obra de Iberê Camargo. Em sua tese de doutorado, defendida em 1998, na Universidade de Paris I (Sorbonne), sob orientação de Marc Jimenez, ela discutia a crítica de arte contemporânea no Brasil. Organizou o livro Fronteiras: Arte, Críticas e Outros Ensaios (2003), sobre as querelas e os impasses da estética no mundo de hoje.

“Não basta proliferarem as opiniões, essas serão sempre subjetivas e pessoais; afloram fáceis, como impressões espontâneas sobre os fatos”

1. Para responder a esta pergunta, basta olhar com atenção para se constatar que a própria arte contemporânea recusa intencionalmente esses critérios. Assim, já em um primeiro foco, pode-se pensar que artesania e beleza não são mais considerados critérios fundamentais da arte (mesmo que ocasionalmente possam ser encontradas em alguns trabalhos). Este fato não é nada recente. Nos primeiros anos do século 20, as obras de Duchamp já haviam rejeitado esses critérios e abalaram fortemente a noção de arte. Por uma ação perturbadora, ao expor seus readymades, Duchamp colocou em crise o próprio sistema de arte, a experiência formal das obras, o valor da elaboração técnica dos trabalhos, além dos critérios de gosto instituídos, as relações entre o original e a reprodução das obras. Enfim, subvertendo a noção tradicional de arte, é inegável que sua postura tenha se tornado paradigmática quando se fala em arte contemporânea, em especial a partir de 1960, quando se acirraram as discussões sobre o artístico. Assim, o reconhecimento dessas obras como sendo de “arte contemporânea” não diz mais respeito especificamente às suas qualidades físicas ou ao prazer sensível, mesmo que estes possam estar presentes em algumas obras. Por outro lado, a arte ganha sobejamemente em outros âmbitos e em novas contribuições, e penso perder-se muitíssimo se não estivermos abertos a usufruir dos outros valiosos vértices para os quais esta arte aponta – às ideias que a constituem, ao que ela enuncia de forma multifocal sobre a vida, o homem, as culturas e a história dos nossos tempos. Também sobre a própria arte em um ato autorreflexivo, e sobre seu funcionamento como arte em meio a essa incerta trama artística que se alastra pelo mundo.

2. Não posso concordar que toda arte contemporânea seja embuste, empulhação ou uma astuciosa invenção do mercado. As obras de arte possuem a especificidade de devolver ao mundo, das mais variadas formas, a própria percepção sobre este. E nesse processo, os artistas optam, em suas práticas hoje, muitas vezes por caminhos muito diversos, altamente experimentais, plurais e interrogativos sobre sua circunscrição artística, trazendo com isso o alargamento dos limites da arte. O mercado é parte do sistema artístico e seria ingenuidade nossa ver o afastamento da criação dos artistas de um mercado que a faz circular, expor e mesmo ampliar, mesmo que inseridos em interesses contraditórios.

3. Não vale tudo na arte contemporânea. Mas sabe-se também que ela vive a crise de sua legitimação, um problema encontrado nos discursos elaborados sobre ela. Esses não são claros e explícitos em relação às distinções entre as obras, ao questionarem as novas configurações e limites da própria arte. Esse fato teve como uma de suas causas a dissolução das certezas e critérios explícitos universais no embate com as obras, mas esse é um fato que ao mesmo tempo estimula a reflexão sobre a arte e o aguçamento de sua percepção. O princípio de discriminação das obras hoje é outro; ele transforma-se e vê-se carente de novas abordagens, conhecimentos e explicitações. Por isso, possivelmente seja essa uma das razões do surgimento de confusões nas abordagens críticas da arte e em seu entendimento pelo público, diante das outras perspectivas que as práticas dos artistas apontam atualmente.

4. É claro que há distinções de qualidade entre as obras de arte contemporânea, disso jamais se poderia duvidar. No entanto percebe-se a ausência de manifestações mais explícitas e fundamentadas sobre a arte, apoiadas em leituras históricas e em conhecimentos artísticos. Geralmente, tudo se passa no mais absoluto silêncio, sem as saudáveis trocas ponderadas com conhecimento. Não basta proliferarem as opiniões, essas serão sempre subjetivas e pessoais; afloram fáceis, como impressões espontâneas sobre os fatos. Observa-se que alguns artistas trabalham com resultados complexos, os que apontam a diferentes experiências; remetem a muitos ângulos de ideias e abordagens, em continuidade de suas pesquisas e explorações de suas poéticas. Outros optam pela obviedade, pelos resultados fáceis ou descritivos do mundo. São escolhas, mas penso ser de extrema importância o incentivo ao exercício aprofundado e crítico da arte por parte da recepção, a ser desenvolvido com profundidade, sistematização e informações atualizadas na formação dos diferentes públicos.

5. Sim, já me senti assim, quem não? Mas lembro que, sempre que possível, busquei recursos para este entendimento: retornei às exposições e revi o já visto. Descobri dados históricos sobre as obras ou tipo de produção, sobre os artistas ou grupos, sobre suas inserções no meio artístico, seu pensamento artístico e suas relações com outros artistas, sobre o que existe de materiais publicados, em especial sobre seus depoimentos. Sabe-se que a arte contemporânea é fundamentalmente centrada nos aspectos cognitivos que a constituem e que exigem, por sua vez, informações específicas para se efetivar uma experiência mais rica da arte. No Renascimento, a arte já era considerada um campo de saber e, como tal, requer até hoje que se enriqueça a reflexão sobre ela, como qualquer outra área que exige conhecimento.

Temporada de Projetos 2010

2009-12-02T15:47:00.000-02:00

Paço das Artes divulga lista de selecionados

Foi divulgada ontem pelo Paço das Artes a lista dos dez artistas escolhidos para a "Temporada de Projetos" do ano que vem.

Ana Elisa Egreja, Estela Sokol, Geraldo Zamproni, Nino Cais, Pedro Varela, Rafael Campos Rocha, Rick Castro, Rodrigo Bivar e Tiago Judas estarão na seleção -feita pelos curadores Angélica de Moraes, Cauê Alves, Daniela Bousso, Paula Alzugaray e Priscila Arantes.

Algodão entre os pincéis

2009-12-02T15:45:00.000-02:00

Artistas, galeristas e organizadores de eventos como a Bienal entraram em alerta máximo depois que o Brasil, autorizado pela OMC (Organização Mundial do Comércio), decidiu retaliar os EUA por causa do subsídio que os americanos dão aos produtores de algodão. É que, na lista de produtos importados dos EUA que vão ser sobretaxados pelo governo brasileiro, foram incluídos "quadros, pinturas e desenhos". Galeristas dizem que a medida vai "inviabilizar" o trânsito de obras de arte entre os dois países. O Ministério da Cultura já foi acionado para ajudar a detonar a lista junto ao Itamaraty.

EM CASA
"Essa medida vai penalizar galerias e artistas e não vai afetar a economia dos EUA", diz Afonso Luz, do MinC. Ele afirma que vários pintores brasileiros fazem quadros nos EUA e vendem aqui. Dá como exemplo Vik Muniz. E afirma que galerias nacionais que representam americanos vão sofrer. "O impacto será sobre brasileiros, e não sobre americanos."

IMPOSSÍVEL
Alessandra d'Aloia, da galeria Fortes Vilaça e presidente da Associação Brasileira de Arte Contemporânea, é mais radical e diz que a retaliação inviabiliza o comércio de arte entre os dois países. "Todas as vezes que levamos um artista brasileiro para os EUA, a galeria de lá pede que a gente traga alguém deles para o Brasil." Segundo ela, taxas mais fretes atuais já equivalem a cerca de 60%. "Qualquer aumento torna a importação impossível." Protestos já foram enviados ao Itamaraty.

Bienal se encerra com recorde de público

2009-11-30T16:05:00.002-02:00

Na sétima edição, que se encerrou às 21h de ontem, a Bienal do Mercosul atraiu um público estimado de 306 mil pessoas. O número é superior ao das edições anteriores, considerando-se que este ano o período de abertura ao público foi menor que em 2007. A cifra, divulgada ontem pelos organizadores, não leva em conta o público que participou das performances, os 12 projetos de artistas em programas de residência em nove regiões do Estado e o público que circulou por 10 obras temporárias em espaços públicos de Porto Alegre.

Nos 39 dias em que as exposições estiveram abertas ao público, a média diária foi de 7.849 visitantes.

– Mais uma vez, a identidade da Bienal com a cidade se consolida. A cada realização, notamos a integração da população com o evento – disse o presidente da 7ª Bienal, Mauro Knijnik.

Crítica/Miguel Bakun e Hélio Oiticica

2009-11-30T14:04:00.002-02:00

Instituição cria confusão conceitual

por fábio Cypriano da Folha

É bastante esquizofrênica a dupla de exposições em cartaz no Instituto de Arte Contemporânea (IAC): "Natureza e Destino", Sobre a Obra de Miguel Bakun (1909-1963), com curadoria de Eliane Prolik, e "Da Estrutura ao Tempo", sobre Hélio Oiticica (1937-1980), com curadoria de Cauê Alves.

Sem dúvida são duas individuais, com curadores distintos, mas que, ao serem reunidas no mesmo período e na mesma instituição, dão a (falsa) impressão de apresentar algo em comum. Já é fato na cidade que museus tenham designações incongruentes com seus acervos; afinal, o melhor do Museu de Arte Moderna de São Paulo é sua coleção de arte contemporânea, e o melhor do Museu de Arte Contemporânea da USP é seu acervo moderno.

Exatamente por isso o IAC poderia afastar-se dessa confusão. Dedicado a artistas que transitaram do moderno para o contemporâneo, como Sérgio Camargo, Amilcar de Castro, Willys de Castro e Mira Schendel, o IAC tem sido um dos poucos espaços da cidade a apresentar uma produção que, entre os anos 1950 e 1970, representou uma virada fundamental na arte brasileira.

Nesse sentido, a mostra com os Metaesquemas e os Relevos Espaciais de Oiticica mostra coerência com a casa, pois aborda o mesmo período e temática dos artistas que justificaram a criação do instituto.

Contudo, a originalidade do paranaense Bakun reside basicamente em pinturas de paisagens de sua terra natal, com uma temática regionalista e figurativa, que nada tem a ver com Camargo, os Castros e Schendel, denotando uma confusão conceitual da instituição.

Ao menos, no que tange à sala dedicada a Oiticica, o curador problematiza algo que tem muito a ver após o incêndio que destruiu parte do acervo do artista, no qual justamente os Metaesquemas teriam sido grandes vítimas, mas acabaram sendo preservados em sua maioria.

"Não há porque levar a sério minha produção pré-59", escreveu Oiticica, em 1972, desprezando justamente os Metaesquemas, feitos em 1957 e 1958. Atentar à preocupação fundamental da obra de Oiticica é fugir do objeto, mas usando-o para provocar uma reflexão, como faz Alves, é provocar um debate necessário.

SERVIÇO

NATUREZA E DESTINO MIGUEL BAKUN / DA ESTRUTURA AO TEMPO HÉLIO OITICICA

Onde : IAC (r. Maria Antonia, 242, tel. 0/XX/ 11 3255-2009)
Quando : ter. a sáb, das 10h às 18h; dom., das 12h às 17h; até 28/2
Quanto: entrada franca
Avaliação: regular

Chelpa Ferro em filme do Videobrasil

2009-11-26T12:49:00.003-02:00

Documentário feito por Carlos Nader apresenta visão particular sobre o grupo

Camila Molina

Acusma, título da obra que o grupo Chelpa Ferro criou no ano passado, significa uma espécie de alucinação sonora. Instalado agora no Sesc Paulista, o trabalho, inédito em São Paulo - já foi apresentado em Belo Horizonte e no Rio -, é formado por 30 vasos de cerâmica diferentes ligados por fios e com alto-falantes de onde saem sons - composições mescladas à atuação de cinco cantores entoando variações de melodias feitas a partir do solfejar de números (1, 2, 3.....). O som é como sempre afirmam os integrantes do Chelpa, Barrão, Sergio Mekler e Luiz Zerbini, "matéria como outra qualquer" para as criações do grupo e em Acusma ele toma todo o espaço expositivo, por ora mais delicadamente, por ora, não, criando uma atmosfera de "transe", diz Mekler.

A exibição dessa obra do grupo, com uma das atuações de mais destaque hoje no cenário brasileiro, vem a marcar o lançamento, hoje, de documentário sobre o Chelpa Ferro realizado pelo diretor Carlos Nader para a série Videobrasil Coleção de Autores. No Sesc Paulista, o público poderá ter contato com as duas criações até janeiro.

Como afirma Sergio Mekler, quando a diretora do Videobrasil, Solange Farkas, convidou Nader (criador de Pan-cinema Permanente sobre o poeta Waly Salomão), para fazer o filme, o Chelpa Ferro, criado no Rio em 1995, não queria aquele esquema habitual de documentário que tem como linha condutora entrevistas com os artistas. "A gente é avesso a falar e explicar nossos trabalhos. Entregamos ao Nader o nosso arquivo de imagens, tudo o que gravamos em ensaios e montagens para ele montar o documentário", conta ainda Mekler. Acrescido a esse material, o diretor também acompanhou, em 2008, o Chelpa durante os preparativos da exposição Jungle Jam, no Museu de Arte Moderna da Bahia, e da obra Totoro, exibida no ano passado na Pinacoteca do Estado, em São Paulo, incluindo, assim, imagens próprias ao filme.

O resultado do documentário, sexta obra da coleção do Videobrasil, é um filme diferente, em que a costura das passagens pelas obras e pelas falas dos artistas integrantes do grupo não segue uma linearidade. Antes de aparecer, por exemplo, a barulhenta performance que o Chelpa fez na abertura da 25ª Bienal de São Paulo (2002) - por todo o pavilhão do Ibirapuera ecoou os sons da destruição rítmica de um Maverick, está a viagem dos artistas a Veneza, quando representaram o Brasil na 51ª bienal italiana. Ainda como parte do filme há uma entrevista com o curador Moacir dos Anjos sobre o grupo.

SERVIÇO

CHELPA FERRO
Quando: abertura hoje, às 20h (convidados);
ter. a sex., 13h às 21h; sáb. e dom., 11h às 20h; até 31/1
Onde: Sesc Paulista (av. Paulista, 119, tel. 3179 3700); livre
Quanto: entrada franca

Morre Jeanne-Claude, conhecida pelas megainstalações ao ar livre

2009-11-23T15:07:00.007-02:00

Jeanne-Claude - esposa do artista plástico Christo faleceu aos 74 anos em Nova York. Casal é conhecido mundialmente por megainstalações ao ar livre, como projeto no Central Park de Nova York ou "empacotamento" do Reichstag em Berlim.

A artista plástica Jeanne-Claude, que se tornou conhecida com seus projetos gigantescos ao ar livre, morreu aos 74 anos de idade nesta quinta-feira (19/11) em Nova York. A esposa do também artista plástico Christo foi vítima de um aneurisma cerebral, informou o site do casal.

Christo e Jeanne-Claude conheceram-se em Paris

Numa declaração publicada na página, Christo se disse profundamente triste pela perda da esposa, parceira e colega. Ele anunciou ainda sentir-se firmemente comprometido com a promessa que ambos se fizeram há muitos anos: "A arte de Christo e Jeanne-Claude vai prosseguir".

Wrapped Reichstag, Berlin 1971-95

O casal tornou-se conhecido na Alemanha com o espetacular "empacotamento" do prédio do Reichstag em Berlim em 1995. Também a famosa ponte Neuf, sobre o rio Sena, em Paris, foi "empacotada" de forma artística pelo casal.

Obras cada vez mais excêntricas

Outros projetos extraordinários foram a megainstalação "The Gates" no Central Park de Nova York, em 2005, com 7.500 "portais" com panos de cor laranja; os três mil guarda-sóis armados na Califórnia e no Japão, ou as ilhas inteiras circundadas na Flórida com um plástico rosa flutuante.

Christo The Gates, Project for Central Park, New York City Drawing 2002, in two parts 38 X 244 cm. and 106,6 X 244 cm. (15" X 96" and 42" X 96") Pencil, charcoal, pastel, wax crayon, aerial photograph, fabric sample and hand-drawn technical data.

Milhões de pessoas de todo o mundo visitaram as instalações do casal. Ele trabalhavam em dois novos projetos: a cobertura de mais de dez quilômetros de extensão do rio Arkansas, nos Estados Unidos, e o empilhamento de 400 mil barris de petróleo nos Emirados Árabes Unidos, formando uma estrutura semelhante a uma pirâmide.

Christo and Jeanne-Claude The Wall - 13,000 Oil Barrels Gasometer, Oberhausen, Germany 1999

"Christo sente-se compelido a concluir os trabalhos em andamento, como Jeanne-Claude teria gostado", disse o fotógrafo das obras do casal, Wolfgang Volz.
Jeanne-Claude nasceu em 15 de junho de 1935 como Jeanne-Claude Denat de Guillebon, em Casablanca, no Marrocos. Ela descendia de uma família de oficiais franceses. Seu marido, Christo, nasceu no mesmo dia na Bulgária. Ambos viviam juntos há 51 anos.

The Umbrellas, Japan - USA, 1984-91

Liberdade da obra e liberdade do corpo

Ele começou sua formação profissional como assistente de vôo, antes de encontrar seu caminho na arte. Jeanne-Claude conheceu Christo em 1958 em Paris, depois de encomendar ao artista um quadro da mãe dela. Em maio de 1960, nasceu o filho do casal, Cyril, e dois anos mais tarde Christo e Jeannne-Claude se casaram. Em 1964, a família se mudou para os EUA.

Christo Surrounded Islands, Project for Biscayne Bay, Greater Miami, Florida Drawing 1982 In two parts- 38 X 244 cm and 106,6 X 244 cm (15" X 96" and 42" X 96")

Pouco antes dos primeiros encontros, Christo havia "embrulhado" seu primeiro pote de tinta, envolvendo-o com resina e tela de linho. Em seguida, amarrou-o e tratou-o com cola, areia e tinta de automóvel. A partir daí, começou a se dedicar cada vez mais a esta forma de trabalho.

Christo and Jeanne-Claude Wrapped Trees, Fondation Beyeler and Berower Park, Riehen, Switzerland 1997-98

Desde 1994, o casal usa oficialmente os dois nomes juntos, com direitos iguais para as suas obras. Patrocinadores e contribuições de fundos públicos foram negados por ambos os artistas, que financiaram sua arte só com a venda dos esboços.

Christo and Jeanne-Claude Running Fence, Sonoma and Marin Counties, California 1972-76

"Nosso trabalho trata sempre de liberdade", disse certa vez Jeanne-Claude, completando: "Ela é a inimiga da posse e da durabilidade". Esta liberdade a artista também pretende manter após falecimento: segundo a agência de notícias DPA, seu corpo foi colocado à disposição da ciência.

Christo and Jeanne-Claude The Wall, Wrapped Roman Wall Via Veneto and Villa Borghese, Rome, Italy

Christo and Jeanne-Claude The Pont Neuf Wrapped, Paris 1975-85

Christo and Jeanne-Claude Vallley Curtain, Rifle, Colorado, 1970-72

http://www.christojeanneclaude.net

Metaesquema

2009-11-18T18:07:00.003-02:00

fonte: O Globo

Oiticica é leiloado por US$ 122,5 mil atingindo o dobro da estimativa inicial na Christie's

Um metaesquema, trabalho da fase concretista do artista plástico Hélio Oiticica, foi vendido na terça-feira por US$ 122,5 mil, no leilão de arte contemporânea da Christie's. A obra de 1957 atingiu o dobro da estimativa inicial, que era de US$ 60 mil. O preço máximo esperado era de US$ 80 mil. Todos os metaesquemas que pertencem ao Projeto Hélio Oiticica foram preservados no incêndio que destruiu parte da obra do artista, no mês passado.

Também foi vendida uma pintura da brasileira Mira Schendel, em têmpora e folha de ouro sobre madeira, por US$ 74 mil - correspondendo às estimativas, que também variavam entre US$ 60 mil e US$ 80 mil. Mais quatro obras de Mira Schendel estariam em outro leilão de arte latino-americana ontem, incluindo ainda trabalhos dos brasileiros Tunga, Beatriz Milhazes, Roberto Magalhães, Manabu Mabe, Aldemir Martins e Raimundo de Oliveira.

A Christie's vendeu 89% dos lotes, faturando quase US$ 14,7 milhões, 90% do estimado. A venda mais valiosa foi da escultura em bronze "Mulher fumando", do colombiano Fernando Botero, arrematada por US$ 1,14 milhão. Botero também atingiu seu recorde por uma obra em papel, com uma aquarela vendida a US$ 614,5 mil - mais que o dobro de seu último recorde em obras em papel, de US$ 301 mil.

A Sotheby's também está fazendo um leilão de arte latino-americana esta quarta-feira, no qual uma das grandes atrações era uma escultura do brasileiro Sergio Camargo, estimada entre US$ 350 mil e US$ 450 mil. Uma tela de Diego Rivera e uma escultura de Botero também eram destaques.

Crítica

2009-11-17T14:41:00.002-02:00

Dupla cria "cosmética da pobreza" Na tentativa de levar ruas ao museu, Osgêmeos tornam a miséria um produto de consumo e caem no entretenimento

por Fabio Cypriano

A transposição do grafite para galerias e museus é um debate que ocorre desde a década de 70. A mostra "Vertigem", da dupla paulistana Osgêmeos, em cartaz na Faap até dezembro, poderia ser observada como mais um capítulo dessa história.

A dupla já incorreu na institucionalização, em São Paulo, quando, em 2006, organizou "O Peixe que Comia Estrelas Cadentes", na Fortes Vilaça.

Daquela vez, os irmãos Otávio e Gustavo Pandolfo transformaram seus personagens em seres tridimensionais para que o visitante fosse envolvido no universo onírico da dupla. Contudo, a "instalação", que mais parecia a atração de um parque de diversões, situava-se no campo do entretenimento e não agregou nada ao debate de como levar um trabalho transgressor feito na rua para o cubo branco de uma galeria de arte.

Agora, os Pandolfo tentam uma nova fórmula: levar a própria rua para o museu, ou melhor, seus habitantes. Um elemento fundamental no grafite é seu diálogo com o espaço urbano, marcado pela poluição visual e sonora das cidades, transformando-o e a ele agregando, em alguns casos, carga poética, como n'Osgêmeos, ou política, como em tantos outros pixadores e grafiteiros. Era óbvio em "O Peixe que Comia Estrelas Cadentes" que o diálogo com a rua fazia falta.

Em "Vertigem", essa deficiência buscou ser compensada por fotos e vídeos de moradores de rua em situações miseráveis, o que é, sem dúvida, uma tentativa de manter o lírico diálogo entre os grafites e o entorno.

O problema é que, enquanto na rua essa tensão é autêntica, dentro de um espaço museológico as imagens desses miseráveis são mera ilustração e, pior, apropriação rasa de um estado de indigência típico das metrópoles latino-americanas. Ivana Bentes denomina uma operação parecida no cinema nacional como "cosmética da fome".

Pois Osgêmeos realizam com "Vertigem" uma "cosmética da pobreza", já que tornam a miséria um produto de consumo fácil, caindo, novamente, no campo do entretenimento.

E a questão não está no uso de elementos populares. É sabido que Hélio Oiticica buscava se inspirar na favela para pensar seu trabalho, mas sua meta não era criar uma chique representação da pobreza, como se vê nas fotos em "backlight" dos Pandolfo. No debate sobre a transposição da arte de rua para o museu, "Vertigem" não tem nada a declarar.

SERIÇO

VERTIGEM - Osgêmeos
Onde: Faap (r. Alagoas, 903, tel. 0/ xx/11/3662-7198, SP)
Quando: de ter. a sex., das 10h às 20h; sáb. e dom., das 10h às 17h; até 13/12
Quanto: entrada franca
Avaliação: ruim

Tunga surpreende com exibição de série de aquarelas

2009-11-17T14:33:00.004-02:00

Artista mostra cerca de 30 trabalhos dos últimos cinco anos, entre os quais garrafas "decoradas" com cristais, aço e urina

  Obra, que usa elementos de sexo e escatologia, é reunida em livro-catálogo com aproximadamente 60 imagens e texto do autor  

   Sem título , 2005 - aquarela sobre papel de algodão - 45 x 31 cm

Para um artista que habituou o público a esperar por performances cinematográficas, instalações de grande porte e objetos complexos, Tunga inaugura amanhã, na galeria Millan, em São Paulo, uma exposição supreendente.

A narrativa tumultuária dá lugar à atmosfera de serenidade sugerida por uma série de mais de 30 aquarelas, em tons claros e diluídos, em formato de 30 cm x 40 cm.  São pequenas cenas que podem despertar, ao primeiro olhar, reminiscências da infância, livros de fábulas e ilustrações encantadas. A repetição, em várias delas, de uma palmeira poderá ser associada à obra da modernista Tarsila do Amaral -e o autor concordará.

 De perto, porém, não são tão normais. A serenidade se não é enganosa, não é plena: o observador logo identificará conflito e perceberá que a suavidade dos tons envolve situações de sexo e escatologia.

 São, afinal, trabalhos de Tunga, um dos principais nomes da arte contemporânea brasileira e internacional, que desde a década de 70 concebe uma poética perturbadora, marcada pela ousadia, pela potência das formas e pela capacidade de nos transportar à terra dos mitos, dos sonhos e pesadelos.

 "A arte é uma continuação do processo de reflexão, que vai se desbloqueando e te pondo em contato com outros universos", diz o artista, que realizou as aquarelas ao longo de cinco anos e chamou-as de "phanografias" ("phanos", do grego, significa luminoso).

 A origem das "phanografias" é relatada num livro-catálogo que reúne a série completa de imagens -cerca de 60. Um texto de Tunga nos fala, em tom fabuloso, de uma garrafa de cristal, posta sobre sua mesa de trabalho, que ele se pôs a decorar de modo bizarro, utilizando coisas como correntinhas e fragmentos de ímã, até torná-la uma espécie de talismã.

 Certo dia, premido pela vontade de urinar, decidiu fazê-lo na garrafa. Tomado por uma força autoral estranha, que parecia não ser sua, supreendeu-se com o fato de o objeto ter adquirido ares de acabado, "se configurando como uma lamparina" a refletir "luz agradável de tom amarelado".

 Ao expor a tais reflexos o papel úmido de uma aquarela sobre a qual trabalhava, o artista teria verificado que uma forma fora impressa. Sua garrafa transformara-se num "phanoscópio de projeção".

 Há algo de borgiano nessa história, que trapaceia com realidade e ficção, mas isso também faz parte da poética de Tunga. Fato é que ao lado das aquarelas, ele também expõe três garrafas, como as que descreve no texto -"decoradas" com âmbar, cristal de rocha, aço, urina e outros materiais.

 Elas estarão acondicionadas em caixas cujas portas laterais podem ser retiradas ou substituídas por espelhos.

SERVIÇO

QUASE AURORA - TUNGA
Quando: abertura amanhã, às 20h; de seg. a sex., das 10h às 19h, e sáb., das 11h às 17h; até 19/12
Onde: galeria Millan (r. Fradique Coutinho, 1.360, tel. 3031-6007); livre

Marcos Augusto Gonçalves da Folha de S. Paulo

Opinião sobre o Grafitte: tem nosso apoio

2009-11-17T14:23:00.002-02:00

Movimento ainda se confunde com vandalismo

Folha de S. Paulo

Enquanto a produção de artistas que se alternam entre rua, galerias e museus conquistou o circuito cultural, um outro movimento urbano, virulento e transgressor, segue seu percurso à margem e é habitué das páginas policiais.

Acusada de vandalismo -rubrica que um dia assombrou o próprio grafite-, a pichação, também chamada de "pixo", é um fenômeno típico de São Paulo que busca reconhecimento como manifestação artística por meio de ações orquestradas e controversas.

Depois de rabiscar o Centro Universitário Belas Artes, a galeria Choque Cultural e as paredes da Bienal de São Paulo, o mesmo grupo de pichadores promete uma espécie de represália aos grafites "domesticados". "Tem gente ganhando cachê pra fazer trabalho em espaço público. Pode fazer, mas vai estar sujeito a ser "atropelado'", avisa Djan Ivson, 25, pichador que participou das ações.

"Atropelar", na gíria das ruas, quer dizer, simplesmente, pichar por cima. "A rua é de quem chegar. Não tem essa. Já questionamos o meio acadêmico e o circuito das artes. Essa onda do grafite legalizado é uma revolta antiga dos pichadores", diz. "Pra onde foi a transgressão?"

Ivson espalha pela cidade a sua marca, Cripta, e teve seus "pixos" expostos na Fundação Cartier, em Paris, na mostra "Nascido nas Ruas", em julho. "Em Paris, foi a primeira vez que fui tratado como artista."

Incompreendida? Maldita? O "pixo" desperta mais fúria que complacência. Para Miguel Chaia, crítico e cientista social, a pichação é, acima de tudo, uma expressão significativa. "É uma forma bonita que cria um enigma com as letras e recompõe a necessidade de interpretação", define. (FM)

CCSP: Mostra reúne artistas emergentes

2009-11-17T14:17:00.002-02:00

Fotografia e pintura são as linhas mestras de exposição que está em cartaz no Centro Cultural São Paulo até março   Nomes com trajetória já consolidada, como Daniel Senise e Rochelle Costi, apresentam trabalhos feitos especialmente para o prédio  

"Estrada 5', tela da jovem artista Ana Prata que integra mostra no CCSP; sua obra também visita bucólicos cenários domésticos 

O descontrole e o cruzamento de linguagens dão o tom da 3ª Mostra do Programa de Exposições 2009 do Centro Cultural São Paulo. O tradicional projeto voltado à exibição de novos artistas tem o melhor recorte do ano na seleção de oito nomes, em cartaz até 14/3.

 A qualidade das mostras individuais dos emergentes também ganha o forte apoio de três artistas de carreira mais extensa -Daniel Senise, Rochelle Costi e Ricardo Basbaum-, que foram convidados para apresentar obras feitas especialmente para o prédio.

 A fotografia é a base da pintura de Ana Prata, 28, mas não a limita. "Minhas telas têm uma perspectiva errada, os encaixes não são perfeitos. A pintura absorve algo do aleatório, do acaso", conta ela, que, em grandes quadros, retrata desde um acidente numa estrada até ambientes domésticos onde nada parece acontecer. 
A jovem artista mineira tem expostas tais telas ao lado de peça do carioca Daniel Senise, 54, prestigiado pintor brasileiro da geração 80.

 Mas Senise apresenta um projeto tridimensional. A escultura "Eva", de Victor Brecheret, vai ser completamente escondida por dezenas de tijolos feitos de papel reciclado.

 O papel originário é todo composto de folders e convites de exposições, descartados e agora com outro fim.

 "É como se a ideia de arte se transformasse em matéria. Essa conversão tem a ver com a minha pintura", avalia o artista.

 O hibridismo de meios também está presente nas 25 caixas que Rochelle Costi, 48, espalhou pelo centro cultural, mescla de instalação e fotografia, que retratam a "iconografia" das áreas técnicas do centro cultural, como a gráfica e a serralheria. "É como se um mundo subterrâneo de imagens emergisse", diz ela.

 E a fotografia é a linguagem escolhida por Sofia Borges, 25, que retrata um "ambiente evasivo" pontuado por uma luz estourada e que revela um espaço algo próximo de ateliê. E, numa das paredes, há uma tela. É de autoria de Rafael Carneiro, 24, e está presente na mostra.

SERVIÇO

3ª MOSTRA DO PROGRAMA DE EXPOSIÇÕES 2009
Quando: de ter. a sex., das 10h às 20h, e sáb. e dom., das 10h às 18h; até 14/3 Onde: CCSP (r. Vergueiro, 1.000, tel. 3397-4002)
Quanto: entrada franca

Mario Gioia da Folha de S. Paulo   

Fogo apressa digitalização do acervo de Leonilson

2009-11-17T13:52:00.002-02:00

Fogo apressa digitalização do acervo de Leonilson
Incêndio de obras de Oiticica, em outubro, ressaltou importância de cópia virtual  
Além de iniciativa on-line, trabalhos serão exibidos em sala especial na Pinacoteca;

Krajcberg e Volpi também terão trabalhos na internet   

Fabio Cypriano

O incêndio de parte do legado de Hélio Oiticica, no mês passado, foi o estopim para a digitalização do acervo de outros artistas brasileiros. Nos primeiros momentos da catástrofe, em outubro, quando a família de Oiticica estimava a perda em 90%, o único alívio era saber que praticamente todos os documentos estavam ao menos preservados virtualmente.

 "Isso abriu nossos olhos e nos fez dar atenção para algo que nós mesmos já havíamos feito e deveria, então, ser ampliado", afirma Eduardo Saron, superintendente do instituto Itaú Cultural (IC), responsável pelo acervo virtual. Assim, num primeiro momento, ficou decidido que três artistas deveriam passar por processo semelhante àquele por que passaram os arquivos de Oiticica: Leonilson (1957-1993), Frans Krajcberg, 88, e Alfredo Volpi (1896-1988).

 "Começamos a digitalizar as obras de Leonilson há muito anos, totalizando umas 1.500, e depois paramos. Agora, acertamos com a família o término da digitalização das demais 2.000 obras, 40 cadernos e agendas do artista", conta Saron. Segundo ele, o material deve estar disponível até junho do próximo ano no site do IC (www.itaucultural.org.br), inclusive os cadernos, que poderão ser manuseados virtualmente.

 Por conta do incêndio do acervo de Oiticica, aliás, a obra de Leonilson ganhou um porto seguro também fisicamente. Segundo Ana Lenice Dias Fonseca da Silva, irmã do artista, já está definido o comodato [empréstimo] à Pinacoteca. "Fomos informados na última semana de que o comodato foi aprovado pelo conselho da instituição, agora entramos numa fase de acertos finais."

 O comodato, confirmado por Marcelo Secaf, presidente da Associação Amigos da Pinacoteca, conforme proposto pelo Projeto Leonilson, será feito inicialmente por um período de dez anos, com uma doação agora e outra em cinco anos.

 Na primeira vez, serão doados os 108 desenhos de Leonilson feitos para a coluna de Barbara Gancia, na Folha, entre 1991 e 1993, e outros dois bordados, como são chamados os trabalhos da fase final do artista. "Achamos que seria muito importante essa série de desenhos não ser desmembrada", conta Dias Fonseca. Uma das contrapartidas da Pinacoteca será, além de abrir uma sala com obras do artista, organizar o "catologue raisonné" (com todas as obras) de Leonilson. "Com a digitalização do Itaú, isso será muito mais simples", afirma Secaf.  

Krajcberg e Volpi

 Já no caso de Franz Krajcberg, não serão disponibilizadas no site apenas suas obras mais tradicionais. De acordo com o instituto, serão digitalizados também mais de cem filmes -sendo que alguns deles o próprio Krajcberg não via há mais de 40 anos. "Estamos negociando com ele como isso vai para a internet", diz Saron.

 Finalmente, o modernista Volpi deve ganhar o "catologue raisonné": "Fomos procurados pelo [marchand] Paulo Kuczynski e estamos organizando o catálogo, que deve ficar pronto em 2011", afirma o superintendente do instituto.

Anunciada equipe de curadores da 29.ª Bienal de SP

2009-11-17T13:45:00.000-02:00

Equipe de cinco curadores estrangeiros vão ajudar na concepção da mostra cujo tema é 'Arte e Política'

Camila Molina, de O Estado de S. Paulo

Como estratégia para driblar o curto prazo que se tem para a realização da 29.ª Bienal de São Paulo - menos de um ano, já que está marcada para ocorrer em 2010, entre 21 de setembro e 12 de dezembro, a diretoria da instituição anunciou na tarde desta segunda, 16, a equipe de cinco curadores estrangeiros que ajudarão no processo de concepção da mostra e na escolha de artistas participantes.

Além de Moacir dos Anjos e Agnaldo Farias, curadores-chefes da exposição, anunciados anteriormente, ainda vão compor o time: como convidados, a espanhola Rina Carvajal, do Miami Art Museum; o sul-africano Sarat Maharaj, que vive em Londres, onde é professor na Universidade Goldsmiths, e também na Universidade de Lund e na Academia de Artes de Malmo, ambas na Suécia; como assistentes, o angolano Fernando Alvim, que dirige A Trienal de Arte de Luanda; a japonesa Yuko Hasegawa, do Museu de Arte Contemporânea de Tóquio; e a espanhola Chus Martinez, curadora-chefe do Museu de Arte Contemporânea de Barcelona.

No anúncio, feito na Fundação Bienal de São Paulo, o presidente da instituição, Heitor Martins, afirmou que na semana passada o Ministério da Cultura aprovou os orçamentos tanto do pré-projeto (de R$1,6 milhão) quanto do projeto da 29.ª Bienal (de R$ 29,3 milhões) para captação de recursos por meio da Lei Rouanet.

Martins ainda disse que do montante total a instituição já tem R$ 13,25 milhões (R$ 12,5 milhões por patrocínio do Banco Itaú e outras empresas e ainda R$ 750 mil livres). "Fechamos um ciclo que iniciamos em abril (quando ele foi convidado a se candidatar a presidente da entidade), em que afirmamos categoricamente que íamos tentar fazer a Bienal em 2010", disse o empresário Heitor Martins, sócio-diretor da empresa internacional de consultoria McKinsey.

A mostra terá como tema principal a relação entre Arte e Política - 26 artistas já estão confirmados, sendo que apenas dois deles foram divulgados, Cildo Meireles e Arthur Barrio, nomes de uma geração com trajetória iniciada nos anos 1960. "Eles vão apresentar obras inéditas na exposição", afirmou Moacir dos Anjos, completando que "vários artistas" vão produzir trabalhos novos para a Bienal. "Convidamos os curadores como interlocutores que nos ajudassem na realização de uma Bienal internacional. Eles são outras vozes em lugares distintos, outras percepções para trabalharmos a plataforma Arte e Política", afirmou Moacir dos Anjos.

Ainda como parte da "rede", fazem parte da equipe da 29.ª Bienal a artista Stella Barbieri (responsável pelo projeto educativo); a arquiteta Marta Bogéa (expografia); André Stolarski (design e produção gráfica); Jacopo Crivelli Visconti (trabalhou para a entidade na gestão passada de Manoel Pires da Costa e agora retorna com a função de fazer a relação institucional da Bienal com instituições estrangeiras); e de Helmut Batista, diretor do projeto Capacete (vai ser o curador do programa de residências da exposição).

Na coletiva de imprensa foi perguntado o que de contemporânea terá a 29.ª Bienal, que tem em sua equipe tanto curadores quanto outros profissionais que já participaram de edições da exposição - Rina Carvajal, por exemplo, esteve na curadoria da 24.ª Bienal; ou mesmo o anúncio de artistas como Meireles e Barrio, nomes constantes das grandes mostras e do circuito.

"Vai ser uma Bienal com uma leitura contundente e com olhar crítico para refletir sobre o mundo de hoje", afirmou Rina - Moacir disse que muitos artistas da lista de participantes serão jovens criadores. "Este é um projeto de refundação da Fundação Bienal de São Paulo e o papel da arte brasileira é outro, já que o Brasil está entrando no mapa de maneira diferente. Os países emergentes já emergiram", disse o sociólogo Laymert Garcia dos Santos, membro da diretoria da Bienal de São Paulo como representante do Ministério da Cultura.

Curadoria: Bienal de SP 2010

2009-11-14T21:18:00.002-02:00

A Fundação Bienal de SP anuncia nesta segunda-feira o nome dos curadores estrangeiros da 29ª mostra, em 2010: serão o sul-africano Sarat Maharaj, que foi cocurador da Documenta 11, em 2002 (Kassel, Alemanha), e Rina Carvajal, curadora-adjunta do Miami Art Museum que já trabalhou na Bienal de São Paulo.

Intervenção no Copan

2009-11-13T12:39:00.003-02:00

Mauricio Adinolfi realiza intervenção artística no Edifício Copan

Marco da arquitetura moderna em São Paulo abre espaço para projeto do artista, que apresenta instalações e colagens em madeira no foyer e galeria dos blocos C e D.

Mostra “Sobre mar, madeiras e outros animais” tem entrada gratuita e fica aberta de 17 de novembro e 17 de dezembro na Avenida Ipiranga, 200.

Décio Hernandez Di Giorgi
Adelante Comunicação Cultural
dgiorgi@uol.com.br
MSN: deciogiorgi@yahoo.com.br
Tels.: (55 11) 3589 6212 / 8255 3338

Adriana Varejão parte rumo a paisagens marítimas

2009-11-12T15:43:00.002-02:00

 
Mario Gioia da Folha de S.Paulo

Formas circulares, paisagens marítimas, figuras do imaginário popular. Na série de pinturas apresentada a partir de hoje na galeria Fortes Vilaça, a artista carioca Adriana Varejão passa a trabalhar com diversos elementos novos.

'Pérola Imperfeita', uma das pinturas da série inédita da artista carioca Adriana Varejão

"Chega de quadrados", brinca ela, pintora surgida no final dos anos 80 e um dos nomes mais conhecidos da arte brasileira no exterior. Varejão, 45, teve a última individual em São Paulo em novembro de 2005, justamente exibindo a série "Saunas", marcada pela reprodução de azulejos.

A exceção na mostra são duas grandes telas "craqueladas". "Vejo essas duas peças como desenhos. Quis colocá-las na entrada como uma espécie de introdução à minha produção mais nova."

A nova série começou a ser criada quando Varejão conheceu a produção em cerâmica do artista português Rafael Bordalo Pinheiro (1846-1905), feita na cidade de Caldas da Rainha, em Leiria, centro de Portugal.

"Tive um impacto muito forte. Quis começar a trabalhar com esse material, mas foi um processo cheio de idas e vindas, que durou seis meses."

A artista decidiu fazer as obras em fibra de vidro, "mas à moda da cerâmica". Começou a pintar cenas quase mitológicas na superfície côncava das peças, a maioria com elementos marítimos, como estrelas-do-mar, anêmonas e conchas.
"As figuras que aparecem nas pinturas têm mais a ver com o imaginário popular do que os registros históricos que eu costumava usar", diz Varejão.

Para a artista, as pinturas se contrapõem à produção de tom mais asséptico da cena de arte contemporânea. "Queria algo oposto ao minimalista, aos projetos rigorosos e elaborados. Essa pintura não tem nada a ver com algo que é feito aqui. Isso me agrada bastante", avalia Varejão.

SERVIÇO

ADRIANA VAREJÃO 
Quando: abertura hoje, às 19h; de ter. a sex., das 10h às 19h, e sáb., das 10h às 17h; até 22/12
Onde: galeria Fortes Vilaça (r. Fradique Coutinho, 1.500, tel. 0/xx/11/3072-7066); livre 
Quanto: entrada franca

Nuno Ramos vence prêmio Portugal Telecom

2009-11-11T18:46:00.001-02:00

da Folha

Três brasileiros conquistaram o prêmio Portugal Telecom de Literatura, anunciado ontem, em São Paulo. O livro de contos "Ó" (ed. Iluminuras), de Nuno Ramos, foi o grande vencedor da noite. Ele levará R$ 100 mil reais.  Autores portugueses consagrados, como António Lobo Antunes, também concorriam.  Em segundo lugar ficou "Acenos e Afagos" (ed. Record), de João Gilberto Noll, que levou R$ 30 mil. "A Arte de Produzir Efeito sem Causa" (ed. Companhia das Letras), de Lourenço Mutarelli, foi escolhido em terceiro lugar e vai receber R$ 15 mil. "Eu não sou escritor, sou artista plástico. Se pudesse significar algo para a literatura, eu gostaria que fosse a tentativa de estimular a literatura mais experimental", disse Ramos

MAM do Rio recebe exposição do artista Carlos Vergara

2009-11-11T18:41:00.002-02:00

O Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro abre ao público carioca no dia 13 de novembro a exposição Carlos Vergara: A dimensão gráfica – uma outra energia silenciosa. A mostra traz um conjunto de mais de 200 trabalhos realizados pelo artista dos anos 1960 até hoje, onde a linguagem gráfica é o fio condutor.
A exposição tem curadoria do colecionador George Kornis, que por mais de um ano pesquisou os arquivos do ateliê do artista, com intuito de reunir os trabalhos produzidos por Carlos Vergara que tornasse visível ao público a linguagem gráfica que perpassa sua produção, há quase 50 anos.
George Kornis destaca que a produção de Vergara se expressa por diversas linguagens, e esta exposição no MAM pretende dar visibilidade à linguagem gráfica, presente em toda a sua trajetória, de diversas maneiras: monotipias, gravuras, desenhos, 3D, fotografias, filmes.
– Vergara não é somente um pintor, como ele costuma ser apresentado –, comenta Kornis. –Sempre me incomodou que na boa e vasta bibliografia sobre ele há uma fixação em torno de sua obra pictórica –, diz.
A mostra terá trabalhos nunca mostrados, além de obras inéditas no Rio, como a instalação que fez para a Capela do Morumbi, em São Paulo, em 1992, ou o conjunto completo de monotipias da série Gávea. O célebre painel de desenhos de 20 metros de comprimento, feito para a Bienal de Veneza, em 1980, também estará na mostra do MAM.
As 200 obras são provenientes do ateliê do artista e de coleções privadas, como a de, Gilberto Chateaubriand e do próprio George Kornis, além de outros acervos. Para se chegar a esse universo, o curador pesquisou por mais de um ano o Acervo Carlos Vergara, para mapear a produção do artista.
– O acervo está muito bem organizado, então foi possível visualizar, em toda sua extensão, as múltiplas linguagens e os interesses que atravessam sua trajetória.

Serviço:

 Exposição: “Carlos Vergara: a dimensão gráfica – uma outra energia silenciosa” 
Visitação: 13 de novembro de 2009 a 14 de março de 2010 
De terça a sexta, das 12h às 18h Sábado, domingo e feriado, das 12h às 19h
 Endereço: Av. Infante Dom Henrique, 85 Parque do Flamengo

SUPERFLEX

2009-11-07T10:04:00.003-02:00

Superflex se rebela contra o capitalismo

por Júlio Cavani

Os dinamarqueses do grupo Superflex estão entre os mais famosos ativistas políticos no atual cenário da arte contemporânea internacional. Depois de participarem de algumas das principais bienais do mundo, eles mostram seu trabalho no Recife pela primeira vez a partir desta segunda-feira(09/11), na Galeria Vicente do Rego Monteiro, da Fundação Joaquim Nabuco do Derby.

Vídeo Carro em chamas, que faz parte da exposição dos artistas dinamarqueses, mostra ícone do consumismo em cena repleta de tensão.

As contradições da sociedade capitalista são o principal alvo dos trabalhos do Superflex, mas com uma nova abordagem sem maniqueísmos esquerdistas. Eles já chegaram a ter obras censuradas porque atingiram o orgulho de grandes marcas multinacionais. Na Fundação Joaquim Nabuco, são projetados dois vídeos dos artistas, em cartaz em períodos diferentes. O primeiro é Carro em chamas, que é lançado nesta segunda, às 19h, e continua em exibição até 29 de novembro. O segundo, a partir de 1º de dezembro, é McDonald's inundada, inédito no Brasil.

Carro em chamas mostra exatamente o que o título diz. Durante 11 minutos, um automóvel pega fogo até ser totalmente carbonizado. No lugar de monótona, a cena é carregada de tensão e beleza plástica, pois a filmagem tem fotografia de cinema e mostra os efeitos do calor e o movimento do fogo em detalhes. A imagem, que faz uma referência direta aos protestos ocorridos em Paris há três anos, funciona como uma catarse contra os mecanismos de exclusão social, simbolizada pela destruição de um dos maiores ícones do consumismo.

McDonald's inundada (20 minutos) também tem um título bastante literal. Em um estúdio, os artistas construíram uma réplica do ambiente interno de uma lanchonete e depois alagaram o local com o uso de mangueiras. Aos poucos, a água preenche o ambiente até o teto. O filme, também cuidadosamente fotografado, oferece a sensação de que as forças da natureza se rebelaram contra esse templo internacional da alimentação comercial padronizada. Temas como aquecimento global, manipulação de individualidades e saúde pública podem ser indiretamente associados à obra.

Em 2004, na Bienal de São Paulo, o Superflex teve um trabalho censurado. A obra consistia na distribuição de latas de um refrigerante fabricado por pequenos produtores de guaraná do amazonas, que foram engolidos pelo velado monopólio das grandes companhias de bebida nacionais. Fundado em 1993, o grupo é formado por Reuter Christiansen, Jakob Fenger e Rasmus Nielsen.

Uma programação com cinco debates, acompanha o período da mostra, que é a primeira de um programa de dez exposições em torno do tema Política da arte. Entre os convidados estão Jochen Volz (co-curador da Bienal de Veneza em 2009 e diretor do Centro de Arte Contemporânea Inhotim) e o crítico Luiz Camilo Osório (curador do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro).

Museus correm para expor Oiticica

2009-11-07T08:41:00.002-02:00

SP ganha mostra com "Metaesquemas" e relevos que é aberta hoje; Inhotim terá pavilhão exclusivo para artista carioca

  "Cosmococas" serão exibidas em três instituições dos EUA; após incêndio, custos de exposição paulistana dobram   

Mario Gioia e Silas Marti da Folha de S. Paulo   

Depois do incêndio de 30% do acervo de Hélio Oiticica que estava na casa do irmão, César Oiticica, no Rio, museus e instituições aceleram mostras e espaços dedicados ao artista carioca, no Brasil e no exterior. Em São Paulo, hoje, o IAC (Instituto de Arte Contemporânea) inaugura a exposição "Da Estrutura ao Tempo", que exibe 18 trabalhos de Oiticica (1937-1980) do início de carreira, de 1956 ao começo da década seguinte.

 Após o incêndio ocorrido no último dia 16, a mostra ganhou mais interesse e teve os custos duplicados. "A segurança, que já era maior que o normal, foi reforçada. O seguro também aumentou", conta Roberto Bertani, diretor do IAC.

 As obras emprestadas por cinco colecionadores de São Paulo e do Rio também estão com o valor dobrado. Em média, cada um dos 14 "Metaesquemas" presentes no IAC vale US$ 300 mil (cerca de R$ 516 mil). Cada um dos quatro relevos que completam "Da Estrutura..." é avaliado em US$ 700 mil (R$ 1,2 milhão).

 O curador da exposição, Cauê Alves, fez o recorte no começo da carreira de Oiticica por avaliar que as leituras sobre essa fase se repetem.  "É um período muito importante na trajetória do Hélio e que tem sido visto como antecipador da obra mais sensorial dele, quando ele abandona o plano, quase como se a trajetória dele tivesse uma evolução linear", afirma Alves. "Mas ele poderia ter trilhado outros caminhos. A rigor, os "Metaesquemas" se aproximam muito da produção de outros construtivos, como Barsotti e Amilcar de Castro.

Pavilhão exclusivo

 Na esteira de mostras de Oiticica pós-incêndio, o Instituto Inhotim pretende inaugurar no ano que vem um pavilhão para abrigar cinco das nove "Cosmococas" produzidas pelo artista, com o cineasta Neville d'Almeida, nos anos 70.

 Só uma das instalações, "CC5 Hendrix War", está montada hoje no museu de Brumadinho, na Grande BH. Com a construção do novo pavilhão, as outras quatro obras da série, que já integravam o acervo do Inhotim, poderão ser vistas juntas pela primeira vez desde 2005, quando foram expostas no Rio e em Buenos Aires.  "Esse projeto já existia antes do incêndio, mas agora se torna mais urgente", afirma Rodrigo Moura, um dos curadores do centro mineiro. "Toda a situação de como mostrar a obra do Hélio mudou muito."

 No trabalho já montado, Oiticica faz uma homenagem ao músico Jimi Hendrix. As demais obras da série são instalações com projeções de slides, espécie de fusão entre artes plásticas e cinema, dedicadas a outras figuras centrais na história da arte, como Luis Buñuel, Yoko Ono e John Cage. "Nossa filosofia era homenagear pessoas de grande transgressão", lembra Neville d'Almeida, que fez a série com Oiticica entre março e agosto de 1973, no apartamento onde o artista vivia em Nova York.

 "Hendrix, por exemplo, fez uma transgressão tão violenta, tão absoluta que o vice-presidente na época disse que ele era um veneno para a juventude americana."  Esse veneno aparece no branco da cocaína usada nas fotografias da série. Contornos dos rostos de Hendrix e Monroe, por exemplo, são traçados por cima dos retratos com carreiras da droga. As "Cosmococas" formam parte expressiva da filosofia de Oiticica e seu chamado programa ambiental. "É uma obra matricial de como artistas vão pensar o papel do espectador dentro da imagem em movimento", diz Moura.

 Três obras da série serão exibidas no exterior. Uma delas, a que homenageia Buñuel, pode ser vista agora no museu Yerba Buena, em San Francisco. Em fevereiro de 2010, viaja para o Hunter College, em Nova York, e segue em setembro de 2010 para o Museu de Arte Contemporânea de Los Angeles.

DA ESTRUTURA AO TEMPO

Quando: abertura hoje, às 11h (convidados); de ter. a sáb., das 10h às 18h, e dom., das 12h às 17h; até 28/2
Onde: IAC (r. Maria Antonia, 242, tel. 0/xx/11/3255-2009); livre
Quanto: entrada franca

Serra e Sayad querem acabar com os museus de SP

2009-11-06T16:57:00.002-02:00

por Celso Fioravante do Mapa das Artes

O jornal “O Estado de S. Paulo” publicou no último dia 9 de agosto uma reportagem na qual detalhou uma proposta nefasta do governo do Estado de São Paulo, de, por meio de seu Secretário de Cultura, João Sayad, transferir para as prefeituras a administração dos 49 museus públicos estaduais que ainda não são geridos por organizações sociais, como a Pinacoteca e o Museu da Língua Portuguesa. Isso significa que a dupla Serra-Sayad não está interessada em manter os museus do Estado e por isso decidiu passar a conta para as prefeituras. Visto que é provável que muitas prefeituras não aceitem essa proposta indecente, a tendência é que os museus do Estado caiam ainda mais no ostracismo (como já acontece com 12 deles) ou se juntem aos seis museus-fantasmas do Estado (aqueles que existem só no papel), conforme apontou a reportagem.
Dá até medo de ter governantes tão maquiavélicos! Eles sabem que gastar com a manutenção de museus não traz votos pra ninguém e por isso já querem se livrar deles! De olho nas futuras eleições, preferem investir em obras com muito ferro e cimento, que chamem a atenção, como o faraônico complexo cultural de dança e ópera, que pretendem construir na Estação da Luz.
A reportagem de “O Estado de S. Paulo”, assinada por Edison Veiga e Vitor Hugo Brandalise, revela ainda que, para passar a conta para as prefeituras, o Estado está restaurando e/ou reformando apenas três dos 49 museus. E não vai reformar mais nenhum, conforme declarou o próprio secretário Sayad! Nem eu acreditei quando li isso!!!
Ou seja, o governo do Estado prefere abrir mão de imóveis e acervos museológicos a ter que gastar com eles uma mínima parte de seu orçamento que seja. O Ministério Público Estadual deveria fazer uma análise aprofundada desse processo para verificar se o Estado pode abrir mão de suas responsabilidades dessa forma. Hoje, as vítimas do descaso da administração do Estado de SP são os museus, mas amanhã quem serão? As escolas, os hospitais...
E por falar em Ministério Público Estadual, me causou estranhamento a atitude do MPE de indeferir a posse do empresário Heitor Martins como presidente da Fundação Bienal de São Paulo, alegando “conflito de interesses”, como divulgou o jornal “Folha de S. Paulo” em reportagem de Silas Martí em 07 de agosto último.
O “conflito” seria o fato de a empresária Fernanda Feitosa, mulher de Heitor Martins, ter um contrato de aluguel de espaço na Fundação Bienal até 2015...
Mas qual seria exatamente o “conflito”? O contrato entre Feitosa e a Fundação Bienal não existe desde 2005, quando ocorreu a primeira edição da feira SP-Arte? O primeiro contrato não foi anterior à posse de Heitor Martins? A empresária não tem cumprido o contrato? Ela não tem pago pra usar o espaço da FB?
Na minha opinião, “conflito de interesse” (e falta de vergonha na cara) é usar dinheiro público para contratar, mulher, filho, genro, namorado de neta e tudo ficar por isso mesmo!
O Mapa das Artes São Paulo agradece o Instituto Moreira Salles pela cessão da imagem da fotografia “Vista Panorâmica do Vale do Anhangabaú, a partir do Mosteiro de São Bento” (c. 1911), de Vincenzo Pastore (1865-1918), pertencente ao seu acervo, parcialmente reproduzida na capa desta edição do Mapa das Artes São Paulo.

Celso Fioravante - Editor
mapadasartes@uol.com.br

HÉLIO OITICICA NO INSTITUTO DE ARTE CONTEMPORÂNEA - IAC

2009-11-03T16:03:00.004-02:00

"Da Estrutura ao Tempo" reúne trabalhos do carioca Hélio Oiticica (1937-1980), que recentemente teve obras destruídas por um incêndio ocorrido no Rio de Janeiro (RJ). São exibidos 18 trabalhos (sendo 14 metaesquemas), com curadoria de Cauê Alves. Na ocasião o IAC comemora três anos no Centro Universitário Maria Antonia e inaugura nova reserva técnica, com investimento de R$ 600 mil (ambas de 07/11/2009, às 11h, a 28/02/2010).

Palestra Hoje em SP: Nicolas Bourriaud

2009-11-03T15:17:00.004-02:00

Martins Martins Fontes recebe o renomado escritor Nicolas Bourriaud para o lançamento de suas obras

Tudo pronto para a recepção do escritor Nicolas Bourriaud, em São Paulo. Com previsão de chegada, dia 03 de novembro, o crítico de arte apresenta-se no Itaú Cultural. A apresentação aberta ao público terá início às 19h30.O tema de abertura Mesa Formas de Convívio: Os Limites da Coabitação será debatido durante a 7ª Edição do Próximo Ato - Encontro Internacional de Teatro Contemporâneo.Em seguida à apresentação, o escritor participa da noite de autógrafos dos seus livros Estética Relacional e Pós-Produção - Como a Arte Reprograma o Mundo Contemporâneo - lançamento Martins Martins Fontes.

Em Estética Relacional, Bourriaud investiga a sensibilidade coletiva em que se inscrevem as novas formas da arte, detendo-se na vertente convivial e interativa dessa revolução, procurando saber por que os artistas passaram a produzir modelos de socialidade e a se situar dentro da esfera inter-humana. Já em Pós-Produção - Como a Arte Reprograma o Mundo Contemporâneo, que é um prolongamento do anterior, mostra como entender e interpretar as novas manifestações artísticas da atualidade, abordando as relações entre a cultura em geral e a obra em particular.

ESTÉTICA RELACIONAL
Autor: Nicolas Bourriaud
ISBN: 9788599102978
Preço: R$ 25,50
Páginas: 152 pp.
Martins Fontes

PÓS-PRODUÇÃO - COMO A ARTE REPROGRAMA O MUNDO CONTEMPORÂNEO

Autor: Nicolas Bourriaud
ISBN: 9788561635114
Preço: R$ 19,80
Páginas: 112 pp.
Martins Fontes